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Disintegration, el disco bisagra de The Cure

Un día como hoy se lanzaba la obra maestra de The Cure. Lleno de drama, goth y con una carga emocional que pocos álbumes de la historia supieron transmitir.

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Un día como hoy se lanzaba la obra maestra de The Cure. Lleno de drama, goth y con una carga emocional que pocos álbumes de la historia supieron transmitir.  

the-cure-disintegration-2Disintegration se lanzó el 2 de Mayo de 1989 y es, básicamente, la melodía que sale del alma de Robert Smith. Este disco resulta perfecto para disfrutar sus largos minutos de sonido instrumental en altos volúmenes y para entender sus letras como el poema más especial. Una noche perfecta, oscura y dramática, dolorosa y real. Una decepción que no tiene nombre ni descripción, un rechazo, un amor, un horizonte sin salida o un recuerdo que pasó, del que solo quedan fotos. No existe adjetivo calificativo para describir este disco, sino más bien, un estado de ánimo.

Llegaba 1988 y Robert Smith era todo lo que siempre había odiado, “sólo” una estrella de pop. Encasillado en un rol en que la sociedad lo había puesto, tras algunos años de fama y varios éxitos de por medio, junto a una crisis treintañera que lo ahogaba y un sentimiento de hipocresía que invadía su conciencia por la “falsedad” de haber abandonado con The Cure el espíritu gótico y punk de sus inicios, decidió cambiar su rumbo. Fue por eso, que surgió Disintegration, sus más profundos pensamientos plasmados en nuevas letras y melodías, que cultivó alejado de todo para crear este maravilloso disco.

Comenzando por “Plainsong” con una introducción instrumental de casi 3 minutos, esta melodía nos sumerge en un estado de ánimo anticipando lo que vendrá: Doce canciones que te hacen replantear tu profundidad sentimental hasta el último segundo de “Untitle” y así entender la inmensidad del horizonte que Smith nos transmite en este grito de esperanza. Si bien el disco puede parecer un llamado de desesperación en un comienzo, lo que sentimos a medida que pasan los minutos es un abrazo y una explicación de cuan maravilloso e increíble es el mundo.

Pasando por “Pictures of you” y “Closedown”, llega “Lovesong”,  el resumen de la eterna historia de amor de Robert Smith y Mary Poole. El cantante de la banda realizó esta canción como regalo de bodas a Mary, su actual mujer (con quien se casó cuando terminó de escribir el disco en 1988 y sigue hasta hoy en día en matrimonio).

Disintegration fue el momento clave de la banda, aunque ya eran famosos y contaban con una carrera de diez años, con exitosos sencillos como Just like heaven o Why can’t I be you? necesitaban tener su obra maestra y llegó. Las letras de Smith reflejan las depresiones que sufría, su vuelta a las drogas, su decepción como banda, ante los cambios musicales que habían producido los últimos años, la desintegración en sí de The Cure, que había cambiado numerosas veces de miembros y sumado a eso, un replanteo existencial como persona, pensando si el adolescente que alguna vez fue hubiese aprobado al hombre que era hoy.

Lejos de querer crear otro disco marketinero, The Cure buscaba volver a sus raíces, el post-punk. Con este álbum demostraba la banda, junto a sus teclados y batería, de lo que estaban hechos. Nos llevan por ritmos góticos y alternativos, a sensaciones que convergen, entre oscuridad y alegría, manipulando a sus oyentes entre un tema y otro. Un poder maravillosamente exquisito, que hace inevitable la comparación con Bauhaus o Joy Division.

Una de las historias más peculiares detrás de este álbum, es el incendio que tuvo Robert Smith en una casa de campo donde se instalaba y casi pierde todas las letras que llevaba escribiendo durante meses. El cantante ingresó para rescatarlas, algunas se habían desintegrado y otros manuscritos estaban a salvo. Por suerte el productor de la banda, Dave M. Allen, tenía copias de las que habían quedado seleccionadas por lo que pudieron recuperarlas. Además, luego de este álbum, el director Tim Burton le pidió a la banda que realice el soundtrack de su gran éxito El joven manos de tijera, en la cual el personaje principal, fue inspirado en la imagen y estilo de Robert Smith.

Esta obra maestra es lo que todo gran artista hace ante una experiencia; convierte sus debilidades, fortalezas y sus inseguridades en música deliciosa para el mundo; Disintegration abre los ojos de cualquier persona, es muscular (como lo dice el título), nostálgico (“Pictures of You”), fantasmal (“Closedown”), hirviente (“Fascination Street”) y totalmente romántico (“Lovesong”) te da la valentía de sufrir, caer y levantarte, para entender que la vida es todo eso y mucho más.

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Cultura

Los trabajos más recordados de Phil Spector a lo largo de su carrera como productor

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Phil Spector murió a los 81 años el pasado 16 de enero por una falla respiratoria a raíz de sus complicaciones con el Covid-19. Sus útlimos años los pasó preso en la carcel de Stockton, California condenado por asesinar a una mujer en el año 2003.

Su legado musical quedó marcado luego de haber tenido grandes éxitos en la década del sesenta junto a The Beatles, The Beach Boys, Leonard Cohen, The Ronettes, entre otros. Aquí recorreremos los puntos claves de su labor como productor junto a diferentes bandas y solistas.

Be My Baby – The Ronettes

Tras pasar de sello en sello, The Ronettes cayó en Phillies Records, la discográfica de un joven Phil Spector asumió el rol de productor y letrista. El primer gran hit fue Be My Baby, co-escrita por Spector.

La canción fue la que inauguró el característico sonido del difunto productor, creando una canción en forma de capas y donde el registro vocal de las tres Ronettes marcó la diferencia.

River Deep Mountain High – Ike & Tina Turner

En un nuevo trabajo junto a un grupo de mujeres, Spector tomó el desafío de combinar la voz de Tina Turner junto a un veloz arreglo de cuerdas. Si bien el resultado comercial no fue el esperado, el tema sí marcó el futuro de la carrera del productor y la vocalista también.

Let It Be – The Beatles

A fines de los años sesenta, Phil Spector recibió una noticia agridulce: lo bueno era que iba a trabajar con uno de los grupos más grandes e influyentes de la historia de la música. La mala es que debió hacerlo después de que ellos se separen, arreglando Get Back, las sesiones que los Beatles abandonaron antes de finalizar las grabaciones.

Aún así, el trabajo de Spector dio grandísimos resultados comerciales y artísticos, a pesar de algunas críticas de la época. Su buena labor lo llevó a trabajar con los ex-Beatles de manera individual.

Plastic Ono Band – John Lennon

Luego de producir el último trabajo de The Beatles por expreso pedido de Lennon, la asociacion Lennon-Spector se reencontró en el trabajo más ambicioso e importante del ex-vocalista beatle.

El track que mejor resume la combinación de ambos es Instant Karma! donde crearon una canción poderosa y elevada, que quedó como unos de los temas más reconocidos de Lennon en su etapa post-Beatles.

End of the Century – Ramones

Johnny Ramone creció escuchando música durante la década del 60, por lo tanto tenía un enorme respeto por Phil Spector. Cuando le llegó la oportunidad de trabajar con el productor, no lo dudó.

A pesar de que fueron sesiones traumáticas para todos, el trabajo de los Ramones en End of The Century está seguramente dentro de su top 5. Eran épocas en que Spector desarrolló una fuerte personalidad y actitudes paranoicamente meticulosas, por lo que las grabaciones del álbum se demoraron bastante más de lo planeado.

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PJ Harvey anuncia documental y la reedición de un clásico

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A Dog Called Money, el documental sobre PJ Harvey realizado por Seamus Murphy se estrenerá finalmente el 7 de diciembre de manera online. El film documenta el proceso creativo de la artista británica en 2016, cuando grabó el disco The Hope Six Demolition Project.

También hoy jueves 3 de diciembre, Harvey anunció que lanzará una reedición especial de su clásico álbum de 1998 Is this Desire? en vinilo. En este caso el lanzamiento está programado para enero del 2021 y saldrá junto a un par de demos de canciones del disco.

Se trata del segundo álbum de PJ Harvey que se reedita, siendo el primero Dance Hall at Louse Point, del año 1996.

PJ Harvey A Dog Called Money

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(What’s the story) Morning Glory?: el soundtrack de una generación

El segundo álbum de Oasis celebra 25 años

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A mediados de 1994, Oasis movía el tablero del rock inglés de la mano de Definitely maybe, su álbum debut. Frente a una repercusión que parecía imbatible, un año más tarde, los Gallagher demostraban que podían superarse a sí mismos con (What’s the story) Morning glory? Así, el 2 de octubre de 1995 nacía el disco más arrasador de la banda, que duplicó el éxito de su antecesor con 30 millones de copias vendidas en todo el mundo.

En abril de 1995, Oasis se calzaba otra vez los instrumentos y rompía el silencio con Some might say. Casi cinco meses antes del estreno de su nuevo material, los mancunianos liberaban un adelanto más que prometedor y con el cual consiguieron posicionarse por primera vez en el puesto número uno de las listas del Reino Unido. El video, dirigido por Stuart Fryer, retoma imágenes de los clips de Supersonic y de Cigarettes & alcohol, singles de Definitely maybe.

En agosto de ese año, Roll with it fue la mecha que encendió La batalla del britpop. Del otro lado del ring, se paraba Country house de Blur. Con una estrategia fríamente calculada, la banda de Damon Albarn adelantó la fecha de su lanzamiento para competir cara a cara con los Gallagher. Si bien logró que su sencillo se ubicara en el puesto número 1 del UK Singles Chart y que el tema de Oasis se llevara la medalla de plata, (What’s the story) Morning glory? revolucionó los rankings con sus descomunales ventas. El video captura una presentación en vivo del grupo mientras Liam le pone voz a una letra que destila efervescencia juvenil por sus poros.

Morning glory llegó en septiembre. El track, que le toma parte del nombre prestado al disco, avanza a puro pulso rockero. En una ciudad iluminada por un cielo naranja, el clip retrata a la banda en la habitación de un edificio por cuyo ascensor desfilan unos peculiares sujetos. La adoración beatle se filtra en la frase “El mañana nunca sabe lo que no se sabe hoy”, inspirada en el tema Tomorrow never knows.

En octubre, ya con el álbum en las calles, Wonderwall fue elegido como el cuarto corte de difusión. Los acordes iniciales son la puerta de entrada a cuatro minutos y medio que encierran a un himno que no sabe envejecer. Un enorme galpón, un vinilo con el sello de Oasis, algunos personajes circenses, anteojos y cortes de pelo con estilo beatlero fueron suficientes para darle vida a uno de los clips más paradigmáticos de la década de los ’90.  El sencillo obtuvo el puesto número dos del UK Singles Chart y fue galardonado con un Brit Award en 1996 por “Mejor video británico.”

Noel decidió ponerse al frente del micrófono en Don’t look back in anger. El tema irrumpió en febrero de 1996 y se ganó un lugar irremplazable en el corazón de los fans de Oasis. Con un estribillo extremadamente pegadizo y un guiño a John Lennon y Yoko Ono en la línea que dice “Así que empiezo una revolución desde mi cama”, la revista XFM le otorgó el segundo puesto de las 100 mejores canciones británicas de la historia. El video se rodó en Pasadena y cuenta con la actuación de Patrick Macnee -estrella de la serie Los vengadores– quien encarna al chofer que transporta a la banda a una mansión. El hit, que es uno de los más esperados y coreados en los shows, se resignificó en 2017 luego del atentado en el Manchester Arena. La premisa de “No mirar atrás con enfado” convocó a la multitud a cantarla en St Ann’s Square como muestra de unión ante la tragedia.

Champagne supernova fue el último single editado en mayo. La pista abre con un sonido acuático que la envuelve en un loop de tranquilidad, graficado por su video psicodélico. Catalogado como uno de los temas favoritos de los seguidores y dueño de un solo de guitarra con marca registrada, el mayor de los Gallagher admitió que no tiene en claro qué sentido quiso darle a la letra pero que podría vincularse con la reencarnación. En Estados Unidos, alcanzó el lugar número 1 del Billboard Modern Rock Tracks.

La fotografía que ilustra la tapa del álbum se tomó en Berwick Street, calle del Soho londinense. La zona fue elegida porque, en aquel entonces, explotaba de disquerías. Los hombres que se cruzan mientras caminan son el DJ Sean Rowley y Brian Cannon, diseñador de la portada. A lo lejos, se asoma Owen Morris -productor del disco- con una copia en la mano. Reproducir ese instante que la cámara congeló un cuarto de siglo atrás es el reto de todos los fanáticos que viajan a la capital inglesa.

En 1996, Oasis pisó a fondo el acelerador con destino directo a dos picos de su carrera: los conciertos masivos en el Knebworth Park y el MTV Unplugged, este último comandado íntegramente por Noel. El combustible que lo hizo posible fue (What’s the story) Morning glory?, premiado ese mismo año con un Brit Award por “Mejor álbum británico.” En 2010, los Gallagher ajustaron su corona con otro Brit Award por “Mejor álbum de los últimos 30 años.” Con esta mítica colección de doce canciones, los ingleses estrenaban el título de rockstars cumpliendo su mayor capricho: que el planeta palpite al ritmo del más extraordinario britpop.

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