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Los 10 mejores shows de Lollapalooza Argentina

El festival que reúne más de cien bandas en cinco escenarios regresa al país en Marzo de 2019 y ya están las primeras pre-ventas agotadas. Repasamos sus mejores shows.

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La sexta edición de Lollapalooza Argentina será el 29, 30 y 31 de marzo de 2019 y antes de conocer el tan esperado line-up hacemos un repaso con los grandes artistas que pasaron por el festival más importante del país.

Red Hot Chili Peppers

La banda de Los Ángeles ya es un clásico en Argentina y el show que dieron en 2014 no podía faltar en la lista de las bandas más importantes que pisaron el escenario de Lollapalooza Argentina. Los liderados por Anthony Kiedis fueron los headliners de la primera edición del festival en nuestro país. Un festival que por primera vez se realizaba en Argentina y apostó fuerte con los artistas invitados donde acompañaban bandas de la talla de SoundgardenNine Inch Nails y Pixies entre otras.

Durante su presentación no faltaron los clásicos y canciones de su último disco “I’m With You” y demostraron por qué son una de las bandas más importantes de los últimos tiempos. Tal fue así, que en 2018 regresaron al festival por más, esta vez presentando “The Getaway”, su último trabajo discográfico. Con dos visitas al festival, Red Hot Chili Peppers es sin dudas una de las bandas favoritas de los fanáticos argentinos.

Arcade Fire

Su show también fue durante la primera edición del festival y fue una clase de indie rock. Una banda que no para de crecer y que año a año deja en claro que llegaron para quedarse. Con un show donde la banda de Canadá interpretó sus mejores canciones, Lollapalooza Argentina se convirtió en una pista de baile donde el público de todas las generaciones se unió en uno de los shows más entretenidos de la edición 2014 del festival.

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Jack White

Jack White es un músico multiinstrumentista, productor, y actor que fue reconocido por su paso por The White Stripes. White se hizo lugar como solista en el mundo de la música para pasar a ser una leyenda del futuro. Es que el músico deja todo en cada presentación, y a base de hits e improvisación con su gran banda, dio un show donde sonaron sus mejores canciones como solista y también los clásicos de sus bandas.

Uno de los momentos más altos del show en la segunda edición del festival fue cuando sorpresivamente Robert Plant se sumó en el escenario para interpretar el legendario “The Lemon Song” de Led Zeppelin, haciendo de esa noche algo único en la historia.

Robert Plant

El cantante de Led Zeppelin hizo lo suyo en la edición 2015 del festival, donde entre clásicos y nuevas canciones, generó un ambiente único en el festival. Con un show hipnótico, Plant repasó los canciones más importantes de su etapa solista y también deleitó a los fanáticos del cuarteto de Inglaterra, con hits como “Going to California”, “Ramble On”, “Black Dog” y “Rock and Roll”.

Si algo quedó claro, es que el músico, compositor y productor inglés que comenzó su carrera allá por 1963, tiene mucho para dar y no defraudó a sus fanáticos argentinos.

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Calvin Harris

Lollapalooza se caracteriza por incluir todo tipo de géneros musicales dentro de su Line Up y la electrónica sin dudas es uno de los que más atención captó en las últimas ediciones. En 2015, Calvin Harris se encargó de cerrar una de las jornadas del festival en haciendo del Main Stage 2 una verdadera fiesta. El DJ, productor y compositor escocés dejó su marca en Lollapalooza con un set lleno de hits.

Eminem

En 2016 el rapero estadounidense se encargó de cerrar el escenario principal del festival con uno de los shows más esperados. Durante su show sonaron clásicos como “Stan”, “Sing For The Moment”, “The Way I Am”, “The Real Slim Shady” y “Without Me” entre otros.

Con un show repleto de hits y un público que no paró de agitar el brazo al ritmo de su música, Eminem dio una clase de Hip Hop para todos sus fans en lo que fue su primera visita al país.

Florence And The Machine

Florence Welch es la mujer detrás de una de las bandas indie más interesantes de los últimos tiempos. Su voz única deleitó al público argentino en lo que fue su primera visita al país. En la edición 2016 del festival, la cantante presentó su disco “How Big, How Blue, How Beautiful”. En un escenario imponente Florence no paró de bailar en todo el show y con un registro de voz impecable dio uno de los shows más enérgicos de la tercera edición del festival.

Metallica

Entre los mejores shows de la historia de Lollapalooza no podía faltar el metal. Fue en la cuarta edición del festival cuando Metallica dijo presente bien fuerte ante 100.000 personas que presenciaron una clase maestra de rock. El cuarteto de Los Ángeles llegó al país con un show inolvidable en el cierre del primer día del festival.

James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett y Robert Trujillo demostraron que el paso del tiempo no es nada para ellos y brillaron como en sus mejores épocas. La excusa de su visita fue la presentación de “Hardwired… to Self-Destruct”, pero por supuesto que no faltó el repaso de los grandes éxitos de toda su carrera.

Duran Duran

En 2017 el show que demostró sin importar a qué generación pertenezcas, podés disfrutar de un show apto para todas las edades. Duran Duran se puso el festival al hombro, y cuando empezaba a llegar la noche en el Hipódromo de San Isidro con un atardecer que quedará para el recuerdo de todos los presentes, hicieron un setlist que no dejó afuera ninguno de sus hits.

Grandes y chicos se unieron para corear las canciones de la banda británica que fue furor en la década del 80. Una muestra de que Lollapalooza es mucho más que un festival y que no importan las etiquetas, ni el tiempo, lo que importa es la música.

The Strokes

La banda de New York dijo presente en cuarta edición del festival con el show más grande de su carrera. Frente a 100.000 personas la banda liderada por Julian Casablancas repasó lo mejor de su carrera y presentó su último EP “Future Present Past”.

El momento cúlmine de la noche llegó junto a “Last Night” y una ola de gente que no paró de cantar en ningún momento. Tal fue la ovación del público argentino, que la banda regresó al escenario principal del festival no una, sino dos veces para dejarnos a todos contentos.

The Killers

En la última edición del festival los encargados de cerrar la segunda noche fueron los jovenes de Las Vegas. Brandon Flowers demostró ser mucho más que un showman y con una show impecable, revivió todas las etapas de la banda.

Presentando su último disco “Wonderful Wonderful”, tocaron gran parte del mismo y también sonaron los clásicos que todos esperábamos. Y hasta un fan tuvo la oportunidad de subir a tocar la batería con el cuarteto.

El escenario principal de Lollapalooza se convirtió en una extensión de Las Vegas y con un juego de luces impactante, Brandon Flowers y compañía cerraron la última edición del festival con un show que quedará para siempre en nuestros corazones.

¿Quién nos sorprenderá en el próximo? Esperamos con ansías saber quienes serán los artistas que encabezarán el Lollapalooza Argentina 2019. Mientras tanto podes revivir nuestras coberturas completas de los grandes shows de ediciones anteriores.

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Discos

Oasis anuncia remasterizaciones y contenido oficial para celebrar los 25 años de What’s the Story…

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El 2020 es el año del 25° aniversario del mítico ‘(What’s The Story) Morning Glory?’ y Oasis tiene preparado una serie de festejos para conmemorar al álbum.

El próximo 2 de octubre, la banda mancuniana anunció que actualizarán el contenido en YouTube. Por ejemplo, Wonderwall, Don’t Look Back in Anger, Some Might Say, Roll With It, Morning Glory y Champagne Supernova serán remasterizados en cuanto a audio y video y serán versiones de mejor calidad.

También anunciaron merchandising que se venderá en los links de la descripción de cada video. Serán remeras con estilo vintage de la época con diferentes diseños de logos y portadas de la banda.

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Especiales

Paul McCartney revela por qué demandó a The Beatles en 1970

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Luego de varios dichos a lo largo de tantos años, Paul McCartney finalmente se explayó sobre la demanda que el beatle realizó una vez se separaron los fab four.

En 1970, McCartney realizó una denuncia que significó la separación de los Beatles y el punto final luego de una década. El año anterior se había integrado a la banda Allen Klein, quien reemplazó al difunto Brian Epstein.

En la entrevista que le dio a la revista GQ, Paul explicó que debió realizar la demanda para preservar la música de los Beatles de las manos de EMI y el mánager Allen Klein.

“The only way for me to save The Beatles and Apple – and to release Get Back by Peter Jackson and which allowed us to release Anthology and all these great remasters of all the great Beatles records – was to sue the band,” McCartney added.

La única alternativa que tuve para salvar a The Beatles y Apple – y para ahora lanzar Get Back [NdE: la futura película de Peter Jackson], como también Anthology y todas las remasterizaciones, era demandar a la propia banda.

Aseguró McCartney a GQ.

Incluso Paul aseguró que de no haber sido por aquella maniobra legal, tal vez los Beatles hubiesen perdido los derechos de su propia música.

McCartney contó en la entrevista que este episodio se tradujo en muchas acusaciones sin fundamento hacia su persona por haber disuelto a la banda. “Fueron tiempos horrendos para mí. Tomaba mucho y todo lo hacía en exceso. Pero sabía que era la única alternativa para que no se evaporara el trabajo de toda mi vida”.

La disputa duró varios años y Paul McCartney finalmente logró vencer en el juicio contra EMI y Allen Klein.

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Especiales

#ArchivosUltrabrit: IAN McCULLOCH: En la hoguera de las vanidades

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Rescatamos de nuestra bitácora editorial este contenido de excepción. Formó parte de la edición #2 de Ultrabrit MAG, publicada en noviembre de 2012. A disfrutar! 

El tipo sabe bien que es una leyenda y se comporta como tal. Uno de los cantantes más emblemáticos del rock británico, hábil y polémico declarante, se nos sentó de frente y habló de todo. Exclusiva con el Gran Bocón de Liverpool en su barrio.

Por Francisco Tapia Robles, Gus Giorgi y Marcelo Lamela (Liverpool UK)

Ian venia atrasado porque parece que le gusta tener el control. Las apuestas iban y venían, ¿Llegará en su Audi, en taxi, o caminando? El manager llama y dice que nuestro invitado viene en camino. Estábamos en el cómodo bar del Hope Street Hotel de Liverpool, un domingo en que la lluvia aun se aguantaba. De pronto junto a la puerta se asoma un tipo de gafas transparentes y de ojos saltones, es el propio Ian McCulloch de civil. Nos pregunta si la nota incluye fotos, porque si es así deberá “producirse” un poco y nos pide que en los próximos cinco minutos vayamos a la sala contigua.

Terrible el resfrío de McCulloch, de hecho al momento de redactar esta nota yo aun pagaba las consecuencias. Serio, no le gusta que lo interrumpan cuando habla, demarca su territorio con maestría, huele nuestra admiración y respeto, se deja querer. Bromea, se relaja y como si estuviese en un pub con viejos amigos nos pasea el cuestionario por una ruta de esquinas sabrosas. Así recuerda a John Lennon, Miles Kane, Chris Martin, Bono, algunas historias con sangre en el ojo, otras con sudor en el culo. Esta es la exclusiva con Ian McCulloch, líder de Echo and The Bunnymen, para ULTRABRIT MAG.

FTR: ¿En qué bandas ves hoy el sonido de Echo And The Bunnymen?

De vez en cuando aparece alguna que otra banda queriendo sonar como nosotros. Y una de esas que lo ha admitido y reconocido oficialmente es Coldplay. No puedo decir que me halaga, pero me hace feliz escuchar que lo reconozcan porque son una gran banda en vivo. No es una de mis favoritas, pero son muy masivos y no tenían la obligación de reconocer nuestra influencia. Además de Coldplay, hay un buen número de bandas que han emulado nuestro sonido pero no son capaces de admitirlo, prefieren decir que se inspiraron en Sly & The Family Stone, por ejemplo. Pero déjame decirte que si nosotros alguna vez llegásemos a sonar como esas bandas nuevas que copian nuestro sonido, entonces creo que ese sería el momento de retirarnos porque muchas de esas bandas que dicen haber sido influenciadas por EATB son muy malas y me avergüenza que nos apunten como inspiración. Una vez vi una entrevista que Elvis Costello le hizo a U2 para un programa de televisión. Bono y The Edge tuvieron muy buenos comentarios acerca de nosotros, de cuando ellos vivían en Dublín y empezaban recién a escribir canciones. Hasta que escucharon nuestro disco Crocodiles (1980) y fue como si hubiesen recibido un disparo en pleno rostro. Por lo tanto yo, aún espero mi cheque de por lo menos el 50% de las regalías por todo lo que han hecho durante su carrera (risas). Si fuimos tan influyentes en el trabajo que U2 ha desarrollado, entonces que nos dejen un 20% de comisión en vez de dejársela al manager; y el 50% por derecho de autor.

Hace algunos meses hablé con tu compañero Will Sergeant (guitarra de EATB) y me decía que está muy interesado en las bandas nuevas que han salido de Liverpool, como El Toro! o los desaparecidos The Zutons. ¿Conocés bandas locales? ¿Vas a ver shows?

La verdad es que no estoy muy atento a lo que pasa con las bandas acá. Mi hija Mimi me hizo escuchar a un nuevo artista de Liverpool, pero aparentemente el tipo es un chanta. Y no te voy dar su nombre tan solo porque lo olvidé. Pero suena bien y no tiene el típico sonido de Liverpool. De lo poco que he escuchado me llama la atención que haya gente que quiera imitar a Lennon cuando esa es tarea imposible de lograr, porque John tiene una de las voces más puras que han existido, la mejor en el rock & roll y en la balada. Y mucha gente no comprende lo que fue John Lennon: todos piensan que fue actitud, paz y amor, pero él fue mucho más que eso, fue su voz, sus letras, su sentido de la melodía. Olvidate de la actitud, eso era intrínseco en su manera de componer, no tenia que simular nada. Si John Lennon cantaba Help! lo hacía con el alma, no como un punk de cuarta… Por eso hay tantos músicos uni-dimensionales, porque eso es todo lo que tienen. Y más que The Beatles, yo te diría que John Lennon era quien mantenía el alma de la banda, y se nota por ejemplo cuando canta Twist and Shout. Yo creo que esa es probablemente una de las mejores vocalizaciones que he escuchado en el rock & roll.

Otro artista que conozco de Liverpool es Miles Kane. No somos tan cercanos pero lo reconozco como un gran showman y me tiene feliz el hecho de que le esté yendo bien. Y me acuerdo que hace algunos años atrás le sugerí que me dejase hacerle coros en alguna canción para que la gente pueda cantarlo. ¿Vos podés tararear alguna canción de Miles Kane?

No me acuerdo de ninguna.

 ¿Viste? Nadie se acuerda (risas). Miles Kane no tiene canciones populares aun. Pero es un buen tipo. Y me pasa algo similar con los dos primeros discos de Elbow. Todo el mundo hablaba de esa banda, suenan bien pero hasta sus dos primeros discos no tenían himnos. Pero al fin sacaron buenas canciones de estadios y lograron juntar melodías bastante decentes. La voz de Guy Garvey es fantástica.

Desarrollaste una carrera solista paralela a EATB, ¿Es difícil separar el territorio: esto no es Echo, soy yo solista?

Creo que en mis discos solistas me pongo mas llorón (ríe)… Todo tiende a ser un yo más que un nosotros. Cuando compongo para EATB todo me sale de manera inconsciente. Pero creo que desde que nos reunimos en el ‘96, yo ya tenía dos discos solistas grabados y de alguna manera esa forma de componer que aprendí me influyó en el siguiente disco del grupo. Actualmente estoy componiendo canciones de la manera en que lo hacía cuando comenzamos, aunque esta vez utilizando solamente una cuerda del bajo. Suena un poco funky, pero también medio Talking Heads y Peter Hook. Nunca había trabajado con ese instrumento aunque siempre he tenido uno en casa, lo esquivaba todo el tiempo. Y el hecho de que solo tenga cuatro cuerdas es fantástico para quien esta recién aprendiendo a usarlo para escribir canciones, yo solo utilizo dos. Por mucho tiempo me salieron primero las melodías y de ahí empezábamos todos a construir canciones, pero ahora el hecho de usar primero el bajo para componer las melodías que están naciendo me tiene muy conforme. Las he estado grabando inmediatamente junto a un amigo baterista y ya les hemos puesto guitarras y voces. Es una manera novedosa de trabajar para mí y me tiene muy feliz. Hay mucho material que estamos produciendo antes que Will (Sergeant, el compañero de banda en EATB) meta sus manos en él. Will no esta tan involucrado en la composición, lo suyo es el sonido. Y este nuevo material es para mí uno de los desafíos más grandes que hemos tenido como banda desde Nothing Lasts Forever (1997). La diferencia está en que esta vez no hay baladas y todo suena como en nuestro disco Heaven Up Here (1981). Y bueno, lo que he estado escribiendo para mí tiene la misma intensidad que lo que he escrito para EATB, porque cuando compuse The Killing Moon o The Cutter lo hice solo con una guitarra acústica. Después se las presenté a la banda y las comenzamos a trabajar en conjunto. No veo mucha diferencia en ambas maneras de componer, solo que para mis canciones como solista esa manera está un poco mejor trabajada. No me gusta catalogar mi trabajo solista como “más moderno” porque no sé lo que eso significa.

INDUSTRIA Y MUSICA ACTUAL: NADA DURA PARA SIEMPRE

¿Cómo te llevás con la música que se escucha hoy?

Yo enciendo la radio y lo que más escucho es música clásica, porque odio escuchar las voces de la gente al aire. O de pronto alguna radio de rock clásico en donde puedes encontrar a gente como Steve Winwood, aunque no soy muy fan de él. Lo escuchás con Spencer Davis Group y te preguntás por qué hoy no hay bandas que hagan música como esa… Son cosas que valen la pena escuchar, no las mierdas que se producen hoy. Debemos conformarnos con lo que hay en la industria actual: mierda pura… La clase obrera en los 50 y 60 fue absorbida por el rock & roll, todo el mundo tenía una guitarra en casa y quería imitar a sus ídolos. Chuck Berry, por ejemplo, tenía una voz apropiada para hacer rock y era un ícono. Pero si hubiese existido en la época actual y lo ves tocando en X-Factor, el jurado lo elimina en la primera aparición. Y si con suerte lo dejaran pasar las etapas, la producción de X-Factor le pondría como mentor a Kanye West y ahí todo se iría al carajo, o lo transformarían en algo así como Lady Gaga… ¡Al mismísimo Chuck fucking Berry! Ese es el tipo de industria musical que tenemos hoy.

YO AMO A DAVID BOWIE

¿Cómo fue tu conexión con la música y cuál fue tu mayor influencia?

Yo pienso que hoy la calidad de vida ha mejorado y la pobreza extrema de otros tiempos en algunos aspectos cambió, los chicos de hoy tienen más y mejor acceso a la música y la tecnología. En mi caso, no teníamos un tocadiscos en casa y yo escuchaba la radio para saber cuando salía el último álbum de David Bowie. Y sin siquiera estar atraído por la música en esos días, mas que la música me importaba el futbol. Hasta que descubrí a Bowie y me volví loco. No tenía ni un miserable peso en los bolsillos pero con mi hermano ahorramos £11 y nos compramos una pequeña grabadora de cassette para una Navidad. Un par de meses más tarde me compre el último de Bowie, que me costó £2. Está clarísimo que fue una influencia vital a la hora de empezar a hacer música, y siempre quise cantar como él, yo tenía 13 años en ese entonces. Hablo puntualmente del disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and The Spiders from Mars (1972). De hecho, cuando sacamos Crocodiles yo quería imitar a Bowie, pero fue en ese mismo proceso cuando descubrí mi propia voz.

Tanto así que llegaste a escribir Me & David Bowie para tu último disco solista. ¿Cómo es tu relación actual con él?

Somos amantes… (ríe). Como en la letra de su canción “Can you hear me?” del disco Young Americans de 1975… Once we were lovers… He querido contactarme con él pero ha sido imposible últimamente. No creo que David escuche mucha música hoy excepto a Philip Glass… Debe sentirse feliz pintando o algo así, y de vez en cuando escuchar lo que suena hoy. Lo imagino escuchando a Beethoven de fondo en vez de estar atento a las malas bandas que existen hoy. Y es bueno que me lo recuerdes ahora, porque la verdad es que yo lo considero uno de los mejores artistas en todo ámbito. Recuerdo cuando grabó “Song for Bob Dylan” en su disco Hunky Dory (1971), fue un hermoso gesto dedicarle una canción a Dylan, me encanta ese tema. Es que David es así, amable, lindo y muy inocente. También de ese disco rescato el tema “Kooks” que le dedica a su hijo, quien tenía solo un año de edad. Ese tipo de gestos de dedicarle canciones a alguien de esa forma lo encuentro increíble. Yo jamás lo había hecho hasta que compuse “Me & David Bowie”. El tiempo pasa rápido y con todos esos rumores que dicen que David no está bien y que su estado ha empeorado desde que se hizo ese by-pass o lo que sea que se hizo… Por lo tanto, quería que esa canción fuera mi homenaje.

MI DISCO SOLISTA 

Ese tema es parte de tu último disco solista, llamado Pro Patria Mori. ¿Cómo nació ese título?

Lo saqué del libro de Wilfred Owen. Y seguro que él lo saco de alguna antigua frase en latín. Recuerdo haber estado viendo la tele y, aunque no fue en el mismo momento… Walton Basin, un pueblito de Gales, allá los veteranos de guerra siempre recuerdan a sus muertos con ceremonias y desfiles. En fin, estaba viendo esa ceremonia en la tele y estaba todo bien hasta que mostraron a unos tipos en la vereda repartiendo panfletos anti-guerra, vestidos de Hare Krishna de la fundación del Oso Yogui o qué sé yo… Y pensaba “¿qué tienen que ver ellos con los veteranos de guerra?” Esto es algo totalmente distinto. ¡Vayan a joder las pelotas a otro lado! O por un segundo pónganse en la posición de los que tuvieron que ir a la guerra y descargaron un fusil contra otra persona, verán lo horrible que debe sentirse. De ahí nació la idea de titular mi disco de esa manera, Pro Patria Mori. Y si yo hubiese sido uno de esos veteranos de guerra me hubieran dado ganas de matar a esos que llegan a protestar porque están traspasando los límites e interrumpiendo una ceremonia funeraria, y lo hacen porque estos actos de conmemoración son algo importante en este país y de esa manera los que van a protestar pueden ganar atención de la prensa. ¡Se hacen llamar activistas políticos cuando no hacen nada activo en la política! Van a puro quejarse… ¡como yo! (ríe). Con esto me hiciste acordar a un amigo que murió en la guerra, acá todos tenemos a alguien que conoce o es pariente de algún mártir.

En 2009, EATB tocó en el escenario John Peel de Glastonbury. ¿Te gustan ese tipo de festivales?

 Esa vez tocamos con una orquesta y fue grato subirse a ese escenario, pero para serte honesto tocar en una carpa no me hace sentir muy cómodo… ¡Ahora cuéntenme de ustedes! ¿Cómo está Buenos Aires?

Podríamos decir que vos tenés una especie de romance con el público argentino. Han visitado Buenos Aires varias veces y siempre han tenido éxito. ¿Qué te parece toda esa respuesta?

Recuerdo mucho nuestro show en el Teatro Gran Rex (3 de mayo de 2006). ¡Fantástico! También hace poco estuve en Brasil, me pidieron hacer dos shows en un pequeño teatro para mil personas. Fue increíble. Esas presentaciones fueron con un cuarteto de cuerdas y un tecladista. Viajé con un amigo guitarrista británico y los demás músicos eran todos brasileños. Tuvimos sólo dos días para ensayar y logramos que saliera perfecto. De Latinoamérica recuerdo un show en Ciudad de México frente a 50.000 fanáticos. Tocamos después de Interpol, fue absolutamente increíble. Lo que pasa es que estos países son tan grandes y las distancias son tan largas que cuesta mucho dinero moverse por allá haciendo giras. Ni siquiera puedes ir de ciudad en ciudad conduciendo. U2 tiene su jet privado, no tienen problemas. Pero te repito que me encantaría volver, hay algo que tienen Sudamérica y México que siempre nos da ganas de volver, me hacen sentir como en casa. Sudamérica tiene esa mística que calza muy bien con la música de EATB. La primera vez que fuimos a Brasil yo estaba muy intrigado, porque dentro de mi ignorancia solo imaginaba a la gente bailando samba. Pero allá hay una atmósfera especial a donde quiera que vayas. En Australia, por ejemplo, a la hora que se pone el sol la gente hace barbacoas, en cambio en Sudamérica al atardecer hay un ambiente hermoso y extraño, difícil de describir.

¡ATAQUE OCHENTOSO!

GG: Recordando la década del 80, una época tan importante para Echo, hay una conocida anécdota de una entrevista hecha por Jools Holland entre vos y Morrissey…

(Interrumpe) Acabo de reconocer el nombre de alguien que no me gusta nada… (muy serio).

¿Hubo tal competencia entre las bandas del momento, como EATB, The Smiths y New Order?

La verdad es que no. Éramos amigos con Joy Division, y más aun cuando pasaron a ser New Order. Los Joy Division eran increíbles, en vivo eran mejores que en sus discos. Recuerdo cuando los vi por primera vez, me dejaron con la boca abierta. Esa banda era para nosotros una competencia directa, porque uno estaba en este mundo de la música por una razón válida y como banda queríamos ser los mejores. Obviamente, tener al lado a gente como Joy Division era más que un desafío. Creo que lo mencioné en otra entrevista alguna vez, que si Joy Division hubiese continuado y Curtis no se hubiese suicidado, su sonido se habría esparcido a otros niveles y hoy no estaríamos hablando de U2 o Simple Minds. Yo creo que esa es la única afinidad que teníamos con ellos. Los JD nos decían “Hey, Echo, ¿todo bien?” con su acento mancuniano, y nosotros respondíamos “Hey, qué tal, malditos Mancs!”, con nuestro acento scouser. Lo mismo pasó cuando salíamos de gira con New Order, siempre nos llevamos muy bien. ¿Pero sabes algo? Creo que si Joy Division y EATB hubiesen girado juntos por los Estados Unidos, estoy seguro hasta el día de hoy se venderían menos sombreros y botas texanas en USA… Pero esa es otra historia. Preguntale a Bono…

COLDPLAY Y LOS SUDORES ANALES

¿Te gusta la versión que hizo Coldplay de Lips Like Sugar?

No estoy seguro de haberla escuchado. ¿Está editada?

Editada como un lado B.

No lo sabía. Recuerdo que la hicimos juntos en el festival T In The Park. Ellos llegaron en helicóptero y nosotros habíamos tocado un rato antes. Chris Martin me grita “Hey, Mc! ¿Como estas?” y le digo: “Mirá, debo decirte que hoy no tocamos Lips Like Sugar porque obviamente la vamos a hacer juntos más tarde”, lo cual era una mentira porque efectivamente sí la habíamos tocado. Al final recibimos doble pago de derechos ese día por esa canción, pero yo no había querido contarle la verdad porque era una noche especial para ellos y no quería arruinarla (risas). Otra cosa que noté esa noche fue esos pantalones de tela de paracaídas que usa Chris Martin.. Bueno, él tenía un inmenso círculo de sudor alrededor de su culo. ¡Que incómodo debió haber sido eso! (ríe). Espero que haya sido sudor, en todo caso, y no otra cosa. (Más risas)

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