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Una reflexión sobre las expresiones políticas juveniles a 13 años del lanzamiento de “The U.S. vs. John Lennon”

¿Qué lugar ocupa en la sociedad el grito de una generación que pide tener un futuro digno?

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El 29 de septiembre de 2006 salía a la luz el documental “The U.S. vs. John Lennon”, presentado en la 63º Exhibición Internacional de arte Cinematográfico de Venecia bajo la dirección de David Leaf que revela, a grandes rasgos, los sucesos ocurridos durante la estadía del ex Beatle en Nueva York en la década del ’70, donde fue perseguido y acosado por la CIA y el gobierno estadounidense conducido por Richard Nixon. En el marco de la Guerra Fría -que enfrentó a los EE. UU. con la Unión Soviética en una contienda diplomática, ideológica, política y económica a nivel mundial- la Casa Blanca veía en Lennon una seria amenaza debido a su poder de convocatoria y su popularidad. La transición que trasladó la figura de John de ícono de la música popular a activista político le costó su propia vida.

Aquella coyuntura particular, en la cual otros líderes y activistas tampoco se alinearon con las posturas más rígidas respecto de la lucha contrainsurgente, se resolvió de la manera más cruenta a través de asesinatos políticos que alcanzaron hasta al propio presidente John F. Kennedy. ¿Qué hubo más allá del eslogan que clamaba por la paz y el amor? ¿Qué lugar ocuparon en los medios de comunicación los jóvenes hippies y pacifistas en EE. UU. y Europa? Extensa es la bibliografía al respecto, y va desde consideraciones despectivas y marginales acerca del compromiso político de estos jóvenes, hasta su exaltación como una generación que estuvo llamada a concretar una revolución que allanaría el camino hacia un mundo mejor y más justo.

En los países del denominado Tercer Mundo, el protagonismo político juvenil tomó la forma de movimientos antiimperialistas que articularon reivindicaciones de transformación social y de liberación nacional. En muchos casos, obreros y estudiantes tomaron las armas justificando que era la única vía posible para alcanzar el poder ante la obturación de los canales democráticos como consecuencia de las dictaduras imperantes. Las circunstancias son bien diferentes en la actualidad: movimientos cada vez más convocantes como la militancia feminista y ambientalista atraen crecientemente a jóvenes a asumir compromisos políticos renovados. ¿Es posible, sin embargo, trazar alguna línea de continuidad entre ambos momentos? En principio, podríamos comenzar por señalar los prejuicios que flotan en la sociedad sobre las minorías políticas; una sociedad que continúa apoyándose en mandatos adultos y patriarcales.

La denominada Generación Z, también conocida como generación posmilénica​ o centennial​, es la cohorte demográfica nacida entre fines de la década de 1990 y mediados de la década del 2000​. El rasgo excluyente de esta generación es su vinculación con internet y la tecnología digital desde la niñez. En ese sentido, los centennials, que alcanzaron una edad de politización esbozaron, lógicamente, sus propias estrategias y formas de militancia en orden con sus propias inquietudes y reivindicaciones: la posibilidad de transitar su adultez en un mundo que no haya sido corroído por el capitalismo hasta la destrucción. En agosto de 2018, Greta Thunberg, una niña sueca de quince años entonces, se tomó un tiempo fuera de la escuela para manifestarse en las puertas del parlamento sosteniendo un cartel que pedía una acción climática más fuerte.

Rápidamente, otros jóvenes estudiantes secundarios se sumaron espontáneamente a protestas similares en sus propias comunidades. Juntos organizaron un movimiento de huelga climática escolar con el nombre de Fridays for Future. Después de que Thunberg se dirigió a la Conferencia de las Naciones Unidas sobre el Cambio Climático de 2018, se realizaron huelgas estudiantiles cada semana en algún lugar del mundo. En 2019, hubo al menos dos protestas coordinadas en varias ciudades que involucraron a más de un millón de alumnos cada una. La potencia de las redes sociales lubricó lazos de solidaridad a nivel global, haciendo del movimiento una expresión genuina en ascenso.

Pero, nuevamente, ¿qué lugar ocupa este reclamo en la sociedad? ¿Se trata del grito de una generación de jóvenes contra los adultos que están hipotecando su futuro a costa de maximizar los beneficios? ¿Es una trampa conspirativa orquestada por las corporaciones más poderosas del mundo que utilizan la inocencia juvenil para consolidar sus intereses a nivel mundial? ¿Acaso era necesario que una niña blanca nacida en un país desarrollado nos “abriera los ojos” cuando los pueblos originarios vienen sosteniendo esa lucha desde hace muchos años atrás, como sostienen los empedernidos y avivados detractores de Instagram? Que el árbol de la soberbia no nos tape el (cada vez más consumido) bosque.

El desprecio de los adultos por las reivindicaciones juveniles es, evidentemente, una característica que se mantiene constante en las sociedades occidentales. Las simpatías que despierta, generalmente, están teñidas de una condescendencia que roza el desdén. Así como John y los activistas que lo acompañaron fueron cuestionados por su condición de clase y su exposición como ícono de la cultura popular, hoy Greta y los jóvenes que se le sumaron son atacados por la supuesta inocencia juvenil que portan, la falta de profundidad teórica y de experiencia política. Nadie puede ver el entramado detrás de las consignas, nadie puede legítimamente protestar sin haber cruzado antes la línea de la adultez.

¿Puede Greta ser John? Nadie puede saberlo. Como tampoco nadie puede saber qué será de ella cuando cruce esa línea, del mismo modo que nadie sabrá jamás qué hubiera sido de John si continuara con vida. De hecho, es absolutamente irrelevante a los fines de esta reflexión. Greta es cuestionada por ser blanca y joven, por tener Asperger y vivir en un país desarrollado de Europa, por estar supuestamente financiada por los poderosos y ser su títere. Podríamos tomar ese molde y aplicarlo a John o cualquier otro activista juvenil y el resultado sería similar. Quizás sea el momento de que los adultos (la sociedad y los líderes políticos) abandonen las fábulas conspirativas funcionales al desprestigio de las reivindicaciones de los jóvenes para evitar cometer el mismo error que hace cincuenta años. Un momento apremiante, ya no por la amenaza nuclear, sino por las contundentes consecuencias del calentamiento global y los desastres naturales.

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Lecturas Obligadas

Alfred Hitchcock, el maestro del suspenso

El director inglés que aún da cátedra de cómo se debe hacer cine.

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El cine como lo conocemos hoy en día es resultado de años de grandes películas y directores que sentaron las bases de cómo hacer de una obra cinematográfica, una obra de arte. Directores como Alfred Hitchcock, considerado por muchos como uno de los pioneros del cine, nunca fueron reconocidos por la Academia, a pesar de su larga trayectoria. Esto nunca fue un problema ya que sus películas supieron influir en sus espectadores de tal manera que directores actuales, como Guillermo del Toro y Martin Scorsese, lo han tomado de ejemplo desde sus inicios en el séptimo arte. Todo lo que engloba su concepto de “pure cinema” y su forma de transmitir terror le dieron el aún vigente título de “maestro del suspenso”.

Sir. Alfred Joseph Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en Essex, Reino Unido y murió el 29 de abril de 1980 en California, Estados Unidos. Varios críticos de lo denominaron  “un inglés de clase media trabajadora que tenía un genio artístico” y esto puede confirmarse a los 15 minutos de empezar a ver cualquiera de sus películas. El factor determinante de toda su carrera cinematográfica es haberla comenzado en el cine mudo de los años 20, donde tuvo que aprender a desarrollar narrativas visuales para comunicar. Si bien su debut como director se dio con “The Pleasure Garden” (1925), trabajó desde 1922 con el director Graham Cutts como asistente de dirección, escritor, editor y en el diseño de producción para la película “White Shadow” (1923). Pero quizás uno de sus mayores logros se dio recién en 1929, cuando lanzó la primera película hablada del Reino Unido “Blackmail”. Desde este momento hasta 1976, Hitchcock comenzaría un camino de 40 años y más de 50 grandes obras en las que podemos destacar “Psycho” (1960), “Vertigo” (1958), “Rebbecca” (1940) o “Rear Window” (1954).

Para entenderlo es necesario partir desde sus inicios en el cine mudo y la relación que esto tiene con su concepto de “pure cinema”. Para él puro cine es poder comunicar las emociones de sus personajes únicamente a través de la utilización de medios visuales. Algo extremadamente importante cuando el diálogo es inexistente. Esto hace que exista esa teoría que indica que Hitchcock nunca dejó de ser director de películas mudas, aun cuando estas fueran habladas. Es posible ver cualquiera de sus obras sin sonido y poder entenderlas.

Para lograr una eficiente comunicación por medio de imágenes se tuvo que valer de varias herramientas como los puntos de vista para hacer que el espectador vea y sienta lo mismo que sus personajes, y una amplia variedad de planos fotográficos. Sin embargo, la más importante fue el ensamblaje de los planos para crear una idea. Esto último fue lo que le concedió otro título más: “el maestro del montaje”. Sus películas toman forma al ser editadas, ya que junta los fragmentos para dar ese sentimiento de horror, sorpresa o constante suspenso. La música es también, uno de los recursos mas importantes ya que no sirven como un fondo, sino mas bien acompañan el miedo de sus personajes a través de las tomas.

Una de las escenas más famosas de la historia es la del asesinato en la ducha de “Psycho” (1960). La misma es una secuencia sin diálogo, con una música (que todos recordamos muy bien) y fotogramas ensamblados perfecta y minuciosamente creando un sentimiento de miedo que culmina con un primer plano de Janet Leigh gritando mientras Anthony Perkins la apuñala. Esta, aparte de ser la escena más importante del cine, es la que más refleja la cinematografía de Alfred Hitchcock. Y con diálogo quizás no hubiese sido tan buena. En fin, el mismo decía que las películas mudas son la forma mas pura del cine”.

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Much Music celebra a Cerati con una programación especial

El canal musical presentará un Especial de Gustavo Cerati en homenaje al que hubiera sido su 60° cumpleaños.

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En el mes de su cumpleaños, Much le rinde homenaje al inoxidable legado de Gustavo Cerati.

El ámbito de la música nacional e internacional lo reconoce como uno de sus músicos más influyentes. Líder de la banda de rock en español más exitosa a nivel latinoamericano. Portador de una estética tan particular como exquisita, todos sus trabajos llevan impreso el sello de su nombre: Gustavo Cerati. En su cumpleaños, Much Music quiere recordarlo con un especial que se podrá disfrutar el sábado 10 de agosto a las 7pm.

 

La producción busca recordar a un artista cuyo estilo y experimentación siempre fueron sinónimo de vanguardia, glamour en personalidad e imagen, con una actitud de superación artística incesante que logró erigirse como uno de los artistas más importantes de nuestra escena musical.

 

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Las mejores interpretaciones de David Bowie en películas

Además de dejar una marca en el mundo de la música, el  Duque blanco incursionó en el cine participando en más de 20 películas. Si tenés ganas de verlas y no sabés por dónde empezar, te dejamos una selección de 5 imperdibles.

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Labyrinth

Una de las películas más icónicas del músico. En Labyrinth Bowie interpreta a Jareth, el excéntrico rey de los goblins, que secuestra al hermano de Sarah (una joven Jennifer Conelly) y le advierte que si no resuelve su laberinto antes del amanecer, convertirá al bebé en un duente.

Una película de fantasía, títeres e increíble vestuario en la que el Duque Blanco se luce cantando.

The Man Who Fell to Earth

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Es difícil pensar en un  papel más adecuado para Bowie que el de un extraterrestre, es por eso que no podía faltar esta película donde interpreta a Thomas Jerome Newton, un alienígena que viene a la tierra en busca de agua para llevar a su planeta.

Un film de ciencia ficción cargado de dramatismo que demostró que el duque no sólo tenía talento para la música.

The Hunger

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Esta vez tenemos la oportunidad de ver a Bowie en la piel de un vampiro junto a Susan Sarandon  y Catherine Deneuve. Un film de terror donde reina la estética, pero no fue muy bien recibido por la crítica.

Basquiat

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Película basada en la vida del artista posmoderno estadounidense Jean-Michel Basquiat donde Bowie interpreta nada más y nada menos que al artista plástico, amigo y mentor: Andy Warhol.

Bowie y Warhol se conocían en la vida real, quizás por eso el músico nos dejó una de las mejores interpretaciones del artista.

The Prestige

Cierra la lista un film dirigido por Christopher Nolan, uno de los grandes directores de estos tiempos que siempre tuvo talento para elegir actores para sus películas. En esta ocasión Bowie interpreta al enigmático Nikola Testla, el inventor al que los magos acuden para que los ayude en su truco.

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