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Noel Gallagher, en primera persona

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Encuentro en Londres con el mejor de los songwriters de los últimos 20 años: uno de los símbolos de Manchester, con parte de su banda y algunos colaboradores, repasan los procesos que llevaron a este presente de consolidación. 

Contenido gentileza Lollapalooza Argentina y Warner Music.

EL PRIMER DISCO CON HIGH FLYING BIRDS Y SU GIRA

Noel: “No tenía centrada ninguna expectativa y pensé en dejar que las cosas pasaran. Empezamos en clubes muy chicos, después fuimos a otros más grandes y terminamos, como ya saben, tocando en grandes estadios. La gira fue una de las más largas que hice, duró quince meses. Y todas las noches fueron increíbles, en realidad no sé si fue por las expectativas del público o si fue porque yo no las tenía. Sólo pasó y cuando terminó me sentí muy mal. Al principio pensé que subir al escenario y cantar todas las noches era solo una rutina que tenía que tolerar, pero a medida que fue pasando el tiempo empecé a disfrutarlo cada vez más. Con las giras de Oasis todo era mucho más complicado, había conflictos y yo pensaba en qué bueno sería poder irme a casa, cerrar la puerta y olvidarme de todo esto. Hoy hay algo que cambio en mí, ya no puedo volver a repetir lo que hacía en aquellos días. Antes me tomaba seis meses de descanso, y eso es algo que no quiero volver a hacer más porque me aburría muy rápido. Ahora disfruto mucho más ir al estudio de grabación, mucho más que antes, cuando éramos cinco, seis o hasta siete personas, donde todos éramos compositores, donde todos teníamos voz y voto y donde todos teníamos el derecho a opinar sobre cómo tenían que ser las cosas. Eso causa muchos problemas. Pero cuando uno trabaja a su propio ritmo y por su cuenta, es una experiencia mucho más agradable”.

EL PROCESO DE GRABACIÓN DEL PRIMER DISCO

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Noel: “Empecé yendo al estudio a grabar las canciones que se habían descartado: canciones viejas, canciones que me habían quedado dando vueltas en la cabeza, material que había quedado de los días de Oasis que nunca se llegó a grabar. Cómo tengo mi propio sello discográfico, yo mismo hago todo, hago la grabación y todo eso, no estoy atado a nada. Lo vuelvo a decir: no quiero volver a los días de Oasis, pero ese es el único punto de comparación que tengo. En esa época solo recibíamos un correo diciendo que teníamos reservado el estudio de grabación de tal fecha a tal otra fecha, y durante ese tiempo teníamos que terminar todo el disco. Solo nos veíamos ahí. Ahora ya no trabajo así, yo tomo todas las decisiones y todo ello comenzó por casualidad. Pero al principio fue todo muy difícil.

Paul Stacey (guitarra, teclado): Empezamos haciendo unos demos. Con ese material fuimos a ver a algunos amigos de Noel en los Estados Unidos para ver si podían ayudarnos a regrabar, mejorar un poco el material o si había alguna forma de perfeccionarlo un poco más.

Noel: Fui a Los Ángeles y hablé con Dave Sardy, el productor de los últimos discos de Oasis. Me comentó que no quería trabajar en mi proyecto. Me sorprendió mucho. Le mostré el material y me dijo algo como “bueno, no se…” Recuerdo que salió de la sala de reuniones y habló con mi representante. Le dijo que “no estaba seguro de hacerlo”. Al mes respondió que no, así que comencé a buscar un productor. El proceso de búsqueda duró una eternidad. Me entrevisté con varias personas pero ninguno quiso trabajar en este proyecto. Eso me hizo pensar que era una señal, y que tenía que hacerlo por mi cuenta. Era algo que nunca había hecho antes y resultó ser realmente muy complicado.

Paul: Empecé a trabajar con Noel en el año 97, con Oasis. Me presenté a la audición como tecladista porque no tenía experiencia como guitarrista. Fue una  sorpresa que me tomaran. Entré a la audición y cinco minutos después me dijeron que había quedado.

Noel: Él toca la guitarra y el teclado, básicamente somos nosotros dos y su hermano gemelo, Jeremy, que es nuestro baterista. El primer disco lo pensamos entre los tres.

Jeremy Stacey (bateria): Llegué a Noel porque mi hermano tocaba en Oasis y trabajaban juntos. Vino a ver un par de conciertos en los que toqué junto a Paul y me comentó que le interesaba que tocara la batería con él.

Noel: Tengo mucha suerte de poder trabajar con ellos. Son muy buenos músicos, saben mucho de música y conocen distintos estilos musicales. Podemos hablar en una forma sencilla sobre qué es lo que quiero y nos entendemos bien.

Jeremy: Parece que tenemos una buena conexión musical. Noel sabe muy bien qué quiere y para mí es sencillo entender el sonido que busca de mí como baterista. Obviamente tengo que poder interpretar eso que busca. En otras ocasiones él no esta tan seguro o a veces hay cosas que no funcionan bien, y me deja experimentar.  Trabajar con Noel es muy sencillo. Trabajamos muy cómodos y rápido, nos divertimos mucho.

Noel: Lo bueno de producir un disco propio es que no hay nadie que te diga que componer o en qué dirección ir. Pero lo más difícil de todo este proyecto fue la gestión eficiente del tiempo. Me refiero al resultado de lo que hacíamos de lunes a viernes. Cuando volvía a casa los viernes en el metro pensaba ¿qué fue lo que hicimos durante esta semana? Y no podía mantenerme al día con todo. Los productores tienen un sistema y saben cómo manejar las grabaciones, qué hacer con los músicos, cómo apoyar a los cantantes y cómo organizar que tal persona vaya tal día al estudio y que tales otras vayan otro día. Para mí todo eso era muy complicado e implicaba un gasto enorme de energía. No estoy acostumbrado a que todos me busquen para que les diga que hacer. Es muy complicado y no se lo recomiendo a nadie (risas).

CHASING YESTERDAY, UNA SEGUNDA VUELTA MÁS PLÁCIDA

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Paul Stacey: Este trabajo fue muy relajado. Lo digo en el sentido que no buscábamos mejorar todo lo que hacíamos, como normalmente se hace ahora durante las grabaciones. Todo se corrige, es la nueva forma de hacer las cosas. Pero para mí, buscar la perfección no es la forma correcta de hacer música. Este disco tiene alma y vida porque no fuimos por ese camino.

Vula Malinga (vocalista invitada): El proceso de grabación y trabajar con Noel y con Paul Stacey fue muy interesante. Fue muy divertido, muy orgánico, muy fresco. Me gusta que me dirija Noel porque es un artista que sabe lo que quiere oír. Es muy agradable trabajar con personas que saben lo que quieren y en las que se puede confiar.

Noel: Para mi es bastante complicado trabajar con los músicos invitados. Me refiero a los músicos con los que trabajamos en las sesiones de grabación, porque yo apenas conozco los acordes de guitarra y no manejo ninguno de los términos musicales. Yo no puedo expresar en palabras lo que quiero, solo puedo hacer sonidos y hacer que escuchen temas de otros artistas y decirles ¿pueden hacer algo así?

Beccy Byrne (vocalista invitada): Ya sabía cómo era trabajar con Noel porque participé en el disco anterior. Cuando llegué al estudio me sorprendió ver que había sólo dos personas, pensaba que me iba a encontrar diez o veinte. El ambiente era muy relajado y trabajar con Noel es muy sencillo, igual que con Paul. Yo ya sabía las armonías que tenía que hacer, así que fui a la cabina y antes y después de la grabación charlamos bastante, nos divertimos y escuché algunas historias que contó Noel. Él es muy carismático.

Paul Stacey: Hace diecisiete años que somos amigos, así que en el proceso no me callé nada de lo que pensaba, dije lo que a mi criterio podía funcionar y lo que no.

Noel: En un momento estábamos haciendo un tema, que podría haber formado parte del disco anterior, y yo quería buscar a alguien que se especializara en música disco para que nos ayudara. Y una persona me dijo que iba a sonar mucho mejor si yo trataba de hacer todo un disco bailable por mi cuenta y con mi propio estilo. Yo podía conseguir a alguien, un profesional en ese género para hacerlo, pero esa persona solo puede hacer una versión de la canción. Pienso que tenía razón. Eso pasó en este disco. Si quiero hacer jazz, o lo que sea, música disco. Y si trabajo, por ejemplo con Nile Rodgers, todo lo que hagamos juntos va a sonar como a Nile Rodgers. A eso me refiero. Cuando uno quiere parecerse a otro, todo lo que haga va a sonar como una copia, un poco rara y probablemente mala. En definitiva, aquél fue un muy buen consejo que pongo en práctica.

Para componer y grabar hay que estar abierto a todas las posibilidades. A cualquier cosa. Cuando uno forma parte de una banda de rock, que toca en un estadio como Wembley, ante 80.000 personas, no solo puede depender de arreglos complicados para mantener la atención de la gente. Porque cuando uno empieza a ser conocido trata de ser complaciente, trata de hacer las cosas bien para llegar y ser famoso. Y en este punto ya no me importa lo que los demás digan sobre una canción. Creo que ya no tengo ninguna inhibición sobre el jazz o la música disco, como lo habría tenido hace 15 años. Pero estoy en un momento diferente de mi vida, lo sé, Definitely Maybe lo escribí cuando era más joven, y suena como yo era en esa época. Este disco lo escribí a la mitad de mi vida y suena como todo lo que soy ahora.

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 LA REIVINDICACIÓN DEL SAXOFÓN

Noel: Nos emocionados mucho cuando terminamos “Riverman”, pero cuando llegó el momento del solo de saxofón empecé a pensar que tenía que llamar a un saxofonista. Y llamé al saxofonista que tocó con Primal Scream. Vino y tocamos “Wish You Were Here” y otros temas de Pink Floyd.

Jim Hunt (saxo y clarinete): Así es, “Wish You Were Here” de Pink Floyd fue el punto de referencia que tomamos cuando nos reunimos para hablar del disco. Terminamos usando un saxofón barítono, el sonido que buscamos tiene muchos elementos tomados del rock psicodélico.

Noel: Cuando terminamos nos dimos cuenta que habíamos elegido el saxofón perfecto para el sonido que buscábamos. Sonaba increíble. El álbum se convirtió en algo totalmente distinto. Nos pueden acusar del delito de “abuso de saxofón”, pero bueno, me encanta. Mi esposa escucho algunas partes y me comento que odiaba el saxofón. No sé por qué está esa relación amor – odio con el saxofón habiendo tantas figuras reconocidas de la música, especialmente del jazz, que lo tocan.

Jim: Creo que el saxofón tiene mala reputación, producto de algunos casos de mal uso. Yo lo llamo crímenes contra la música (risas). Pasó especialmente durante los años ochenta y a principios de los noventa. En realidad no se usó bien y ahora tenemos cierta aprensión. Creo que todos merecen una segunda oportunidad. Mi opinión es que por cada Kenny G hay un John Coltrane o un Charlie Parker. Nos merecemos una segunda oportunidad con el saxofón.

Noel: No tiene nada que ver con Spandau Ballet. Piensen más en alguien a quien le voló la cabeza con la música de Nueva Orleans en 1963. Nada que ver con “Through the Barricades” o “True”. Es algo más adictivo.

Jeremy Stacey: Lo interesante con Noel es que tiene muy buen gusto, siempre me hace escuchar temas oscuros e interesantes. Me pregunto ¿de dónde saca todo eso? Creo que en este disco incorporó eso que le gusta, o está empezando a hacerlo. Especialmente en el tema “The Right Stuff”, pienso que tiene muchos de esos elementos y para mí fue muy divertido formar parte.

Noel: Cuando llegamos al final de las sesiones de grabación nos dimos cuenta que nos faltaba un tema, a pesar de todos los temas B sides o bonus tracks. Así que tuvimos que estirarlo unos 8 o 9 minutos, y le agregamos a “The Right Stuff” mucho saxofón. A la noche, cuando escuche el material en crudo y se me ocurrió que si lo editábamos para acortarlo podía sonar más como una canción e iba a sonar más conciso, lo opuesto a una improvisación. Quedo genial y es una de mis partes favoritas del disco.

La letra del tema supone que es una conversación cara a cara entre dos personas. Fue algo que hicimos al final, y la idea original es que formara parte del lado B o los bonus tracks. Hasta que salió a relucir en toda su gloria y quedó como uno de los temas principales. Sin ninguna duda.

Jim: Tocar en “The Right Stuff” fue muy divertido, el tema tiene una atmósfera inquietante. En realidad fue idea de Noel usar un clarinete bajo. Creo que cuanto más trato de llegar a mi límite, más le gusta; y si bien en ciertas ocasiones no me podía controlar, a Noel le parecía divertido. Estuvo muy bien.

Noel: Por cómo estoy sentado aquí podrán ver que soy lo opuesto al típico músico de Spiritual Jazz (risas). Eso salta a la vista. No sé qué notan cuando ven una foto mía. No sé de donde salen todos esos comentarios sobre mí: que soy un engreído, que soy complicado… No, nada que ver. Mi amigo Lawrence se enfurecía cuando lo escuchaba. Él usa mucho la expresión “en fin”. En fin, no sé qué buscan con todo eso.

Lawrence Watson (fotógrafo): He estado trabajando con él por mucho tiempo. En el proyecto solista y en la última etapa de Oasis. Empecé a trabajar con Noel en el disco “Do not Believe The Truth” de Oasis y desde entonces estamos trabajando juntos. Tenemos una buena relación, desde el punto de vista de la fotografía él conoce muy bien la importancia de las imágenes y me da libertad para trabajar y desarrollar ideas. Con él hacemos cosas muy interesantes porque interviene en esas ideas y en buscar las locaciones para las tomas. De hecho, las fotos para el nuevo disco fueron idea de Noel. Me dio unas cajas que hacían unos efectos raros, hacen que las imágenes oscilen y se distorsionen y las proyectábamos para ver como afectaban las longitudes de onda. Había comprado un par por internet y me las trajo para que jugara un poco, para ver los efectos que producían cuando las alimentaba con imágenes de televisión o gráficos de música, y ver cómo se distorsionaban las imágenes que proyectábamos. No me llevó mucho tiempo. Creo que pasamos una tarde, alrededor de dos horas haciendo las proyecciones, y obtuvimos buenas imágenes de fondo y muy buenos efectos con ellas.

Noel: Al escuchar el disco, después que lo terminamos, me di cuenta que todas las canciones trataban sobre el mismo tema, el tema de las relaciones. Como compositor quise que las canciones fueran directas respecto a la relación entre tú y yo, o él y ella. No fue algo que busqué intencionalmente, pero cuando escuché el disco me di cuenta que todas las canciones tienen como tema las relaciones entre personas. A nivel sonoro, la gran diferencia en este caso es que hay muchos más solos de guitarra, en el primer disco había sólo uno, o a lo sumo dos. En este disco, creo que de diez canciones, nueve tienen solos de guitarra. No fue algo que busque en forma consciente, fue más bien lo que las canciones pedían. Fue lo que sentí el día que las compuse.

JOHNNY MARR DICE PRESENTE

Noel: Invité a Johnny Marr para que tocara en el disco anterior, en el tema “What a Life”, pero no lo pudo hacer. También se lo pedí para este disco. Lo llamé y le comenté que tenía un tema que quería que él hiciera y me dijo: “si, si, muy bien”. Le iba a mandar el material sin editar y me pidió que no lo hiciera porque quería escucharlo directamente acá, para no tener ningún prejuicio y poder reaccionar cuando lo escuchara. ¡Eso es increíble! Le pregunté si le podía dar algo del material, pero me pidió que ni siquiera le comentara de qué se trataba. Llegó ese día con dos guitarras y una bolsa con un pedal de efectos, y empezó. De “The Mighty Eye” me dijo “nunca pensé que iba a ser así”. Por eso quería darle el material antes. ¡Es impresionante verlo tocar! Se puede reconocer el sonido de su guitarra  instantáneamente en todo lo que hace, siempre se destaca.

Fue genial estar en el estudio ese día. Fue una explosión de energía y él es siempre muy positivo en todo lo que hace. Lo pasamos muy bien y creo que hicimos el tema central del disco, fue algo épico, con una calidad casi cinematográfica.

Paul Stacey: Me gustó mucho “The Mighty Eye”. Es la canción que más me gusta del disco. Estuve cuando Noel la compuso y la trajo al estudio, y me dije: “que bien, esa secuencia de acordes es muy distinta a lo que normalmente hace”. Después de trabajar tanto tiempo juntos hay un formato que reconozco, y esto era algo totalmente nuevo, y él pensaba que no era algo bueno. Yo en realidad no estaba de acuerdo con él, para mí era muy buena, pero en retrospectiva la versión final es increíble. Me alegro que fuera ésta la que quedó, con el aporte de Johnny, y no la que hicimos antes.

OTRA FORMA DE HACER LAS COSAS

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Noel: Yo no puedo trabajar bajo presión. Quiero decir, bueno, hoy vamos a entrar al estudio y vamos a escribir una canción. Yo no puedo trabajar así, no… La inspiración me tiene que llegar de arriba. Quiero decir que uno siempre tiene que estar atento y listo para cuando llega la inspiración. Y la inspiración para la mayor parte de las canciones que escribo llega en los lugares más extraños, como me pasó muchas veces: en la sala de espera de un médico, comprando dentífrico, en una reunión de padres. Es lo que me pasa a mí. Si me fuerzo a escribir, no puedo hacer nada. Mi esposa se vuelve loca, podemos salir a comer y me dice: ¿pero qué estás haciendo? Y yo estoy golpeando la mesa con los cubiertos haciendo una melodía. Eso la vuelve loca (risas).

Paul Stacey: Creo que Chasing Yesterday es diferente a cualquiera de los otros que hemos hecho. Creo que Noel amplió su horizonte y lo hizo en la forma correcta, poco a poco. Estoy muy contento con lo que logró. Era lo que esperaba, hay que tener mucho valor para hacer algo así, tal vez tardó más de lo que pensaba pero el resultado es un disco que se va a transformar en un clásico.

Noel: Trabaje en las canciones que para mí eran las mejores. No tiene que ver con el estilo. Si una canción es buena y uno siente que es diferente a todo lo que hizo antes, entonces eso es brillante. Si una canción es buena pero suena como otras 1000 canciones que escribí… es otra más del montón. Los zapatos nuevos siempre se amoldan a los pies. Con las canciones pasa lo mismo. Tus canciones, mis canciones, o las canciones de quien sea, con el tiempo se amoldan a nosotros. No me asusta que pase. Este disco fue un verdadero viaje de principio a fin, fue como un muy buen programa de televisión. Y la televisión es mejor que las películas que hay ahora en el cine. Eso me dijeron, al menos.

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Cultura

Chris Stein de Blondie lanza una imperdible exhibición fotográfica online

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Chris Stein es responsable de co-fundar Blondie, la mítica banda new-wave; donde fue pareja y mano derecha artística de Debbie Harry. Casualmente es también quien retrató como nadie a la carismática blonda neoyorquina.

Stein lanzó su carrera fotográfica en simultáneo a su carrera como guitarrista. En 1973 conoció a Debbie y fundaron Blondie, en una asociación que rebosaba tanto artística como estéticamente.

A través del lente de Stein, se puede recorrer gran parte de lo que fue la escena punk y new-wave durante la década del 70. Algo particular del fotógrafo es que también forma parte de esa corriente, en una semblanza inusual entre objeto y sujeto.

Para recordar el trabajo de Stein, The Music Photo Gallery está desarrollando una exhibición digital que aborda el trabajo fotográfico del norteamericano. La muestra ya está disponible para visitar online en el sitio de la compañía.

The Music Photo Gallery está dirigida por el argentino Sebastián Alderete, quien representa a Chris Stein y otros artistas de la escena. La compañía es responsable de exhibiciones en el país tales como “John Lennon, sus años en Nueva York” (2017), “Bowie by Mick Rock” (2017), “Ramones & GBGBs” (2018), entre otras.

El título de la muestra no podría ser de otra manera que “ME, NEW YORK CITY AND THE PUNK SCENE”, ya que si algo encontraremos en los retratos de Stein es una metrópolis cargada del espiritu punk rock de la época.

Entre las más destacadas, los visitantes encontrarán a Debbie Harry, como nadie pudo retratarla, pero también a David Bowie, Andy Warhol, los Ramones, Joan Jett y hasta un aniñado Anthony Kiedis.

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Cultura

Los trabajos más recordados de Phil Spector a lo largo de su carrera como productor

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Phil Spector murió a los 81 años el pasado 16 de enero por una falla respiratoria a raíz de sus complicaciones con el Covid-19. Sus útlimos años los pasó preso en la carcel de Stockton, California condenado por asesinar a una mujer en el año 2003.

Su legado musical quedó marcado luego de haber tenido grandes éxitos en la década del sesenta junto a The Beatles, The Beach Boys, Leonard Cohen, The Ronettes, entre otros. Aquí recorreremos los puntos claves de su labor como productor junto a diferentes bandas y solistas.

Be My Baby – The Ronettes

Tras pasar de sello en sello, The Ronettes cayó en Phillies Records, la discográfica de un joven Phil Spector asumió el rol de productor y letrista. El primer gran hit fue Be My Baby, co-escrita por Spector.

La canción fue la que inauguró el característico sonido del difunto productor, creando una canción en forma de capas y donde el registro vocal de las tres Ronettes marcó la diferencia.

River Deep Mountain High – Ike & Tina Turner

En un nuevo trabajo junto a un grupo de mujeres, Spector tomó el desafío de combinar la voz de Tina Turner junto a un veloz arreglo de cuerdas. Si bien el resultado comercial no fue el esperado, el tema sí marcó el futuro de la carrera del productor y la vocalista también.

Let It Be – The Beatles

A fines de los años sesenta, Phil Spector recibió una noticia agridulce: lo bueno era que iba a trabajar con uno de los grupos más grandes e influyentes de la historia de la música. La mala es que debió hacerlo después de que ellos se separen, arreglando Get Back, las sesiones que los Beatles abandonaron antes de finalizar las grabaciones.

Aún así, el trabajo de Spector dio grandísimos resultados comerciales y artísticos, a pesar de algunas críticas de la época. Su buena labor lo llevó a trabajar con los ex-Beatles de manera individual.

Plastic Ono Band – John Lennon

Luego de producir el último trabajo de The Beatles por expreso pedido de Lennon, la asociacion Lennon-Spector se reencontró en el trabajo más ambicioso e importante del ex-vocalista beatle.

El track que mejor resume la combinación de ambos es Instant Karma! donde crearon una canción poderosa y elevada, que quedó como unos de los temas más reconocidos de Lennon en su etapa post-Beatles.

End of the Century – Ramones

Johnny Ramone creció escuchando música durante la década del 60, por lo tanto tenía un enorme respeto por Phil Spector. Cuando le llegó la oportunidad de trabajar con el productor, no lo dudó.

A pesar de que fueron sesiones traumáticas para todos, el trabajo de los Ramones en End of The Century está seguramente dentro de su top 5. Eran épocas en que Spector desarrolló una fuerte personalidad y actitudes paranoicamente meticulosas, por lo que las grabaciones del álbum se demoraron bastante más de lo planeado.

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Discos

Oasis anuncia remasterizaciones y contenido oficial para celebrar los 25 años de What’s the Story…

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El 2020 es el año del 25° aniversario del mítico ‘(What’s The Story) Morning Glory?’ y Oasis tiene preparado una serie de festejos para conmemorar al álbum.

El próximo 2 de octubre, la banda mancuniana anunció que actualizarán el contenido en YouTube. Por ejemplo, Wonderwall, Don’t Look Back in Anger, Some Might Say, Roll With It, Morning Glory y Champagne Supernova serán remasterizados en cuanto a audio y video y serán versiones de mejor calidad.

También anunciaron merchandising que se venderá en los links de la descripción de cada video. Serán remeras con estilo vintage de la época con diferentes diseños de logos y portadas de la banda.

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