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Entrevistas

Ricardo Darín: “Una de las pocas libertades que nos quedan como espectadores es hacer nuestras propias interpretaciones”

Este jueves se estrena La Cordillera, la nueva película de Santiago Mitre en la que Ricardo Darín interpreta a un presidente de la República Argentina que pareciera ser el candidato perfecto para el pueblo.

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Este jueves se estrena La Cordillera, la nueva película de Santiago Mitre en la que Ricardo Darín interpreta a un presidente de la República Argentina que pareciera ser el candidato perfecto para el pueblo.

Este drama político tiene como protagonista a Hernán Blanco (Darín), un presidente que llegó a su puesto con el disfraz de hombre común, enfrentándose en una cumbre presidencial en Los Andes con otros colegas de la región. En plena cumbre se harán presentes el pasado familiar y la ambición para desatar una crisis en la que este hombre del pueblo deberá tomar la mejor decisión.

Este film sobre la intimidad de un presidente fue ovacionado por la crítica en el Festival de Cannes y en la primera presentación en nuestro país. Antes de su estreno, Ricardo Darín y Santiago Mitre contaron en conferencia de prensa detalles de este trabajo que pareciera aparecer en un contexto político muy particular para la Argentina.

Como ciudadanos, ¿Creen que se pueden justificar las decisiones del presidente Hernán Blanco?

Ricardo: Yo soy de los que creen que la responsabilidad está puesta en el rol porque abarca muchísima más gente. Es muy difícil medirlo en términos razonables, no existe comparación posible. Quizás el presidente Blanco se apoya en ese dilema, en cómo lidiar con ambas cosas al mismo tiempo y en lo que ocurría en su cabeza para intentar salir de ambas situaciones de la forma más beneficiosa posible. Pero creo que lo más difícil es intentar comprender lo que le pasa al otro. Nosotros no estamos acostumbrados a medir en términos humanos y personales las actitudes de los funcionarios y tampoco tenemos porqué hacerlo. Pero si a veces tuviéramos la posibilidad de espiar por una rendija una tragedia que está viviendo alguno de forma personal tal vez entenderíamos un poco más lo que pasa, ya que los ciudadanos comunes no tenemos acceso a ese tipo de mirada.

 La producción parece haber llevado mucho tiempo, ¿qué proceso tuvo y cuánto tiempo llevó el guion? 

Santiago: El proceso del guion no lo puedo medir porque desde que me surgió la idea hasta que tuvimos la primera versión habrá pasado un año o dos. A su vez era un guion muy complejo por los motivos evidentes, es una cumbre de presidentes en el medio de la cordillera, en un hotel tan particular y con actores que venían de todos los países de la región. Era un desafío importante e interesante de producción, asique trabajamos con mucha seriedad y esfuerzo como para que la película reflejase con verdad y con potencia lo que el guion había plasmado.

¿Qué se siente interpretar a un presidente en el contexto actual que está atravesando nuestro país?

Ricardo: Santiago contaba que antes de planear la película ya estaban charlando el concepto y después tuvieron un año de preparación, imagínate la cantidad de tiempo anterior a este actual proceso. A veces pasa por esta yuxtaposición de tiempos y de etapas que parece que algo fuese oportunista. Es decir, que aparezca La Cordillera en este momento da la sensación de que viniera a hablar de nuestro momento actual, pero en realidad es mucho más amplio que eso, es una historia de ficción que depende en que momento salga a la luz puede ser interpretado de distintas formas, pero nuestra intención siempre fue contar una historia de ficción. Además la situación de Argentina cambia todo el tiempo y llegarías tarde con cualquier película (risas).

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Ante la situación del país y con esta experiencia de crear a un presidente, ¿qué propondrías como mandatario? 

Ricardo: Básicamente, propondría toda la transparencia posible, un gran esfuerzo de una mirada hacia adentro, buscar el gen que los llevó a intentar fijarse solamente en el bien común.

¿Te inspiraste en algún personaje concreto de la política actual para interpretar a tu personaje?

Ricardo: Estuvimos especialmente atentos a que no tuviera anclaje en personajes fácilmente reconocibles y que esté al alcance de nuestras manos. Lo que es totalmente imposible es inhabilitar al espectador a que haga sus propias interpretaciones, y afortunadamente eso ocurre porque es una de las pocas libertades que nos quedan como espectadores. Pero siempre estuvimos muy enfocados en que no se parezca a nadie, tuvimos situaciones en la que veíamos alguna toma u otra y cambiábamos pequeñas cosas justamente para no buscar ese tipo de relaciones.

 Santiago, ¿cuál fue el disparador que te motivó a tratar ésta temática?  

El disparador fue trabajar en torno a una cumbre de presidentes, ver todo lo que sucede detrás de ese encuentro. Como se construye el poder dentro de un proyecto de unidad regional era algo que me interesaba como espacio para ambientar una película. Luego, contraponer esa gran política con la política en su mínima expresión, como un vínculo familiar o la intimidad de un presidente como si pudiese encontrar dos fuerzas de choque y entre un personaje dividido entre sus ambiciones, y por otro lado el modo en el que se enfrenta a la relación con su hija.

¿Ya tenías pensado los actores para cada personaje?

Santiago: En el caso de Ricardo pensé en él antes de tener la idea de la película. Cuando surgió hacer una película acerca de un presidente, que era algo que me resultaba novedoso no sólo para mí sino también para el cine argentino, era Ricardo. Era un actor con el que quería trabajar y que me parecía que podía darle perfecto la imagen de presidente y en base a eso poder ir desarmándolo y poder mostrar zonas ocultas. Estoy orgulloso y agradecido de los actores que nos acompañaron en este proyecto, de la entrega y la calidad de trabajo de cada uno. 

Además de Ricardo, la película que se estrena este jueves cuenta con destacadas actuaciones de Érica Rivas, Dolores Fonzi,  Gerardo Romano, Paulina García, Alfredo Castro y Christian Slater, entre otros.


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Cine y Series

“Heroxs del 88”, el documental sobre Invasión 88 que podés ver en Qubit.

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Charlamos con Luis Hitoshi Díaz, fanático del punk que pudo documentar la historia del disco que marcó su vida

Antes de preguntarte cómo surge la idea del documental, quiero saber como llega Invasión 88 a tu vida.

El disco sale en el ’88 cuando yo tenía 12 años y escuchaba la Rock and Pop. Se pasaba mucho Todos tus Muertos y Pasión de multitudes de Attaque 77. Esas canciones siempre iban juntas y la rareza me llamó la atención. Eran canciones que puteaban, que le cantan a un club de fútbol. Eso me quedó en la cabeza. Después recuerdo en una disquería a pocas cuadras de casa ver el disco. Me flashió mucho la tapa.

En el ’91 es cuando vienen los Ramones por segunda vez para después empezar a venir todos los años. Sale El cielo puede esperar de Attaque 77 y explota “Hacelo por mí”. En esa época, que el punk empieza a sonar por todos lados, un amigo me trae grabado Invasión 88. No lo podía creer.

Ahí me obsesioné con recueperar el material del punk de los ochenta. El problema es que no había tanta data como ahora. Solo tenía esos fanzines en fotocopia y los leía todas las noches. El cassette que está en la película todavía lo conservo, con letras escrita a mano y todo.

Desde esa obsesión que generaste a partir de 1991 a luego decir “hay que hacer un documental”, ¿qué tuvo que pasar?

Lo digo en la peli y lo digo en serio: el disco me cambió la vida. Me hizo conocer el punk en profundidad, empezar a descubrir bandas de acá, de afuera y entender que era un movimiento. Que existía el do it yourself (hacelo vos mismo).

A medida que pasaron los años me empecé a dedicar al cine, al periodismo y a la radio. Un día me crucé a Chuchu Fasanelli, productor del disco, y le pregunté por el VHS de la presentación en vivo, del que no hay prácticamente archivo. Ahí empecé a tomar algunas notas.

Si bien tenía algunas ideas, cuando llega el 2018 e Invasión 88 cumple treinta años dije “le tengo devolver a este disco, lo que este disco me dio”. Ahí empezó la idea del documental. Lo llamé a Chuchu y lo convencí de que valía la pena hacerlo porque es un disco clave.

El documental tiene esa cosa DIY que también tiene el disco. ¿Es a propósito?

Los tiempos en el cine son muy laxos. Entre presentar un proyecto, que se apruebe, conseguir financiación… Sentía que el documental había que hacerlo rápido porque eran los treinta años.

De pronto empezó a pasar que un día teníamos todos los equipos y otro día no. Para algunas entrefvistas que iban apareciendo era difícil tener la misma cámara o el mismo micrófono.

En un momento me preocupé, pero después pensé: “el disco tiene una estética collage. Suena medio mal, las bandas suenan distintas entre sí. Es un espíritu que hay que respetar” No es que lo voy a hacer a propósito pero si el documental logra reflejar este espíritu me parece que va a funcionar.

Recién mencionabas que te fuiste metiendo más en el género. Conociste bandas de acá y de afuera. ¿Supiste de alguna historia similar?

Chuchu considera a Invasión 88 como una réplica de unos discos que se hacían en Brasil. Eran unos compilados que venían con libritos con todas las informaciones de las bandas.

O Começo do Fim do Mundo, Sub y Grito Suburbano. Son compilados clave para la escena brasileña.

Mi objetivo era que haya un integrante de cada banda, que estén los productores y el que hizo la tapa. Por suerte lo logramos. Incluso Walter Kolm, uno de los productores, vive en Miami y es manager de Maluma y Carlos Vives. Walter teminó ayudando para terminar el documental, tiene un gran amor con el género y por el documental.

¿Por qué Heroxs? ¿Y por qué el inclusivo?

Muchos piensan “claro ahora hay que ser inclusivo” por la X. En realidad en los fanzines de los 80s ya se escribía con X. Ya eran inclusivos en esa época, algo de todo lo genial que tiene el punk.

Si de pibe te apasionaba la historia de los músicos, con el correr de admirás la forma de producción del disco. El documental aborda la improbabilidad del éxito de Invasiín. Se editó en el marco de una hiperinflación cuando no se editaban vinilos. 

Cuando empezamos a grabar las entrevistas todos nos decían “éramos pibes”. Claro, eran pibes menores de 25 años, que sacaron un disco cuando nadie podía sacar un disco. Hacían shows cuando casi que la policía todavía te metía en cana por cualquier cosa. No había guita para nada. Y es loco porque eran muy pibes. Eso me llamó la atención, la energía joven; por eso quería mostrarlo en el docu.

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Entrevistas

Andy Muschietti: “Hacer un corto hoy en día es más fácil que nunca. Hay que hacer”

En medio de una larga jornada los hermanos Andy y Barbara Muschietti conversaron con la prensa donde nos contaron curiosidades de los losers, hablaron de la industria y sobre el cine en general.

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Tras el éxito que generó IT, los hermanos argentinos que triunfaron en Hollywood fueron dos de las celebridades más esperadas de la Comic Con. El público enloquecía cada vez que aparecían en pantalla o con imágenes de la película.

En medio de una larga jornada los hermanos Andy y  Barbara Muschietti conversaron con la prensa donde nos contaron curiosidades de los losers, hablaron de la industria y sobre el cine en general.

¿Qué se siente ver a todo el público aclamarlos como suelen hacer con actores?

Andy: Es genial. Tenés una noción de que a mucha gente le gusta, pero en un evento como este ves este fenómeno y es como la beatlemania, te asomás y “aaaaah” (risas). Da mucho orgullo ver que la película funcionó tan bien a nivel emocional en la gente.

Barbara: Recibimos mucha correspondencia de chicos y muchos chicos del interior por ejemplo que nos escriben y nos dicen “no tengo escuela de cine acá pero veo que ustedes lo están haciendo, yo lo puedo hacer también.” Y si pueden… más ahora que los materiales están. Nosotros cuando fuimos a la escuela de cine, Andy tenía que pedir LA cámara que había en la universidad.

A: Sí, era todo más difícil, incluso en la difusión, vos eras el único promotor de tu obra, y tenías que mandar tu copia en un festival en la loma del orto, y a veces ni llegaba. Hoy en día con YouTube, si hiciste un corto que está bueno, va  a hablar por sí solo.  Y lo ves, si hay un corto que está bueno la gente lo mira. Es como más democrático de alguna manera… Y permite que gente que tiene condiciones y talento le muestre su trabajo al mundo sin tener que hacer un gran esfuerzo.

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¿Qué le recomendarías a un estudiante de cine?

A: Que haga un buen corto.

B: ¡Y corto! Que sea corto.

A: Después va a haber tiempo para hacer algo más largo, pero el poder de síntesis es importante y sobre todo si querés que lo vea la mayor cantidad de gente posible y querés que ese ejercicio te lleve al siguiente paso. Tiene que ser algo que la gente quiera ver. Hacer un corto hoy en día es más fácil que nunca. Hay que hacer. Si el primero te sale como el culo, hacé otro y otro y otro hasta que sea un corto que realmente llame la atención.

B: Los Losers se la pasaban haciendo cortos. En cualquier tiempito libre que tenían se rodaban cortos, ridículos muchos y muy divertidos  pero es práctica. Y de repente veían algo en la película y decían “Bueno voy a escribir una escena… y venían con una escena escrita” (risas).

 

Andy, ¿qué te pasó a vos cuando tuviste que adaptar un libro tan largo, con muchos fans y una miniserie, sentiste mucha presión?

A: Yo soy un fan también. Si sos cineasta tenés que entender que para hacer una película tenés que encontrar una visión y esa visión tiene que salir de adentro. El cerebro humano no pude satisfacer las expectativas de 100 millones de fans.  La única manera de encontrar esa visión es mirando adentro. Yo leí el libro la primera vez a los 14 años entonces para mí, lo primero que pensé es llevar al cine lo que yo sentí leyendo ese libro.… Es un camino muy personal. Me llego al corazón la historia de Bill y Bev, esa historia de amor,  porque además el libro hablaba de las cosas que te estaban pasando a vos en esa época, la época de la vida donde pasan las cosas por primera vez, primer amor, primera pelea en el patio del colegio. Uno en esa época es como una esponja que absorbe todas esas experiencias y las transforma en emociones. Después uno se hace adulto y racionaliza todo. Yo ya sabía que Stephen King era un tipo muy abierto en cuanto a las adaptaciones, él admite que las adaptaciones son animales que tiene que tener una vida propia. Uno está muy focalizado en lo técnico y se pierde un poco lo emocional…

¿Y el resultado que quedó era lo que esperabas o cambió mucho respecto a lo que tenías pensado?

A: Sí, es distinto. Hay muchos matices ahí. A grandes rasgos es la película que quería, pero la película va por lugares que yo no me esperaba, es inevitable eso. Cuando la película toma vida, la experiencia de estar viendo una escena es muy distinta a lo que vos te imaginabas, ya con ese concepto es muy distinto. Y muchas veces algo que pensabas que estaba buenísimo, no es tan bueno en la escena. Lo mejor es darse cuenta en el rodaje y tener cintura como para improvisar. En la película hubo mucha improvisación, sobre todo en las escenas donde había comedia. La escena del escupitajo seguía, seguía, seguía y terminaba con Jack (Eddie) haciendo un baile muy gracioso que  no quedó en la peli porque la escena era larguísima, pero por ahí lo ven en el corte del director…

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Desde Mama (2013) a IT (2017) ¿Qué aprendieron de la industria?

B: Lo cierto es que Mama fue prácticamente una película independiente. Fue una coproducción española-canadiense, la que luego nos ayudó mucho con el estudio. Pero para el estudio era una película tan barata que no se metieron para nada. El costo para ellos era algo que levantan con venta de DVDs en semanas. Y el beneficio de eso es que no te joden; te puede salir mal y si no les gusta te la dejan en la repisa sin ningún problema, no le ponen un centavo a la difusión.  Pero trabajar con estudios es extremadamente complicado. Con Mama nosotros queríamos hacerla y la hicimos y cuando trabajas con el estudio no tenés ese poder. Tenés que estar esperando a que las condiciones sean idóneas y es complicadísimo porque hay un 80 % de cosas sobre las cuales no tenés control. Por eso hacer una peli es un milagro, porque hay tantos accidentes.

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Francisco Denis, de Narcos: “La violencia no está en las series, sino en la realidad que vivimos”

Como adelantamos en Ultrabrit, la impactante historia del Cartel de Cali llegó a Narcos. Luego de la muerte de Pablo Escobar, quién era el líder del famoso Cartel de Medellín, conocimos a quienes lo sustituirían en el negocio del narcotráfico.

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Como adelantamos en Ultrabrit, la impactante historia del Cartel de Cali llegó a Narcos. Luego de la muerte de Pablo Escobar, quién era el líder del famoso Cartel de Medellín, conocimos a quienes lo sustituirían en el negocio del narcotráfico.

Entre los cuatro cabecillas del Cartel de Cali se encuentra Miguel Rodríguez Orejuela, quien es interpretado por el actor Francisco Denis. Tuvimos el placer de conversar con el sobre la construcción de este personaje narcotraficante, del uso de Netflix y en qué momento de su carrera lo encuentra este personaje.

¿Cómo fue ponerte en la piel de uno de los narcotraficantes más buscados del mundo?

Creo que para cualquier actor es una responsabilidad enorme y creo que así lo asumimos todos en Narcos. Leí todo lo que pude sobre el Cartel de Cali y fue todo muy interesante lo documentado en todos estos libros porque la verdad es una historia increíble, pero propiamente de Miguel no era tan fácil porque no era fácil conseguir gente que haya estado cerca de él, que me hablara de cómo era él, que era lo que más me interesaba en ese momento. Pero luego encontré un libro de Giraldo, un periodista que estuvo muy cercano a Miguel, en donde el lo describe como una persona obsesionada con la limpieza, por el orden, bastante retraído, podría decirse que era una persona muy poco social. Entonces a mí me ayudaron muchísimo todos esos datos para poder construir el perfil del personaje.

¿Crees que Narcos deja un mensaje en la sociedad?

La misión de Narcos no es dejar ningún mensaje, es sólo entretenimiento. El hecho de creer que nosotros glorificamos la violencia y a los Narcos con este tipo de series, es una constante discusión y yo creo que la violencia no está en las series de televisión, sino que la violencia está en la realidad que vivimos, es un hombre como Donald Trump, eso es lo que glorifica la violencia y eso no está prohibido, más bien, ese personaje ahora es el presidente de los Estados Unidos, eso sí glorifica la violencia. Ahora, una serie de televisión es entretenimiento y es buen entretenimiento cuando esta  bien hecho, bien documentado artísticamente. De todas maneras, no creo que una realidad por más violenta que haya sido es mejor ocultarla porque hace daño, porque no es educativo, o porque genere más violencia, porque está demostrado que no es así.

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¿Se podría decir que el personaje de Miguel Rodríguez Orejuela marcó un antes y un después en tu carrera?

Mi carrera ha sido muy particular, porque yo nunca pedí en ir a Hollywood (risas). Yo soy actor y director de teatro y he hecho bastante cine, entonces desde ese punto de vista si es sorpresivo y cambia completamente lo que yo venía haciendo, pero toda mi vida ha sido así. He vivido en muchos lugares, Ecuador, Francia y Venezuela, pero no me esperaba esto, una llamada de teléfono desde los Ángeles diciéndome que querían que esté en Narcos, ¡imagínate que yo ni siquiera tenía Netflix! luego me encuentro en Colombia filmando Narcos y ahí me di cuenta que fue un paso a una vida distinta.

¿Estás trabajando en nuevos proyectos por el momento?

Claro que sí, la verdad que han surgido varias propuestas en los Ángeles como actor, eso por un lado. Por otro lado, es muy probable que me erradique en México, donde también aparecen muchas cosas interesantes, no sólo como actor, sino que también como director teatral, ya que me gustaría seguir haciendo teatro. La verdad que es un momento muy rico profesionalmente para mi vida.

¿Cómo vieron la respuesta de la gente con la tercera temporada?

La verdad que tanto el público argentino como de otros países se han mostrado fascinados con Narcos. En otras palabras, no sabíamos lo que teníamos en las manos hasta el primer estreno público que se realizó en la ciudad de Nueva York. Los fans de Narcos decían “después de Pablo Escobar no queda nada” y la verdad han quedado impresionados y satisfechos con esta nueva temporada. Creo que nadie esperó tener tan buena repercusión y la verdad que con todo el elenco estamos muy contentos y agradecidos de la devolución de la gente. Hemos realizado un trabajo excelente y nos entregamos totalmente a Narcos y a cada personaje.

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