Seguinos en

Especiales

Las bandas más relevantes del rock argentino de los primeros años ’70 (parte II)

En el marco de un contexto histórico represivo y violento, bandas como Vox Dei, Pappo’s Blues, El Reloj, Litto Nebbia, La Pesada del Rock and Roll, Pedro y Pablo, Sanata y Clarificación, y Espíritu, protagonizaron la resistencia del rock argentino y marcaron a toda una generación.

Publicado

el

La separación de los Beatles en abril de 1970 dejó la experimentación psicodélica como herencia y abrió el paso a la diversificación, dando lugar a bandas que masificaron un sonido más pesado, como Deep Purple, Led Zeppelin y Black Sabbath, y nuevos estilos como el rock sinfónico, el progresivo, y la fusión jazz-rock y folk-rock que también se adueñaron de la escena. La industria cultural (compañías discográficas, productores, managers, disc-jockeys, etc.) penetró profundamente en la cultura rock y la llevó a la masificación, consagrándola como la música juvenil por antonomasia.

 

Continuamos repasando las principales bandas argentinas de aquellos años que marcaron el final de un ciclo de crecimiento y prosperidad económica en los países desarrollados. El fin del denominado Estado de Bienestar puso en marcha doctrinas liberales ortodoxas de ajuste y austeridad, que golpearon duramente a los sectores obreros y, fundamentalmente, a los jóvenes. En nuestro país, la crisis económica global se amalgamó con la violenta coyuntura política local.

 

Vox Dei


Oriundos de Quilmes, al sur del Gran Buenos Aires, la banda se formó hacia 1967 y es considerado un grupo fundacional del rock argentino. Conformada inicialmente por Rubén Basoalto (batería), Ricardo Soulé (guitarra y voz), Juan Carlos Yodi Godoy (quien abandona la banda luego de terminar la grabación de La Biblia) y Willy Quiroga (bajo). Entre sus hitos más importantes se destacan el haber realizado un álbum conceptual basado en una interpretación libre sobre textos y poemas de La Biblia, en 1971: un disco pionero en el ámbito del rock en castellano. Actualmente, con cambios en la formación, es una de las pocas bandas en actividad de aquella generación.

 

Pappo’s Blues


Tras su paso por Los Abuelos de la Nada y Los Gatos, en 1970, Norberto Napolitano decidió formar su propia banda. Inicialmente, estuvo integrado como power trio por Pappo en guitarra y voz, David Lebón en bajo y el baterista Black Amaya. La banda sufrió constantes cambios en su alineación a lo largo de los años. Al terminar de grabar el primer disco, en 1971, Pappo viajó a Europa dejando libres a Black, que partió hacia La Pesada y, más tarde, a Pescado Rabioso; y Lebón, a Color Humano como baterista. Para el tercer álbum, la alineación fue más estable y contó con Héctor Pomo Lorenzo (un ex Abuelos de la Nada) en batería y Machi Rufino en bajo y coros. Pomo y Machi se desvincularon luego de ocho meses y, en 1974, se unieron a Spinetta, para crear Invisible.

 

El Reloj


Formada hacia 1970 en Lomas del Mirador, en el oeste del conurbano bonaerense, El Reloj fue decisiva en la constitución del sonido progresivo y pesado del rock argentino. Influenciados por Deep Purple, el bajista Eduardo Frezza y el guitarrista Fernando Willy Gardi decidieron armar una banda junto a Juan Locomotora Espósito en batería (pionero en el uso del doble bombo en Argentina) y Luis Valenti en teclados. La banda sufrió varios cambios (fundamentalmente a partir del fallecimiento de Gardi), y actualmente se encuentran activos con Frezza como miembro original.

 

Litto Nebbia


Félix Francisco Nebbia Corbacho, más conocido como Litto Nebbia, es un cantante, músico y compositor oriundo de Rosario, considerado uno de los fundadores del rock en castellano. Fundamentalmente es a partir de la salida de “La Balsa” al mercado, en 1967 (en coautoría con Tanguito), interpretada por su banda Los Gatos, que se desató el éxito masivo del rock a nivel local. Durante los primeros años ‘70, Nebbia se lanzó como solista y, posteriormente, como productor, consecuencia de la separación de la mítica banda Los Gatos. El clima de época lo acercó al folklore, pero también al jazz y al rock progresivo.

 

La Pesada del Rock and Roll


Banda pionera del hard rock, La Pesada se conformó como una “superbanda” hacia 1970, de acuerdo con el furor que estas formaciones comenzaban a tener en el mundo angloparlante. Fundada por el productor Jorge Álvarez (cofundador del sello discográfico independiente Mandioca), y el cantante y productor Billy Bond, su formación no estable incluyó reconocidos músicos como Pappo, Luis Alberto Spinetta, Javier Martínez, Claudio Gabis, Alejandro Medina, David Lebón, entre otros. El 20 de octubre de 1972, La Pesada participó en un festival llevado a cabo en el Luna Park que terminó con incidentes debido al enfrentamiento entre la policía y el público. Algunos medios atribuyeron los desórdenes a la conducta de Billy Bond sobre el escenario.

 

Pedro y Pablo


Pedro y Pablo fue un dúo de folk rock y canción protesta compuesto por Miguel Cantilo y Jorge Durietz a finales de los ’60. Su combinación de rock acústico con poesía mordaz, y letras de denuncia social los pusieron rápidamente en el centro de una escena que, como se mencionó oportunamente, estaba profundamente atravesada por la violencia política y la represión estatal. Durante este período editaron dos discos, “Conesa” y “Yo vivo en esta ciudad”. Como muchos otros artistas, con el golpe del 1976, engrosaron las listas negras y Miguel Cantilo abandonó el país.

 

Sanata y Clarificación

Rodolfo Alchourron se inició en la música clásica estudiando armonía y composición con músicos como Alberto Ginastera. En la década del ‘50 giró bruscamente hacia la música popular, más concretamente el jazz. Siguiendo ese camino, a comienzos de la década del ‘70 creó el conjunto Sanata y Clarificación, una banda fundamental en el desarrollo del sonido fusión de jazz, tango y rock, entre 1970 y 1974. Por allí pasaron músicos como Rodolfo Mederos, Santiago Giacobbe, Rubén Barbieri, Gustavo Bergalli, Osvaldo López, Adalberto Cevasco, Mario Tenreyro, Bernardo Baraj, entre otros.

 

Espíritu

Formada hacia 1973, Espíritu realizó uno de los aportes musicales y creativos más importantes para el rock sinfónico-progresivo en castellano. Asimismo fue una banda pionera en realizar sus presentaciones con puestas en escena y niveles interpretativos de alto nivel. La banda fue fundada por el guitarrista, compositor, abogado y químico Osvaldo Favrot, y su formación estaba compuesta por el cantante Fernando Bergé, el pianista y tecladista Gustavo Fedel, el bajista Claudio Martínez y el baterista Carlos Goler. En 1975 editaron el primer LP de Espíritu, “Crisálida”, un álbum con claras influencias de Yes y con la herencia musical compositiva de la primera generación del rock argentino.

Continuar Leyendo
Click para comentar

Responder

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *

Especiales

El post feminismo disidente de Lana del Rey

Publicado

el

Si el arte no sirve para confrontar las partes, más allá de la belleza estética que tanto necesitamos, ¿para qué, verdad? Por eso, cuando mujeres como Lana del Rey tiran bombas para sacudir la modorra monotemática de la lírica del pop actual (del rock ni hablemos: apenas las herederas de las riot grrrls quedaron gritando injusticias), lo festejamos y escribimos sobre
eso, porque tiene que quedar archivado qué hicieron las mujeres en la historia de la humanidad. Porque mucho sabemos qué hicieron Napoleón, Hendrix y Klimt, ¿pero cuántas féminas a la altura revolucionaria y artística hubo y no sabemos nada?

En un post de su cuenta de IG, Lana del Rey denuncia a la industria, a la sociedad, a las feministas de cotillón y hasta a sus compañeras de ruta. Que al feminismo le cuesta horrores politizarse en términos de unidad es lógico, siempre habrá distintas vertientes pero lo que cuenta es la finalidad. No, la finalidad no es la “unión” de las mujeres: es tener el reconocimiento que nos merecemos y que no lo hemos tenido por mucho tiempo.

Lana, blanca como la nieve, recrimina a artistas de color; no, no recrimina, destaca que ellas ponderan su propio feminismo a través de letras donde se declaran sexies, desnudas, infieles, y cogen sin reparo. ¿Está mal? Claro que no, nada que te libere -en tanto y en cuanto no jodas al de al lado- está mal. Lo que sí dice del Rey es porqué si sus canciones son sobre el amor así no sea perfecto (¿cuál lo es?), o bailar por dinero o, la mejor, ser hermosa, se la crucifica por eso. “Estoy harta que digan que glamorizo el abuso” -When I’m down on my knees, you’re how I pray, Hallelujah, I need your love, supongo que lo dirá por líneas como esta-

Mucho se la ha criticado a la artista debido a las temáticas visuales tan explícitas (sexy, en mi propia opinión si es que cuenta) y romantizar el abuso, se la ha acusado de devolver a la mujer a su estado precario de hace “cientos de años atrás”. Así, dice, tuvo que tolerar “reseñas de mierda” sobre sus letras durante “diez largos años”.

“Seré clara: no soy una no feminista pero tiene que haber un lugar para mujeres que tenemos esta mirada y actuamos de esta manera” y acá la clave: mujeres, considera, que como ella, tienen su voz y no se atomizan a otras. Finalmente una disidencia en el pop mainstream formateado por la industria. Sí, dice lo que nadie quiere escuchar o lo que nadie se atreve a decir, como quieras. Lo de ella es una crítica a que la conversación cultural del movimiento se vuelva una idea blanda y prosaica, un feminismo de cotillón. Rechaza el envoltorio rosa, porque sigue siendo rosa, de la corriente femenina y su transversalidad.

Insiste en que se siente optimista y muy feliz con sus relaciones como -oh- tantísimas mujeres y no como las que en función de potenciar su lucha, odia al hombre por su condición. Hete aquí otro punto interesante a debatir: la sororidad pretendida no resulta tal. ¿Por qué? Porque el verticalismo le gana a la horizontalidad en cualquier sistema (ni los anarquistas se ponen de acuerdo en esto, imaginate en el mundo del pop y sin menospreciarlo pero convengamos menos ilustrado).

Otra cosa: quien apareció casi tímidamente en el mercado (era una postura, desde ya, siempre se la adivinó una tigresa con esa suavidad en la voz mientras cantaba crudas y carnizadas verdades), con una boca que detiene el pensamiento y una languidez única, hoy arroja bombas de fuego contra, si bien compañeras de ruta, mujeres sin voz armadas por la industria. Lo que no está mal; lo que sí está mal es que resulten referentes feministas (¡feministas! ¡Madonna y Britney que son los mejores productos de la industria pop son más feministas!). El mercado nacional no se salva de esto, pero eso es otra columna.

Entonces: detrás de esa Lolita hay una conciencia, una transversalidad y un intelecto que desafía hasta a su propia carrera. Para rematar, cuenta que lanza dos libros de poesía con una de las editoriales más destacados y nuevo disco. Pum.

Continuar Leyendo

En Vivo

Ultrabrit revive el primer show de Radiohead en Argentina

Publicado

el

Por

2009 fue el año de otra pandemia. Una que quedó en el recuerdo como algo anecdótico y sin mayores complicaciones. En comparación con la situación que vivimos actualmente todo parecía bastante más tierno. Si miramos atrás no es que nos reímos pero casi. La palabra ‘cuarentena’ sólo la refería a las mujeres luego de un parto y el distanciamiento social no era más que la suspensión de clases durante dos semanas. Las redes sociales no estaban tan insertas en nuestra vida diaria y si bien era fácil enviar un mensaje, no existía lo viral.

Dos meses antes de la paranoia colectiva Radiohead visitó Argentina por primera vez. Después de tantos años de espera, 36.000 personas se reunieron en el club Ciudad de Buenos Aires en el marco del Quilmes Rock. De esa multitud seguramente algunos, una generación más grande, se movilizaron para ver exclusivamente a Kraftwerk por tercera vez en Argentina. La banda alemana anticiparía el show de la británica y no viceversa, ante la sorpresa de algunos.

La realidad es que Radiohead ya arrastraba varios años de una carrera impresionante y establecida. Desde su disco debut Pablo Honey hasta el más reciente In Rainbows, la banda lograba innovar musicalmente disco a disco. In Rainbows (2007) lo había hecho por partida doble: no solo era un disco que todavía estaba muy fresco en la memoria por su singular sonido sino también por la estrategia de venta del mismo, que terminó marcándole la cancha a grandes discográficas.

El frío de una noche de otoño porteña se contrarrestó inmediatamente por los acordes de 15 step, que también inauguraba In Rainbows dos años antes. Y si bien ese era el disco a presentar durante la gira, los fans en Buenos Aires estaban ansiosos por algunas canciones de los primeros trabajos. Airbag, de OK Computer, sonó para saciar esa necesidad en lo que estaba siendo un show más que prolijo.

Radiohead Setlist Quilmes Rock 2009 2009, In Rainbows

El setlist recorrió canciones de casi todos los discos, con In Rainbows siempre de por medio. La atmósfera creada por la iluminación de tubos encajaba perfectamente con las cajas de ritmos y guitarras y arpegios de cuerdas tan típicas.

Un instante del recital quedó curiosamente grabado como un gif en loop. Varios fans en Internet descubrieron más tarde que mientras la banda tocaba Weird Fishes/Arpeggiun proyectil (algunos aseguran un zapato pero imposible saberlo) impactó en la cabeza de Yorke.

Si el zapatazo fue de las primeras cosas que se mencionaban para hablar del primer show de Radiohead en Argentina, lo segundo fue la dedicatoria de Ed O’Brien en How to Disappear Completely. El show casualmente se dio un 24 de marzo, conmemorando un nuevo aniversario por el Día de la Memoria y es por eso que el guitarrista de Radiohead recordó a las víctimas del último golpe de estado para luego dar paso a los sintetizadores del track incluido en Kid A.

Para el primer encore del show, supimos ver grandes momentos como Pyramid Song, con Yorke en piano y Greenwood cabizbajo tocando la guitarra con un arco de violín. Previamente habían entonado las estrofas de The National Anthem en un show de luces no apto para epilépticos.

También jugaron con las ondas de radio AM de la Ciudad de Buenos Aires y las hicieron sonar en pleno show, un recurso con el que venían experimentando bastante seguido (lo hicieron también en su segunda visita al país años más tarde). [Ver minuto 44:40]

Yorke se movía por el escenario como lo haría años más tarde para el video de Lotus Flower, la canción de Radiohead incluída en The King of Limbs.

Entre la primera y segunda salida del escenario, Radiohead desplegó su capacidad técnica como nunca antes en el show: una exquisita e histérica versión electroacústica de Paranoid Android dejó vibrando a todos durante los siguientes 15 minutos, hasta hacerlo nuevamente pero esta vez gracias a Planet Telex. 

Minutos mas tarde, para el encore número tres, Yorke llenó al Club Ciudad de Buenos Aires de cantos mágicos en cámara lenta durante Go Slowly. Acto seguido eleva su registro vocal con 2+2=5 construyendo una distopía en vivo.

Cuando todo parecía terminado, la banda inglesa volvió a salir para concluir el show con Creep, tal vez su éxito más grande aunque amado y odiado en partes iguales. Poco les importa a los detractores de track, ya que vivieron más de dos horas y cuarto de uno de los mejores recitales de la banda en el último tiempo.

 

Continuar Leyendo

Especiales

Mick Ronson: un perfil sobre el guitarrista que mejor confluyó con David Bowie

Publicado

el

Por

Si bien cuando hablamos de Mick Ronson inmediatamente pensamos en David Bowie, la realidad es que el año ’73 fue el último que los vio juntos en un escenario durante la época de Ziggy Stardust. Solo doscientas personas asistieron al “1980 Floor Show” de la NBC para verlo en vivo.

Es que fue tal el impacto que el guitarrista inglés generó en las grabaciones de la banda de David Bowie, que es casi imposible separar a uno de otro.

La ambición de David Bowie en los años a comienzos de la década del 70 era hacer un grupo de auténtico rock de guitarras pero “tocar como Cream no estaba en nosotros” dijo alguna vez Tony Visconti, miembro de la banda que acompañaría al frontman. Luego agregó: “Necesitábamos un componente que lo cambie todo, y ese algo fue Mick Ronson”.

Conoció a Bowie luego de que este lance su álbum. Cómico pero introvertido, Ronson convenció al duque blanco por su sutil humor y su implacable técnica guitarrística. No solo aprendió rápidamente las canciones que le habían asignado sino que aportó la información necesaria para sorprender a un fuera de serie como David Bowie.

Luego de que “The Man Who Sold the World” no vaya como se esperaba en cuanto a ventas, Ronson participó en algunos proyectos ajenos y ganó mucha confianza en sí mismo. El duque llegó a referirse a él como “su Jeff Beck”, quien era el ejemplo a seguir de Ronson.

La capacidad performática de Bowie es tal que no sólo lograba confundirse en su personaje arriba del escenario sino que también revolucionaba al resto de la banda. El tímido Mick Ronson desaparecía en vivo y pasaba a reemplazarlo Ronno su stage name. 

Su crédito en Hunky Dory lo posicionó como el guitarrista del momento. Los impecables arreglos de cuerdas, sus audaces solos y la elegancia incipiente del glam son tan recordados gracias a Mick.
Incluso él fue quien acompañó a Rick Wakeman durante la composición de las míticas partes de piano de Life on Mars?

Un LP más tarde, la escencia glam de Ronson tomaría algunas cosas del funk para la grabación de “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars“, una de las obras cumbre del rock de los 70’s.
Y como si el currículum de Ronson no fuera lo suficientemente envidiable para tener 26 años, Lou Reed lo llamó para sesionar Transformer en 1972.

“La guitarra de Lou estaba siempre desafinada. Tuve que corregirla por él varias veces, aunque no le importó, es muy relajado” dijo en una oportunidad, dejando de lado su apocamiento característico.

Incluso el propio Lou Reed aclaró que el éxito de de Transformer se debe gracias a la “producción de Bowie y el trabajo de Ronson en conjunto”.

La vida continuó y Ronson trabajó con Mott the Hoople, su proyecto junto a Ian Hunter. Se mudó y a la gran manzana para que Bob Dylan termine pidiéndolo para la gira Rolling Thunder Revue de 1975.

Como una profesía autocumplida de David Bowie, todo ascenso tiene su caída. Mick fue diagnosticado con un cáncer de hígado años más tarde, cuando ya no estaba tan atareado tocando.
1983 lo reecontró en un escenario junto a David Bowie, que lo invitó a participar en una canción de un show en Canadá. También se involucró en la nueva búsqueda de Morrissey de cara a Your Arsenal.

Con su enfermedad bastante avanzada tocó en el Freddy Mercury Tribute Concert en el Wembley Stadium: dio una muy decente versión de All the Young Dudes, el clásico de Mott the Hopple. Aquella fue su última aparición en público.

Falleció un año más tarde para pasar a la historia como uno de los mejores y más creativos guitarristas que el rock vio. Confluyó distintos géneros para crear un sonido que aún hoy lleva su marca de agua. Si bien se lo reconoce como el gran complemento visual y sonoro de Bowie, la carrera de Ronson habla por sí sola.

Continuar Leyendo

LAS MÁS LEIDAS