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Entrevistas

Sebastián Caulier: “Uno escribe una película que nunca va a filmar”

El jueves se estrenó El Corral, el segundo largometraje del director Sebastián Caulier. Un thriller que trata sobre dos chicos excluidos que realizan actos vandálicos vengándose de quienes los molestaron.

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El jueves se estrenó El Corral, el segundo largometraje del director Sebastián Caulier. Un thriller que trata sobre dos chicos excluidos que realizan actos vandálicos vengándose de quienes los molestaron. Caulier cuenta en Ultrabrit detalles de esta historia con forma de trilogía.

El Corral es tu segundo largometraje luego de La Inocencia de la Araña (2011) ¿Cómo resultó esta experiencia?

Fue mucho mejor, más distendido. Durante la primera yo era inexperto, nunca había filmado una película, estaba más nervioso. Tenía esta obsesión de querer controlar todo y la ilusión de que si uno controlaba todo, todo iba a salir mejor aunque después en realidad no es así, a veces las cosas salen mejor cuando aprendés a soltar un poco y a delegar en el equipo que uno convocó.  En esta película estuvo como todo más relajado, disfruté mucho más el proceso de la creación colectiva, de poder escuchar e incorporar todos los aportes de las diferentes cabezas de área. La pasé mucho mejor y me gusta más el resultado.

La película se desarrolla en el mismo colegio y época que  la anterior ¿A qué se debe esta decisión?

Los dos guiones surgieron en la misma época. La primera historia que se me ocurrió de las dos de hecho fue el corral. Lo empecé a desarrollar, me trabé, lo abandoné y me surgió esta idea como en el mismo universo-colegio de dos nenas que se enamoran del profesor. Salió esa antes, la filmé y después de 6 años retomé El corral, pensando que nunca la iba a hacer. Un día me encontré con unas impresiones de una primera versión y dije: “ah mirá, no está mal” y lo empecé a escribir de cero. Así que no es que hice una y después otra, si no que salieron medio al mismo tiempo. Lo que quise en las dos era hablar de la adolescencia que yo que  conocí.

La inocencia de la Araña y El Corral forman parte de una trilogía ¿Ya tenés en mente la tercera?

Supuestamente sí, tengo la idea que sería contar la historia desde otro punto de vista, en estas primeras dos los protagonistas son los excluidos, los que quedan afuera y siempre hablan de los “chetos”, esta tercera sería contada desde el punto de vista los chetos, va a ser raro porque no conozco esa parte. También lo haría como en el mismo colegio, con la misma estética. Pero creo me quiero tomar unas vacaciones de la temática.

En la película la relación de los chicos es muy importante y la tensión llega muy al límite ¿Cómo fue trabajarlo con los actores?

A diferencia de las chicas de la película anterior, que eran muy chicas, Felipe y Patricio ya tenían experiencia.  En esta son varones despidiéndose de la adolescencia y entrando en la adultez. El personaje de Gastón ejerce una seducción muy grande sobre Esteban, que nunca se especifica pero se lee. Hay como una especie de enamoramiento que tiene que ver con cómo Esteban lo idealiza, lo considera como un mentor, la persona que le enseña el camino a seguir, es como Yoda (risas).  Eso se traduce en una especie de enamoramiento. Así que para poder trabajar todas esas capas de subtexto la clave siempre es primero tener uno en claro como director que quiere trabajar y hablarlo claramente con los actores que tienen que ser cómplices de lo que uno está queriendo hacer. Los ensayos fueron una de las cosas que más disfruté de la película, más que el rodaje, porque es el momento en que ves esas escenas que antes eran solamente papel.

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¿La película quedó como imaginabas?

Es muy distinto. Yo tengo la idea de que uno escribe una película que nunca va filmar, e iría más lejos y diría que uno filma una película que nunca va a mostrar. Cuando uno tiene el guion es como cuando lees un libro y te imaginas las escenas en tu cabeza como querés, con las caras, los escenarios, los colores, es muy fuerte ese proceso, porque estás dos años trabajando o viendo un guion que vos te lo imaginas perfecto  y  después cuando empezas a hacer el casting y esas caras empiezan a tener cara real, todo eso se empieza a desarmar y decís: “ah no no es como el que yo me imaginaba” , las locaciones de repente son reales, empezas a ensayar, y cuando empezas el rodaje esa película que tenías en la cabeza ya no existe más porque ya son otros actores, otras locaciones, ensayaste y las escenas van por otro lado y ahí si es: “bueno empecemos a ver qué sale”. Y la película que se termina para mí nunca tiene nada que ver con lo que tenía en la cabeza, pero ya sé que funciona así.

¿Qué expectativas tenés sobre el estreno?

Cada vez son más humildes mis expectativas,  ahora espero que vaya la mayor cantidad de gente posible a verla, está buenísimo hacer una película por el solo hecho de hacerla, pero uno necesita que la vea gente. Después de exhibirla va a ir a  Cine.ar seguro, eso está bueno porque la película remonta mucho. Yo voy a tratar de alargar lo máximo posible las exhibiciones, a mí me gusta que se vea en cine, en pantalla grande. Salimos en varias pantallas, creo que 13, pensábamos que íbamos a salir en más, que íbamos a salir en 20 salas, porque pensábamos que iba a ser una buena semana y no lo fue tanto. Porque es como un Game of thrones de salas de cine (risas) “esta se baja, esta no” y ocurrió que esta semana se iban a bajar más películas de las que se bajaron, está todo muy copado por tanques,  falta proteger más los espacios de exhibición.

El Corral cuenta con música de Maxi Prieto, ¿cuáles son tus referencias musicales?

Soy bastante melómano, tengo distintas etapas ahora estoy en una etapa muy new wave, escuchando Talking Heads, pero me gusta todo tipo de rock. Siempre me gustó mucho Blur, pero no me gustaba Oasis, estaba siempre como con la contra, hasta el día hoy me gusta más Hole la banda de Courtney Love que Nirvana. Y desde  hace algunos años estoy explorando el actual rock argentino, soy bastante fan de El mato a un policía motorizado, de Los Espiritus, que es la banda de Maxi. Soy muy fan de David Bowie, de Morrisey. Tengo etapas más pop, otras más rockeras, pero trato de escuchar de todo.

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Cine y Series

“Heroxs del 88”, el documental sobre Invasión 88 que podés ver en Qubit.

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Charlamos con Luis Hitoshi Díaz, fanático del punk que pudo documentar la historia del disco que marcó su vida

Antes de preguntarte cómo surge la idea del documental, quiero saber como llega Invasión 88 a tu vida.

El disco sale en el ’88 cuando yo tenía 12 años y escuchaba la Rock and Pop. Se pasaba mucho Todos tus Muertos y Pasión de multitudes de Attaque 77. Esas canciones siempre iban juntas y la rareza me llamó la atención. Eran canciones que puteaban, que le cantan a un club de fútbol. Eso me quedó en la cabeza. Después recuerdo en una disquería a pocas cuadras de casa ver el disco. Me flashió mucho la tapa.

En el ’91 es cuando vienen los Ramones por segunda vez para después empezar a venir todos los años. Sale El cielo puede esperar de Attaque 77 y explota “Hacelo por mí”. En esa época, que el punk empieza a sonar por todos lados, un amigo me trae grabado Invasión 88. No lo podía creer.

Ahí me obsesioné con recueperar el material del punk de los ochenta. El problema es que no había tanta data como ahora. Solo tenía esos fanzines en fotocopia y los leía todas las noches. El cassette que está en la película todavía lo conservo, con letras escrita a mano y todo.

Desde esa obsesión que generaste a partir de 1991 a luego decir “hay que hacer un documental”, ¿qué tuvo que pasar?

Lo digo en la peli y lo digo en serio: el disco me cambió la vida. Me hizo conocer el punk en profundidad, empezar a descubrir bandas de acá, de afuera y entender que era un movimiento. Que existía el do it yourself (hacelo vos mismo).

A medida que pasaron los años me empecé a dedicar al cine, al periodismo y a la radio. Un día me crucé a Chuchu Fasanelli, productor del disco, y le pregunté por el VHS de la presentación en vivo, del que no hay prácticamente archivo. Ahí empecé a tomar algunas notas.

Si bien tenía algunas ideas, cuando llega el 2018 e Invasión 88 cumple treinta años dije “le tengo devolver a este disco, lo que este disco me dio”. Ahí empezó la idea del documental. Lo llamé a Chuchu y lo convencí de que valía la pena hacerlo porque es un disco clave.

El documental tiene esa cosa DIY que también tiene el disco. ¿Es a propósito?

Los tiempos en el cine son muy laxos. Entre presentar un proyecto, que se apruebe, conseguir financiación… Sentía que el documental había que hacerlo rápido porque eran los treinta años.

De pronto empezó a pasar que un día teníamos todos los equipos y otro día no. Para algunas entrefvistas que iban apareciendo era difícil tener la misma cámara o el mismo micrófono.

En un momento me preocupé, pero después pensé: “el disco tiene una estética collage. Suena medio mal, las bandas suenan distintas entre sí. Es un espíritu que hay que respetar” No es que lo voy a hacer a propósito pero si el documental logra reflejar este espíritu me parece que va a funcionar.

Recién mencionabas que te fuiste metiendo más en el género. Conociste bandas de acá y de afuera. ¿Supiste de alguna historia similar?

Chuchu considera a Invasión 88 como una réplica de unos discos que se hacían en Brasil. Eran unos compilados que venían con libritos con todas las informaciones de las bandas.

O Começo do Fim do Mundo, Sub y Grito Suburbano. Son compilados clave para la escena brasileña.

Mi objetivo era que haya un integrante de cada banda, que estén los productores y el que hizo la tapa. Por suerte lo logramos. Incluso Walter Kolm, uno de los productores, vive en Miami y es manager de Maluma y Carlos Vives. Walter teminó ayudando para terminar el documental, tiene un gran amor con el género y por el documental.

¿Por qué Heroxs? ¿Y por qué el inclusivo?

Muchos piensan “claro ahora hay que ser inclusivo” por la X. En realidad en los fanzines de los 80s ya se escribía con X. Ya eran inclusivos en esa época, algo de todo lo genial que tiene el punk.

Si de pibe te apasionaba la historia de los músicos, con el correr de admirás la forma de producción del disco. El documental aborda la improbabilidad del éxito de Invasiín. Se editó en el marco de una hiperinflación cuando no se editaban vinilos. 

Cuando empezamos a grabar las entrevistas todos nos decían “éramos pibes”. Claro, eran pibes menores de 25 años, que sacaron un disco cuando nadie podía sacar un disco. Hacían shows cuando casi que la policía todavía te metía en cana por cualquier cosa. No había guita para nada. Y es loco porque eran muy pibes. Eso me llamó la atención, la energía joven; por eso quería mostrarlo en el docu.

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Entrevistas

Andy Muschietti: “Hacer un corto hoy en día es más fácil que nunca. Hay que hacer”

En medio de una larga jornada los hermanos Andy y Barbara Muschietti conversaron con la prensa donde nos contaron curiosidades de los losers, hablaron de la industria y sobre el cine en general.

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Tras el éxito que generó IT, los hermanos argentinos que triunfaron en Hollywood fueron dos de las celebridades más esperadas de la Comic Con. El público enloquecía cada vez que aparecían en pantalla o con imágenes de la película.

En medio de una larga jornada los hermanos Andy y  Barbara Muschietti conversaron con la prensa donde nos contaron curiosidades de los losers, hablaron de la industria y sobre el cine en general.

¿Qué se siente ver a todo el público aclamarlos como suelen hacer con actores?

Andy: Es genial. Tenés una noción de que a mucha gente le gusta, pero en un evento como este ves este fenómeno y es como la beatlemania, te asomás y “aaaaah” (risas). Da mucho orgullo ver que la película funcionó tan bien a nivel emocional en la gente.

Barbara: Recibimos mucha correspondencia de chicos y muchos chicos del interior por ejemplo que nos escriben y nos dicen “no tengo escuela de cine acá pero veo que ustedes lo están haciendo, yo lo puedo hacer también.” Y si pueden… más ahora que los materiales están. Nosotros cuando fuimos a la escuela de cine, Andy tenía que pedir LA cámara que había en la universidad.

A: Sí, era todo más difícil, incluso en la difusión, vos eras el único promotor de tu obra, y tenías que mandar tu copia en un festival en la loma del orto, y a veces ni llegaba. Hoy en día con YouTube, si hiciste un corto que está bueno, va  a hablar por sí solo.  Y lo ves, si hay un corto que está bueno la gente lo mira. Es como más democrático de alguna manera… Y permite que gente que tiene condiciones y talento le muestre su trabajo al mundo sin tener que hacer un gran esfuerzo.

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¿Qué le recomendarías a un estudiante de cine?

A: Que haga un buen corto.

B: ¡Y corto! Que sea corto.

A: Después va a haber tiempo para hacer algo más largo, pero el poder de síntesis es importante y sobre todo si querés que lo vea la mayor cantidad de gente posible y querés que ese ejercicio te lleve al siguiente paso. Tiene que ser algo que la gente quiera ver. Hacer un corto hoy en día es más fácil que nunca. Hay que hacer. Si el primero te sale como el culo, hacé otro y otro y otro hasta que sea un corto que realmente llame la atención.

B: Los Losers se la pasaban haciendo cortos. En cualquier tiempito libre que tenían se rodaban cortos, ridículos muchos y muy divertidos  pero es práctica. Y de repente veían algo en la película y decían “Bueno voy a escribir una escena… y venían con una escena escrita” (risas).

 

Andy, ¿qué te pasó a vos cuando tuviste que adaptar un libro tan largo, con muchos fans y una miniserie, sentiste mucha presión?

A: Yo soy un fan también. Si sos cineasta tenés que entender que para hacer una película tenés que encontrar una visión y esa visión tiene que salir de adentro. El cerebro humano no pude satisfacer las expectativas de 100 millones de fans.  La única manera de encontrar esa visión es mirando adentro. Yo leí el libro la primera vez a los 14 años entonces para mí, lo primero que pensé es llevar al cine lo que yo sentí leyendo ese libro.… Es un camino muy personal. Me llego al corazón la historia de Bill y Bev, esa historia de amor,  porque además el libro hablaba de las cosas que te estaban pasando a vos en esa época, la época de la vida donde pasan las cosas por primera vez, primer amor, primera pelea en el patio del colegio. Uno en esa época es como una esponja que absorbe todas esas experiencias y las transforma en emociones. Después uno se hace adulto y racionaliza todo. Yo ya sabía que Stephen King era un tipo muy abierto en cuanto a las adaptaciones, él admite que las adaptaciones son animales que tiene que tener una vida propia. Uno está muy focalizado en lo técnico y se pierde un poco lo emocional…

¿Y el resultado que quedó era lo que esperabas o cambió mucho respecto a lo que tenías pensado?

A: Sí, es distinto. Hay muchos matices ahí. A grandes rasgos es la película que quería, pero la película va por lugares que yo no me esperaba, es inevitable eso. Cuando la película toma vida, la experiencia de estar viendo una escena es muy distinta a lo que vos te imaginabas, ya con ese concepto es muy distinto. Y muchas veces algo que pensabas que estaba buenísimo, no es tan bueno en la escena. Lo mejor es darse cuenta en el rodaje y tener cintura como para improvisar. En la película hubo mucha improvisación, sobre todo en las escenas donde había comedia. La escena del escupitajo seguía, seguía, seguía y terminaba con Jack (Eddie) haciendo un baile muy gracioso que  no quedó en la peli porque la escena era larguísima, pero por ahí lo ven en el corte del director…

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Desde Mama (2013) a IT (2017) ¿Qué aprendieron de la industria?

B: Lo cierto es que Mama fue prácticamente una película independiente. Fue una coproducción española-canadiense, la que luego nos ayudó mucho con el estudio. Pero para el estudio era una película tan barata que no se metieron para nada. El costo para ellos era algo que levantan con venta de DVDs en semanas. Y el beneficio de eso es que no te joden; te puede salir mal y si no les gusta te la dejan en la repisa sin ningún problema, no le ponen un centavo a la difusión.  Pero trabajar con estudios es extremadamente complicado. Con Mama nosotros queríamos hacerla y la hicimos y cuando trabajas con el estudio no tenés ese poder. Tenés que estar esperando a que las condiciones sean idóneas y es complicadísimo porque hay un 80 % de cosas sobre las cuales no tenés control. Por eso hacer una peli es un milagro, porque hay tantos accidentes.

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Francisco Denis, de Narcos: “La violencia no está en las series, sino en la realidad que vivimos”

Como adelantamos en Ultrabrit, la impactante historia del Cartel de Cali llegó a Narcos. Luego de la muerte de Pablo Escobar, quién era el líder del famoso Cartel de Medellín, conocimos a quienes lo sustituirían en el negocio del narcotráfico.

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Como adelantamos en Ultrabrit, la impactante historia del Cartel de Cali llegó a Narcos. Luego de la muerte de Pablo Escobar, quién era el líder del famoso Cartel de Medellín, conocimos a quienes lo sustituirían en el negocio del narcotráfico.

Entre los cuatro cabecillas del Cartel de Cali se encuentra Miguel Rodríguez Orejuela, quien es interpretado por el actor Francisco Denis. Tuvimos el placer de conversar con el sobre la construcción de este personaje narcotraficante, del uso de Netflix y en qué momento de su carrera lo encuentra este personaje.

¿Cómo fue ponerte en la piel de uno de los narcotraficantes más buscados del mundo?

Creo que para cualquier actor es una responsabilidad enorme y creo que así lo asumimos todos en Narcos. Leí todo lo que pude sobre el Cartel de Cali y fue todo muy interesante lo documentado en todos estos libros porque la verdad es una historia increíble, pero propiamente de Miguel no era tan fácil porque no era fácil conseguir gente que haya estado cerca de él, que me hablara de cómo era él, que era lo que más me interesaba en ese momento. Pero luego encontré un libro de Giraldo, un periodista que estuvo muy cercano a Miguel, en donde el lo describe como una persona obsesionada con la limpieza, por el orden, bastante retraído, podría decirse que era una persona muy poco social. Entonces a mí me ayudaron muchísimo todos esos datos para poder construir el perfil del personaje.

¿Crees que Narcos deja un mensaje en la sociedad?

La misión de Narcos no es dejar ningún mensaje, es sólo entretenimiento. El hecho de creer que nosotros glorificamos la violencia y a los Narcos con este tipo de series, es una constante discusión y yo creo que la violencia no está en las series de televisión, sino que la violencia está en la realidad que vivimos, es un hombre como Donald Trump, eso es lo que glorifica la violencia y eso no está prohibido, más bien, ese personaje ahora es el presidente de los Estados Unidos, eso sí glorifica la violencia. Ahora, una serie de televisión es entretenimiento y es buen entretenimiento cuando esta  bien hecho, bien documentado artísticamente. De todas maneras, no creo que una realidad por más violenta que haya sido es mejor ocultarla porque hace daño, porque no es educativo, o porque genere más violencia, porque está demostrado que no es así.

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¿Se podría decir que el personaje de Miguel Rodríguez Orejuela marcó un antes y un después en tu carrera?

Mi carrera ha sido muy particular, porque yo nunca pedí en ir a Hollywood (risas). Yo soy actor y director de teatro y he hecho bastante cine, entonces desde ese punto de vista si es sorpresivo y cambia completamente lo que yo venía haciendo, pero toda mi vida ha sido así. He vivido en muchos lugares, Ecuador, Francia y Venezuela, pero no me esperaba esto, una llamada de teléfono desde los Ángeles diciéndome que querían que esté en Narcos, ¡imagínate que yo ni siquiera tenía Netflix! luego me encuentro en Colombia filmando Narcos y ahí me di cuenta que fue un paso a una vida distinta.

¿Estás trabajando en nuevos proyectos por el momento?

Claro que sí, la verdad que han surgido varias propuestas en los Ángeles como actor, eso por un lado. Por otro lado, es muy probable que me erradique en México, donde también aparecen muchas cosas interesantes, no sólo como actor, sino que también como director teatral, ya que me gustaría seguir haciendo teatro. La verdad que es un momento muy rico profesionalmente para mi vida.

¿Cómo vieron la respuesta de la gente con la tercera temporada?

La verdad que tanto el público argentino como de otros países se han mostrado fascinados con Narcos. En otras palabras, no sabíamos lo que teníamos en las manos hasta el primer estreno público que se realizó en la ciudad de Nueva York. Los fans de Narcos decían “después de Pablo Escobar no queda nada” y la verdad han quedado impresionados y satisfechos con esta nueva temporada. Creo que nadie esperó tener tan buena repercusión y la verdad que con todo el elenco estamos muy contentos y agradecidos de la devolución de la gente. Hemos realizado un trabajo excelente y nos entregamos totalmente a Narcos y a cada personaje.

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