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Entrevistas

Zeta Bosio, sobre su nuevo proyecto Shoot The Radio: “Es volver a empezar de cero”

Fernando Montemurro y Zeta Bosio nos contaron todo acerca del disco debut de Shoot The Radio, el flamante ‘Opera Galaxy’.

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El festival Sonar 2015 fue el escenario elegido por Fernando Montemurro y Zeta Bosio como bautismo de fuego de su nuevo proyecto, Shoot The Radio. A pesar de que muchos esperaban verlo a Zeta metiendo discos, impulsados por su incursión en el mundo DJ, con el acompañamiento de sintetizadores la sorpresa fue grande cuando salió al escenario. Llevaba calzado su bajo Fender blanco de cuatro cuerdas, algo que después de Soda Stereo sólo había sucedido en algunas colaboraciones con otras bandas. Zeta volvía a apostar a un proyecto propio, haciendo lo que mejor hace.

Presentaron una fórmula arriesgada y diferente, una fusión de rock, electrónica y música sinfónica, con una clara invitación a bailar. A casi un año de aquel debut en vivo acaban de presentar su primer trabajo de estudio, Opera Galaxy.

—Hagamos un poco de historia no tan lejana… ¿cómo se gestó este proyecto?
Zeta Bosio: A decir verdad, casi de casualidad. Si bien siempre tuve ganas de sacarme la espina de tener nuevamente una banda, un proyecto propio, no venía pensándolo en ese momento. Con Fernando ya habíamos trabajado en la producción de algunos proyectos anteriores suyos y un día me mostró un boceto de un tema que estaba preparando para su próximo disco. Me pareció que había una intención ahí, hablo de la música, y me entusiasmó mucho. Daba para trabajarlo, tocar el bajo y darle vuelo.

Fernando Montemurro: Yo venía escuchando mucho Emerson Lake and Palmer, Alan Parsons… estaba enganchado con esa época. Tenía un boceto, como bien dice Zeta, una intención, una primera idea de lo que sería Opera Galaxy. El tema, no el álbum. Se lo mostré y fue como tirar de una cuerda que cuando la empezamos a recoger nos encontramos que había mucho más detrás. Así fue como nos juntamos y empezamos a experimentar. Empezó casi de casualidad, aunque después te das cuenta que las casualidades no existen.

—¿Cómo definen a Shoot The Radio dentro de la música electrónica?
FM: Escuché muchas cosas hasta ahora, que somos esto o aquello y aunque no renegamos de nada, creo que hay que definir primero qué es la electrónica para definir a Shoot The Radio. ¿Hablamos de Massive Attack, Daft Punk, Justice, Portishead, Chemical Brothers o de David Guetta? Nosotros no somos del pen drive.

ZB: Tal cual. En general se habla de electrónica como si fuera todo lo mismo y no lo es. Nosotros tenemos una estructura musical elaborada y pensada como banda. Dentro de lo que habitualmente es llamado electrónica, nosotros estamos en el extremo, quizás, más rockero. Nuestra música es bailable, claro, pero tiene estructura de canción, con matices y no está atrapada en un secuencia. Eso nos permite jugar y versionar los temas en cada show de una forma diferente.

FM: Si hablamos de cómo suena, vas a encontrar sonidos orquestales, cuestiones sinfónicas, electrónica, rock, es un concepto que podés encontrar en todos los temas.

—Hablando del concepto. ¿Fluyó, se fue dando o fue algo más pensado?
FM: Creo que fluyó a partir de cómo fue pensado. Aquella idea inicial, aunque no parezca (risas), fue algo pensado, con un sustento y un porqué. Cuando empezamos a jugar con esa idea empezaron a fluir un montón de cosas que le fuimos aportando.

ZB: Pienso igual. Todo nació de una idea, algo pensado. Pero no nos atamos a nada, nos permitimos jugar y experimentar. Mucho más ahora que es el comienzo, este es un punto de partida.

—¿Cuál es el momento del disfrute? ¿El proceso creativo, finalizar cada tema o cerrar el disco?
FM: Qué buena pregunta (risas). Yo aprendí mucho de Zeta. Él produjo trabajos anteriores míos y me conoce bien. Yo venía ansioso, básicamente soy un tipo ansioso, pero también venía viendo todo muy en detalle, viendo qué cambiar y modificar. No es que no lo disfrutaba, es una sensación rara. Un día me dijo algo que hoy me lo repito y se lo digo a todos: “Cuando vos haces un tema es la foto de un momento, puede quedar mejor, distinto, pero hay que saber cerrarlo”. Justamente, hay que saber cerrarlo y decirse que esto es lo mejor que hice en éste momento. Entendiendo eso comenzás a disfrutarlo.

ZB: Los músicos, los productores, como Fer y yo, solemos ser perfeccionistas, celosos de nuestro trabajo, meticulosos. Ante el armado de un disco, y mucho más si es el lanzamiento de algo nuevo, es lógico y normal ser muy detallista. Después de haber tenido tantos lanzamientos, tantos discos con Soda, fui aprendiendo a saber cuándo se debe soltar una canción y entender que es la mejor versión del momento. Después están los vivos para seguir jugando. Así aprendí a disfrutar de hacer un tema, de hacer un disco. El disfrute empieza a estar en todo, pero de todos modos el punto máximo está al final. Para mí es un placer escuchar este disco completo.

FM: Hoy me pasa igual. Disfruté de cada momento, aunque en el proceso creativo hay días que no te sale nada o escuchas lo del día anterior y ya no te gusta. Pero escucharlo entero, verlo con el arte, tener el primer álbum en la mano es algo maravilloso.

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Fotos: Christian Pettinicchio

—¿Qué es lo mejor de Opera Galaxy?
ZB:  Yo creo que es un gran trabajo pero lo mejor de Opera Galaxy es lo que viene después. Yo vengo de una época donde muchos pretendían que lo hecho en estudio había que sostenerlo en el vivo, que había que tocarlo igual. Nosotros (con Soda Stereo) empezamos a no hacerlo, y hoy en día lo mejor de un disco para el músico, más allá de la difusión y del trabajo en sí, es que te permite sorprender en los vivos.

FM: Lo mejor es que las canciones evolucionan, se versionan, se enganchan y ahí es donde te sacas las ganas de seguir metiéndole mano, como hablábamos antes. Además con esa base empieza otro trabajo que es ir armando y cambiando el show de acuerdo a cómo vamos tocando las canciones. Podemos sorprender y sorprendernos. Hay un montón de cosas que pasan en un show que en el disco no están por obvias razones. Hay un gran trabajo visual y de producción. Son cosas que se complementan, al menos en nuestro caso.

—Metiéndonos dentro de Opera Galaxy, “We Will Dance” es una arenga a moverse. Es un tema que te trae y te suelta, que hace tomar impulso para seguir bailando. Pero no es el único caso. ¿La fórmula es esa?
FM: No sé si es la fórmula. No somos un banda cómoda para escuchar tomando algo con el de al lado, al menos pretendemos no serlo. Nos gusta proponer todo el tiempo, que la gente se mueva. Quizás sea por eso que tanto “We Will Dance” como otros temas tengan su efecto montaña rusa en donde sí, te soltamos y te traemos.

ZB: El disco tiene momentos. Son temas bailables, pero tiene matices diferentes entre sí. Sería largo desmenuzarlo, pero creo que es eso lo que lo hace un disco entretenido. Y nos permite tener un show donde siempre podemos hacer algo para mantener la atención de la gente.

—¿Tema favorito? ¿El punto alto del disco?
ZB: Todos, me gustan todos. Hay algunos que me gusta tocar más, siempre pasa, pero no puedo encontrar uno en particular.

FM: Creo que nos pasa lo mismo porque hicimos el disco. No tenemos temas de relleno, siento que hicimos un muy buen trabajo con cada uno. “Shine On” me gusta mucho pero no más que “Hypervelocity” o “Star Racing”. Todo tiene algo.

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—¿Qué siente cuando leen o escuchan “la banda de Zeta Bosio”, “la banda del ex Soda”? ¿Sienten que les ponen una vara muy alta?
ZB: Eso va a pasar, sobre todo al principio. Pero no me preocupa ni me mete presión, al contrario. Shoot The Radio tiene la suficiente personalidad como para ir sola y despegarse de eso, y se está empezando a ver. Si bien gracias a eso, y sin haber hecho mucha prensa hasta el momento, la gente se fue enterando y se fue enganchando con nuestros temas, muchos en el ambiente saben que venimos trabajando en esto con Fer desde hace rato y nos empiezan a proponer hacer cosas juntos. Incluso en otros países.

FM: Es algo que naturalmente va a pasar, más cuando se trata de un fenómeno que trascendió todas las fronteras. Cuando decidimos armar Shoot The Radio es obvio que pensamos cómo encarar las cosas teniendo adentro a alguien tan reconocido. Zeta siempre va a ser un Soda Stereo, alguien hiper popular y tranquilamente su imagen podría devorarse a la banda y a todo el proyecto. Si bien la asociación es inevitable, en nuestro caso no venimos a hacer algo parecido a Soda y cuando nuestra música acompaña a esa nueva propuesta se nota que tiene un sustento propio. No es una presión adicional, definitivamente no.

ZB: Además, estamos muy confiados en lo que hacemos, en su identidad. Imaginate que bandas de “ex algo”, de lo que se te ocurra, siempre van a surgir. De ahí a que se pueda sostener es otra cosa. Yo soy un agradecido del cariño de la gente, del reconocimiento y no me imagino haciendo algo de lo que no esté convencido. Es volver a empezar de cero. Volvés a armarte todo, a afinar tu instrumento, a llevar tus cosas, todo se reduce al mínimo otra vez. Es algo muy especial como para permitir que se queme apostando a un nombre.

FM: Un fan de Zeta, de Soda, de quién sea, no te dura ni 15 minutos si lo que haces no le gusta. Es muy simple…

Escuchá Opera Galaxy completo a continuación.


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Valle de Muñecas: “Lo importante es hacer las canciones que tenemos ganas de hacer, nunca nos guiamos por el mercado”

La banda que este año está cumpliendo una década y media de existencia se planta de manera honesta y fiel a sus convicciones dentro del universo del rock local.

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Shoegazing, punk, melodías pop y muchas cosas más conviven dentro del universo Valle de Muñecas. “Hay muchas bandas que influencian a Valle de Muñecas, Television, R.E.M., Smiths, Sonic Youth, Dream Syndicate, Jesus and Mary Chain, Pixies, Husker Dü por citar algunas pero también cosas más actuales como Arctic Monkeys, Strokes, Raveonettes, DIIV, Parquet Courts, etc. Nosotros empezamos todos tocando en bandas Punk, así que eso también es algo que está muy presente en el sonido y en la actitud”, dice Fernando Blanco para explicar un poco el ADN de la banda.

Valle de Muñecas fue, de alguna manera, la continuación y evolución de Menos que Cero, donde Manza ya componía cosas como “Cartas” y “Kodak 74”,  dos canciones que podrían tranquilamente formar parte del repertorio actual de Valle de Muñecas.  “La diferencia entre Valle de Muñecas y Menos que Cero es que es otra gente la que me acompaña, y cada uno aporta su bagaje personal de música escuchada. Y si bien yo sigo escuchando música que escuchaba hace 20 años cuando tocaba en MQC, pasaron muchas cosas desde entonces, y uno va descubriendo cosas nuevas todo el tiempo”, aclara Manza.

Cuando Valle de muñecas habla de influencias, no solo se centra en el plano internacional, también  recuerda a sus contemporáneos y hasta elogian a las nuevas generaciones del indie nacional.  “Yo miro todo el tiempo qué es lo que pasa acá, pero obviamente no nos ha marcado demasiado el clásico rock nacional. Encuentro más empatía con algunos músicos de mi generación (Francisco Bochaton, Rosario Blefari, Boom Boom Kid), y veo en El Mató y toda las bandas que vienen detrás al fin una escena que tiene que ver con la música que siempre escuché”, cuenta Manza.

A lo largo de los años, Manza y los suyos tuvieron una relación un poco distante y hasta extraña con la popularidad, pero fue con la publicidad de la Campagnola que apareció la elegante canción con aires folk “Tormentas”, para que hasta al más distraído se le peguen las primeras y poéticas líneas: “Soy el aire entre tus dedo, una más de mil maneras de fingir la primavera…”.

“Uno no hace las canciones sin esperar nada a cambio, nos gustaría ser más populares pero no estamos dispuestos a ceder nada para que eso suceda”, aclara Fernando. “Obvio que nos gustaría que nuestras canciones lleguen a la mayor cantidad de gente posible, pero no es una decisión solo nuestra, pesa mucho más lo que opinen el público y los medios para que esto ocurra. De todos modos, para nosotros lo más importante es hacer las canciones y discos que tenemos ganas de hacer, nunca nos guiamos por el mercado”, suma Manza para explicar un poco más la postura que Valle de Muñecas tiene con respecto al tema desde que están en la carretera haciendo canciones.

Los Valle de Muñecas siguen haciendo su camino sin mirar a los costados, haciendo lo que mejor saben hacer: Canciones.

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Simon Raymonde, ex Cocteau Twins, sobre su nuevo proyecto: “Nuestro álbum demuestra igualdad”

Años después de la disolución definitiva de Cocteau Twins y con la construcción de su propio sello discográfico, Simon Raymonde se unió al baterista Richie Thomas para crear Lost Horizons.

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Años después de la disolución definitiva de Cocteau Twins y con la construcción de su propio sello discográfico, Simon Raymonde se unió al baterista Richie Thomas para crear Lost Horizons. Su álbum debut, Ojalá (en español en el original), nos regala eso que a veces se pierde despacio entre murmullos y ruido, tan sanador y vital que algunos niegan y otros pueden confirmar, que se llama música.

Esta fue la charla que Raymonde mantuvo con Ultrabrit.

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Ultrabrit: Formaste parte de los legendarios Cocteau Twins, y cuando se separaron definitivamente le diste forma a tu propio sello, Bella Union… ¿Qué crees que le hacia falta a la industria para crear una discográfica como ésta?

Simon: Es una buena pregunta, creo que tuvimos muy malas experiencias con nuestros primeros sellos discográficos, relaciones malas, donde no había amistad, y finalmente en 1997 creamos nuestro propio sello con la idea de hacer nuestra propia música.

U: Suena a que crear tu propio sello discográfico es crear tus propias reglas…

S: Bueno sí, exacto, no tenés que preguntarle a nadie si lo que estás haciendo está bien. Simplemente lo hacés. Tomás las decisiones que querés, hacés los videos que querés, sólo lo charlas con tus compañeros. Obviamente es una teoría, la realidad es un poco diferente.

U: ¿Cuáles son los factores que la gente no puede ni imaginarse sobre tener un sello propio? ¿Qué es lo más difícil y qué es lo más divertido?

S: Lo más divertido o lindo es ver cómo las pequeñas bandas que llegan con sus demos comienzan a evolucionar y a crecer de nuestra mano, ganándose su público. Es un ejercicio a largo plazo. No se trata de los charts ni billboards, se trata de volverse la mejor versión de uno mismo como artista. Es algo que es más duradero que un hit, significa mucho más, es ser parte de algo con propósito.

U: ¿Creés que los álbumes físicos van a desaparecer?

S: Creo que soy de una generación en la que eso no va a pasar. Pero es cierto que hay una generación, la generación track, generación Spotify, que no saben lo que es escuchar un álbum completo. Si bien todo puede cambiar ya que esa misma generación está comenzando a revalorizar los vinilos como objetos vintage, pero quién sabe.

U: El nuevo disco de Lost Horizons se llama “Ojalá”. ¿Por qué el título en castellano?

S: Porque es una palabra muy importante, es una palabra hermosa, con un significado especial, no sólo para mí sino para el planeta en el que vivimos los ciudadanos del mundo en el presente. Tenemos muchas cosas por las que preocuparnos hoy, y ‘Ojalá’ es una expresión de optimismo y es tener un marco de positividad sobre que todo va a funcionar mejor no sólo para uno mismo si no para el mundo entero. Incluso haciendo algo pequeño, como un gesto para otra persona, una sonrisa, abrir la puerta a alguien mayor, eso le puede cambiar el día a alguien.

U: En su música hay muchas voces femeninas, ¿por qué tantas variaciones?

S: Supongo que porque me gustan las voces femeninas; ojo, igual que las masculinas, creo en un 50/50. Tal vez por cómo me criaron que el álbum demuestra igualdad. Creo que en el mundo hay muy pocas mujeres en puestos en los predominan los hombres, tanto en la radio, en la música, en los festivales, etc. Creo también que las acciones valen más que las palabras, tal vez por eso hay tantas voces femeninas en Ojalá.

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Greg Gonzalez de Cigarettes After Sex: “Es muy especial comprar un disco, es como una pieza de arte”

A días de su primera visita a la Argentina hablamos con la mente detrás de Cigarrettes After Sex, el grupo pop de Brooklyn que se enfoca en música ambiente y tiene seguidores por todo el mundo.

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A días de su primera visita a la Argentina hablamos con la mente detrás de Cigarrettes After Sex, el grupo pop de Brooklyn que se enfoca en música ambiente y tiene seguidores por todo el mundo.

Cuando hablamos con Greg Gonzalez, compositor de CAS, no estaba en Nueva York, donde vive hace años. Tampoco estaba de visita en El Paso, su ciudad natal. Greg nos contesta desde Bruselas, donde esa noche darán con su banda uno de los shows más convocantes de la gira europea que terminó recientemente. Desde que Cigarrettes After Sex cultivó visitas en su canal de Youtube que no paró de crecer, transformando singles en un EP y más tarde en su primer álbum de estudio, de hombre homónimo al grupo. Y entonces llegó el momento de que los seguidores los vean en vivo y así será en la próxima edición del Festival BUE.

Ultrabrit: ¿Cuál era el propósito de grabar un álbum tradicional cuando el medio que los hizo conocidos fueron las redes sociales y Youtube?

Greg Gonzalez: Creo que es algo que siempre estuvo en mi cabeza, solo que fue difícil decidirme en cómo hacerlo y cómo debía sonar. Hicimos el EP y pensé que estaba muy bien pero me costó un tiempo recapturar esa magia. Lo que pasó es que fui a Nueva York, encontré nuevas cosas y finalmente encontré el sonido que me gustaba. Con la canción Affection pensé “ok, esto suena bastante bien, es hora de armar un disco” y usamos el sonido de Affection como el sonido del álbum y basamos todo lo demás alrededor de ese sonido que me gustaba tanto. Eso tomó un tiempo.

Pero era algo que siempre quise hacer y creo que cualquier artista que importe quiere completar su trabajo. Ya sea un compositor clásico como Mozart o una banda como los Beatles, todos tienen una versión extendida de su trabajo que quieren sacar y mostrar cómo suena.

U: Habiendo generado un público a través de Internet, ¿qué valor tiene vender copias para vos?

G: Es interesante porque las cosas cambiaron con el streaming y eso es genial, o sea hay gente escuchando música y siempre ha sido así a través de los años ya sea con vinilos, CDs o MP3s y ahora streaming así que creo que es una cuestión de conveniencia, lo que es bueno. La gente debería tener fácil acceso a la música.

Cuando la gente compra discos significa que son fans, que hay algo que quieren coleccionar de la banda. Es muy especial que la gente quiera comprarlo, es como una pieza de arte en una casa. Son dos cosas diferentes, la gente que escucha por streaming y la disfruta hasta ahí y el coleccionista que quiere tener el vinilo. Son los dos válidos, los dos son buenos.

U: ¿Sos coleccionista?

G: Cuando era más joven solía tener una gran colección de vinilos y CDs pero cuando empecé a moverme tanto descubrí que no podía cargar todo eso conmigo así dejé de ser un coleccionista y ahora escucho música por streaming. Lo que sí quiero hacer es tener mis 10 discos preferidos en vinilo, eso es lo que principalmente quiero coleccionar, solo en caso que quiera poner uno, son álbumes muy especiales para mi.

U: Las giras son largas, ¿tenés la capacidad de componer y mantener el ritmo de viaje al mismo tiempo?

G: Sí. Vivo y respiro música, es todo espontáneo. Estoy tirado en la cama y una canción entra en mi mente y la grabo con mi teléfono y solo aparece de la nada. A veces estoy tocando la guitarra, invento una canción aunque no esté tratando de escribir una canción, es una cosa muy natural en mi, es como funciona mi mente.

U: No tenés ningún ritual especial…

G: Escribo cuando llega el momento. A veces tengo que estar a solas para trabajar en la letra. A veces, si quiero relajarme un poco, prendo una vela o me sirvo un trago de scotch. Pero son cosas que no puedo hacer muy seguido así que escribo donde sea.

U: ¿Cómo es el proceso creativo con el resto de la banda?

G: Soy un freak del control así que yo llevo las letras, las melodías y los acordes a la banda y ellos lo que hacen con todo eso es crearle un ambiente particular. A veces improviso con ellos pero la banda no escribe letras sino que le da un sentimiento de base al tema.

U: Tu música es especial para hacer de banda sonora de un film. ¿Con qué director te gustaría trabajar en algo así?

G: Me encantaría hacer una banda sonora, algunos de mis álbumes preferidos son soundtracks, son muy mágicos e influyen mucho en mi. Si hiciéramos una para una película creo que el director con el que me gustaría trabajar es Thomas Anderson. Ha hecho cosas muy buenas y creo que podríamos lograr algo juntos, si alguna vez tengo la chance.

U: ¿Qué esperás de tu paso por Sudamérica?

G: Estoy emocionado por ver cómo todo es, cómo es la gente. Parece que tenemos fans muy apasionados en Argentina, cuando hablo con ellos están emocionados por mi música. Creo que va a ser un buen show y va a ser divertido conocer a todos los fans.

Cigarettes After Sex son Greg Gonzalez, Jacob Tomsky, Phillip Tubbs, Randall Miller. Se presentarán por primera vez en Buenos Aires el 15 de diciembre, en el Día 1 del Festival BUE.

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