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Revisitando los orígenes del rock y sus significados – Parte 1

Sintetizamos algunas ideas con respecto al significado que tuvo el rock en sus primeros tiempos y al contexto histórico particular que ha favorecido su surgimiento y que…

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Sintetizamos algunas ideas con respecto al significado que tuvo el rock en sus primeros tiempos y al contexto histórico particular que ha favorecido su surgimiento y que, a su vez, le ha permitido sentar las bases para un desarrollo posterior como manifestación cultural. 

El surgimiento de un fenómeno novedoso en la música popular

El fallecimiento de Chuck Berry, quien fuera considerado por muchos periodistas y rockeros de viejo cuño como el padre «negro» del rock, pareciera ser un buen motivo para reflexionar acerca de los orígenes y significados de la cultura rock en general, y del rock ‘n roll en particular. Cuantiosas son las referencias y abordajes del rock como un género musical juvenil que reviste determinadas características, las cuales lo dotaron de un desarrollo dinámico y fluctuante que le permitió instalarse en la industria cultural –con distintos momentos y grados de consagración– hasta nuestros días. Sin embargo, no abundan los análisis que abordan el rock desde perspectivas que enfatizan en los procesos sociales y culturales, dinámicos, en detrimento de los rasgos estilísticos y estético musicales, estáticos. 

Algunas consideraciones sobre los significados del rock

En primer lugar, resulta conveniente definir de qué hablamos cuando hablamos de rock. Rock es un término instantáneamente evocador al tiempo que es impreciso hasta la frustración. Rock puede significar la rebelión en forma de música: las guitarras estridentes, el sonido agresivo de la batería, un frontman ensayando poses que muchos fans intentarán imitar entre entonaciones erráticas y actitudes revoltosas. Pero el rock también ha simbolizado mucho más que un estilo determinado de interpretación musical. Este sonido se ha aplicado a sonidos y artistas muy diversos, entre los que se incluyen el blues country, Bob Dylan, el sonido Motown, Otis Redding, Kraftwerk, y la lista se torna interminable. Todos ellos han sido catalogados bajo el rótulo «rock» en un momento u otro, aunque puedan igualmente ser englobados bajo el epígrafe contrario. El hecho de que varios artistas y sonidos tan eclécticos como distintos entre sí puedan agruparse con el título «rock», no se debe a que comparten una misma esencia musical ajena al tiempo, sino que, por el contrario, contextos históricos específicos, audiencias, discursos críticos y prácticas industriales han operado conjuntamente para modelar una percepción particular de esta o aquella banda, de este o aquel estilo; una percepción que los une en su pertenencia al «rock».

No obstante, ningún estilo o artista recibe gratuita y automáticamente la filiación, y ello se debe a que la cultura rock también ha venido definida, históricamente, por sus singulares procesos de exclusión. La idea del «rock» comporta un rechazo de aquellos aspectos de la música de distribución masiva que son considerados blandos, triviales y complacientes. Podríamos decir mal y pronto, un rechazo del «pop» berreta, carente de valor alguno, orientado exclusivamente a maximizar la rentabilidad. Las bandas, los estilos, los géneros que merecen ser considerados «rock» son percibidos como serios, relevantes, legítimos. Las diversas concepciones se bifurcan y problematizan más aun si consideramos las interpretaciones diferentes que de los significados del término «rock» se han hecho en diferentes comunidades y contextos, a la luz de los cambios que dichos significados han evidenciado durante las últimas cuatro décadas. Pero en este caso nos ocuparemos, en rigor, de los orígenes. 

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Estado de Bienestar, conservadurismo social y segmentación de la cultura de masas

Muchos autores sostienen que el rock ‘n roll fue uno de los primeros géneros musicales que logró hacer mella en un grupo etario, que dio a los adolescentes un sentido de pertenencia en tantos «jóvenes» que buscaban reformular y contestar los valores y pautas sociales tradicionales que los identificaban con sus padres. La cultura de masas, que se desarrolló durante el siglo XX, se vio atravesada por la segmentación de los consumidores en clave de edad, una gran novedad que muy pronto se convertiría en la pauta viable para fraccionar las tendencias generales de la música blanca a finales de los ‘40 y en los ‘50. De tal modo es que se vincula el rock ‘n roll con la aparición de la cultura adolescente de los primeros baby boomers –niños nacidos en la «explosión demográfica» de posguerra entre 1946 y 1964–  que lograron acceder, durante su adolescencia, a ciertos privilegios y comodidades que resultaron del despegue económico y de las políticas de bienestar promovidas por el Estado norteamericano. Esa generación tuvo oportunidades que no habían tenido ni sus abuelos ni sus padres: Los jóvenes no sólo tenían sus necesidades primarias satisfechas, sino que gozaron de altos niveles de ingresos y de inmejorables estándares de vida. Las clases trabajadoras y los sectores medios vieron expandirse su capacidad de consumo, a la vez que lograron acceder a la escolarización y los sistemas de salud.

Todos estos factores permitieron a los jóvenes acceder a un consumo preferencial de discos y demás señas culturales, que reforzaba su identidad como jóvenes y los diferenciaba de los adultos. Sin embargo, no todo el panorama se presentaba ideal: Estos jóvenes transitaron su adolescencia dentro de una sociedad estadounidense fuertemente conservadora, estructurada a partir de pautas tradicionales, racistas y religiosas. Si a ello le sumamos, por un lado, la histeria y la paranoia transmitida por los cada vez más influyentes medios de comunicación ante el “inminente” ataque nuclear soviético; y por otro, la persecución y censura de la disidencia que significó el macartismo, contra posibles infiltraciones ideológicas de izquierda, es posible interpretar mejor el motivo por el cual el rock ‘n roll era concebido como fuente recurrente de preocupación para las generaciones mayores. Ni el Estado ni la sociedad recibieron bien al fenómeno del rock ’n roll, asociado a la delincuencia y rebeldía juveniles. 

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Referencias bibliográficas

  • Hobsbawm, Eric (1994); Historia del siglo XX; Buenos Aires; Crítica.
  • Keightley, Keir (2001); “Reconsidering rock” en Frith, Straw & Street (Ed.); The Cambridge Companion to Pop and Rock; cap. 5; Cambridge University Press.

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Cultura

Los trabajos más recordados de Phil Spector a lo largo de su carrera como productor

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Phil Spector murió a los 81 años el pasado 16 de enero por una falla respiratoria a raíz de sus complicaciones con el Covid-19. Sus útlimos años los pasó preso en la carcel de Stockton, California condenado por asesinar a una mujer en el año 2003.

Su legado musical quedó marcado luego de haber tenido grandes éxitos en la década del sesenta junto a The Beatles, The Beach Boys, Leonard Cohen, The Ronettes, entre otros. Aquí recorreremos los puntos claves de su labor como productor junto a diferentes bandas y solistas.

Be My Baby – The Ronettes

Tras pasar de sello en sello, The Ronettes cayó en Phillies Records, la discográfica de un joven Phil Spector asumió el rol de productor y letrista. El primer gran hit fue Be My Baby, co-escrita por Spector.

La canción fue la que inauguró el característico sonido del difunto productor, creando una canción en forma de capas y donde el registro vocal de las tres Ronettes marcó la diferencia.

River Deep Mountain High – Ike & Tina Turner

En un nuevo trabajo junto a un grupo de mujeres, Spector tomó el desafío de combinar la voz de Tina Turner junto a un veloz arreglo de cuerdas. Si bien el resultado comercial no fue el esperado, el tema sí marcó el futuro de la carrera del productor y la vocalista también.

Let It Be – The Beatles

A fines de los años sesenta, Phil Spector recibió una noticia agridulce: lo bueno era que iba a trabajar con uno de los grupos más grandes e influyentes de la historia de la música. La mala es que debió hacerlo después de que ellos se separen, arreglando Get Back, las sesiones que los Beatles abandonaron antes de finalizar las grabaciones.

Aún así, el trabajo de Spector dio grandísimos resultados comerciales y artísticos, a pesar de algunas críticas de la época. Su buena labor lo llevó a trabajar con los ex-Beatles de manera individual.

Plastic Ono Band – John Lennon

Luego de producir el último trabajo de The Beatles por expreso pedido de Lennon, la asociacion Lennon-Spector se reencontró en el trabajo más ambicioso e importante del ex-vocalista beatle.

El track que mejor resume la combinación de ambos es Instant Karma! donde crearon una canción poderosa y elevada, que quedó como unos de los temas más reconocidos de Lennon en su etapa post-Beatles.

End of the Century – Ramones

Johnny Ramone creció escuchando música durante la década del 60, por lo tanto tenía un enorme respeto por Phil Spector. Cuando le llegó la oportunidad de trabajar con el productor, no lo dudó.

A pesar de que fueron sesiones traumáticas para todos, el trabajo de los Ramones en End of The Century está seguramente dentro de su top 5. Eran épocas en que Spector desarrolló una fuerte personalidad y actitudes paranoicamente meticulosas, por lo que las grabaciones del álbum se demoraron bastante más de lo planeado.

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Discos

Oasis anuncia remasterizaciones y contenido oficial para celebrar los 25 años de What’s the Story…

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El 2020 es el año del 25° aniversario del mítico ‘(What’s The Story) Morning Glory?’ y Oasis tiene preparado una serie de festejos para conmemorar al álbum.

El próximo 2 de octubre, la banda mancuniana anunció que actualizarán el contenido en YouTube. Por ejemplo, Wonderwall, Don’t Look Back in Anger, Some Might Say, Roll With It, Morning Glory y Champagne Supernova serán remasterizados en cuanto a audio y video y serán versiones de mejor calidad.

También anunciaron merchandising que se venderá en los links de la descripción de cada video. Serán remeras con estilo vintage de la época con diferentes diseños de logos y portadas de la banda.

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Especiales

Paul McCartney revela por qué demandó a The Beatles en 1970

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Luego de varios dichos a lo largo de tantos años, Paul McCartney finalmente se explayó sobre la demanda que el beatle realizó una vez se separaron los fab four.

En 1970, McCartney realizó una denuncia que significó la separación de los Beatles y el punto final luego de una década. El año anterior se había integrado a la banda Allen Klein, quien reemplazó al difunto Brian Epstein.

En la entrevista que le dio a la revista GQ, Paul explicó que debió realizar la demanda para preservar la música de los Beatles de las manos de EMI y el mánager Allen Klein.

“The only way for me to save The Beatles and Apple – and to release Get Back by Peter Jackson and which allowed us to release Anthology and all these great remasters of all the great Beatles records – was to sue the band,” McCartney added.

La única alternativa que tuve para salvar a The Beatles y Apple – y para ahora lanzar Get Back [NdE: la futura película de Peter Jackson], como también Anthology y todas las remasterizaciones, era demandar a la propia banda.

Aseguró McCartney a GQ.

Incluso Paul aseguró que de no haber sido por aquella maniobra legal, tal vez los Beatles hubiesen perdido los derechos de su propia música.

McCartney contó en la entrevista que este episodio se tradujo en muchas acusaciones sin fundamento hacia su persona por haber disuelto a la banda. “Fueron tiempos horrendos para mí. Tomaba mucho y todo lo hacía en exceso. Pero sabía que era la única alternativa para que no se evaporara el trabajo de toda mi vida”.

La disputa duró varios años y Paul McCartney finalmente logró vencer en el juicio contra EMI y Allen Klein.

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