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U2 y Pop, cuando 20 años no es nada

Hoy se cumplen dos décadas desde la edición de POP, un de los discos más polémicos de U2 y que los trajo por primera vez a la Argentina.

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Con un “Bienvenidos al gallinero” de presentación exclamado por Bono en el estadio de River, U2 pisó por primera vez las pampas argentinas en febrero de 1998 iniciando un romance que agota localidades cada vez que repiten visita. Aquella vez vinieron a presentar Pop, su disco más polémico que hoy cumple dos décadas.

 

u2-popPop significó la consolidación definitiva del plan sonoro que los irlandeses edificaron en los ’90. Desde Achtung Baby (1991) su búsqueda estética buceaba las posibilidades que ofrecían las nuevas tecnologías musicales y de grabación apelando en el estudio a las bases y programaciones que también acompañarían los cada vez más exuberantes shows en vivo. Con antecedente en Zooropa (1993), Pop se editó el 3 de marzo de 1997 graficando ya desde el título lo poco que les quedaba del postpunk originario, con un U2 urgido por sonar contemporáneo. Sin Brian Eno esta vez al comando sonoro, la producción tuvo parte fundamental en músicos de la electrónica como Mark “Flood” Ellis y los DJ’s Howie B y Steve Osborne, quienes le dieron a esta placa más recursos que nunca: samples, loops, continuas remezclas, filtros y procesadores de sonidos constantes.

En la nueva obra fluctuaban variados estilos sin estancarse en uno solo. Desde el dance, techno, trip hop, trance y hasta sonidos del hip hop eran parte de la propuesta de U2. Y si bien la primera impresión dan el tono de baile a pura luces, Bono exclamó alguna vez que el disco “comienza como una fiesta pero termina como un funeral”, develando el clima de canciones darks como “Please” o “Wake up dead man”.

El primer corte de difusión fue “Discothèque”. Como si fuera un manifiesto del nuevo rumbo adoptado mostró un sonido que poco recordaba a sus clásicos, con la guitarra de The Edge camuflada a puro techno/dance. En el video el grupo parodia con coreografías al emblema bolichero Village People, y no es un detalle menor que una banda como U2, siempre cerca del discurso solemne con implicancias sociales, recurriera ahora al humor en su obra. Y es que el concepto de la etapa Pop no puede ser entendido bien si no se interpretan los gestos irónicos que proponían en todo ámbito: desde el bautismo de la gira bajo el nombre “Pop Mart”, pasando por el armado del escenario con uno de los arcos de la “M” de Mac Donalds como imponente monumento del consumismo. O el gesto en la elección del vestuario con ropa que emulaba músculos rápidos sin necesidad de esfuerzo.

¿Esto hizo que U2 dejara sus letras comprometidas? Nada por el estilo. En “Staring At The Sun”  puede leerse frases como: “Intransigencia alrededor, militares aún en la ciudad. Armaduras plateadas y lazos. Papi apenas ni dirá adiós.” Pero incluso la lírica funcionaba también desde el doble filo de la ironía. Líneas como las de “Gone” se permiten un palo para la crítica snob que los acusaba de vendidos. O la de “The Playboy Mansion” donde Bono hace un certero mapeo del mundo plástico cool estadounidense. ¿Acaso la superficialidad de “Miami” no nos anticipó las andanzas trash pop de Ricardo Fort acá? Como no podía ser de otra manera también en este CD hay referencias cristianas, como en “Mofo” con el cantante buscando salvar su alma y sólo encontrando a Jesús en un basural.

El uso de programaciones de ritmos fue incentivado además por un período en 1995 en que el baterista Larry Mullen Jr. fue operado de la espalda y decidió bajar un cambio recluyéndose unas semanas. U2 siguió componiendo pero ahora los ritmos partían de las máquinas modificando su dinámica de creación de canciones. Eso condujo a que a su regreso el baterista tuviera que repensar su modo de tocar su instrumento con estos nuevos conceptos. Si había una zona de confort en el registro, se ponía un stop y se buscaban nuevas variantes.

Así fue también como el balance final para el grupo no fue del todo satisfactorio, y más de una vez comentaron que les hubiera gustado tener aún más tiempo para trabajarlo. Incluso cuando ya habían retrasado el plan original de lanzarlo en 1996.

Pop en tiempos de pizza con champagne

u2-popmart-2La gira Pop Mart fue la primera que trajo a la banda irlandesa por tierras sudamericanas visitando Brasil, Argentina y Chile. Los tres shows que montaron el 5, 6 y 7 de febrero de 1998 en River Plate significaban hasta el momento los shows más impactantes en lo audiovisual que hubieran visitado al país. Con 45 metros de ancho por 15 metros y medio de largo, la pantalla de video LED proyectaba a escala mastodóntica la actuación del cuarteto de Dublín mechando imágenes pop art. Tampoco la veta política del grupo estuvo ausente e invitaron al escenario a las Madres de Plaza de Mayo. También en Chile U2 interrumpió su show para hacer explícito su descontento con la designación como senador vitalicio del dictador Augusto Pinochet. Otro dato impactante al respecto ocurrió el año anterior (y en la misma gira) cuando actuaron en Sarajevo a poco tiempo de finalizada la Guerra de Bosnia. Hay gente en el lugar que hoy recuerda ese show como un antes y un después por el significado pacífico de que se pudiera organizar un mega recital en su tierra.

En definitiva U2 no dejó de tener su pose comprometida, pero a la vez se permitió explicitar un poco más su gozo hedonista con el star system y sus experiencias visitando los dance clubs. De hecho (y si de consagración pop se trata) es para esta época cuando hacen su aparición en Los Simpson donde Homero tiene un conflicto con Bono por el manejo anti ecológico de la basura.

La crítica malogró el que quizás sea el último disco donde los irlandeses apostaron al riesgo en pos de la reinvención artística. Pop es visto hoy como el álbum maldito de U2 y puede que sea esa la razón por la que desde All that you can’t leave behind (2000) en adelante el grupo se dedicó mayormente a sintetizar el exitoso sonido de guitarras patentado en The Joshua Tree. Sólo muy de vez en cuando se acuerdan de Pop y mechan algún que otro sonido noventoso.

U2 – One Live (Popmart Tour | 02-05-1998 | Buenos Aires, Argentina)

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Marilina Bertoldi con una cerilla y un bidón de gasolina

A principios de octubre fue lanzado el tercer álbum solista de Marilina Bertoldi, correctamente titulado “Prender un Fuego”, que fue presentado este fin de semana en dos funciones repletas de fans en Niceto Club.

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El disco llega dos años y medio después de “Sexo con Modelos” y hace que el menos conocido debut “La presencia de las personas que se van” parezca un lejano recuerdo de otros tiempos.

Hace dos años, con la canción “Sexo con modelos”, Marilina había compuesto una de las más sinceras descripciones del sentir de la juventud que nació en los noventa, esa que es la muerte de un siglo. La mayor parte de aquel disco estaba centrada en canciones amorosas, de tintes eróticos, y juegos de poder románticos (“Y Deshacer”) que la plantaban como una femme fatale de la escena local, capaz de condensar vulnerabilidad y una actitud auto-consciente con un personaje seguro de sí mismo y empoderado, alejado de las innecesarias concepciones clichés de la “mujer fuerte”.

Pero todo esto quedó atrás, y en su nueva reinvención (¿evolución?) podemos apreciar como la lírica ceratiana con dosis contestatarias de esa última presentación han  transmutado en nuevos experimentos musicales en los que Marilina juega con su voz para rapear, seguir grooves funk y guiar extrañas incursiones sonoras en la segunda mitad del disco. Quizás sea en “MDMA”, de Sexo con Modelos, donde mejor se pueda ver el puente entre la obra anterior de Marilina y esta nueva etapa, en la que ya no juega a la femme fatale, sino que se coloca con mucha seguridad por encima de una marea que la rodea. Ella misma se contesta: mientras que en el pasado decía “vivo estando loca”, Bertoldi ahora declara “Estaba enojada y ahora estoy preparada”.

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Con una sensibilidad pop-rock y un conocimiento musical poco común, la primera mitad de “Prender un Fuego” explora una sensibilidad funk ochentosa (acá es importante aclarar que en Niceto, la DJ invitada por Marilina pasó toda una playlist de funk y pop ochentoso antes de que comience el show) en la que las letras se deshacen en poderosas declaraciones de principios. Quizás el mejor resumen de esta sintomática y constante catarata de declaraciones este en la canción “La Casa de A” cuando Marilina dice: “Nadie acá se escapara de mi”.

La segunda mitad del disco, que puede comenzar en “China” o en “Tito Volvé” dependiendo de cómo se lo escuche, es una extraña oferta de innovaciones musicales, en las que Marilina experimenta con teclados, loops, baterías eléctricas y distorsiones sobre su voz. Durante veinte minutos Marilina hace gala de sus variadas influencias musicales, que van de Radiohead a INXS, pasando por Björk. La enigmática y graciosa “Tito Volvé” es, probablemente, una de las canciones más originales que ha producido nuestro país en años. Incluso en este momento de aparente humor, Marilina no puede evitar las declaraciones de su potente personaje: “Ay, como les duele comerse el viaje, se enojan solos, vayan con mama”.

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En Niceto, la artista ejecutó el álbum completo, a excepción de la canción que le da título, antes de repasar algunas de las canciones de Sexo con Modelos (obviando sus anteriores composiciones como solista así como su carrera con la banda Connor Questa). A modo de broche final tocó “RACAT”, la entretenida canción que presentó a principios de este año como adelanto de su nuevo disco y que, finalmente, no incluyó como parte de Prender un Fuego. Un público de unas mil personas por función se mostró conocedor de las canciones nuevas, celebrando a una Marilina visiblemente emocionada, de pocas palabras, que se ponía y sacaba un par de estrafalarios anteojos para decir cada una de sus frases más fuertes (las ya citadas en este artículo y otras) para ser instantáneamente festejada por los asistentes en cada una de esas instancias. La atmósfera era fácil de leer: el joven público, y en especial el sector femenino, se siente interpelado por las vivencias que retrata Marilina.

En la segunda fecha, Bertoldi estuvo acompañada por Marina Fages y HTML (Marina Saporiti) como teloneras. La inclusión de las Marinas no es más que una parte esencial de la tarea a la que se está dedicando la artista y que, presiento, se puede decodificar de algunos de los mensajes crípticos de su nuevo disco: llenar el rock local de voces femeninas. Lo que probablemente sea lo mejor que nos puede suceder, viendo el panorama en que se encuentra nuestra música. Parafraseando parcialmente la letra de “¿O no?, el opening de Prender un Fuego”, podemos decir que las chicas de nuestro rock son “una multitud que no se banca tanta gente”.

A juzgar por Marilina, tanto por sus canciones como por sus presentaciones en vivo, y la escena musical que, vamos a admitirlo, crece en torno a ella, el futuro está en buenas manos.

Y si, el futuro es femenino.

 

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MGMT: Música sin etiquetas

Para los testigos de aquel Quilmes Rock 2012, es imposible olvidar el recital que vivieron la noche del 3 de abril. Aunque el plato fuerte era Foo Fighters, que tocaba por primera vez en Argentina, hubo una sorpresa: los MGMT.

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Fue una jugada atrevida poner a una banda electrónica junto con la banda de rock más poderosa y esperada por el público argentino.

MGMT, formada en el 2002 con el nombre de The Management, había tocado en nuestro país en un festival gratuito organizado por Personal, en la playa, en Mar del Plata, el año anterior, es decir, en el verano de 2011.

Andrew vanWyngarden y Ben Goldwasser (guitarra y voz y teclado y voz respectivamente), eran compañeros en la Universidad Wysleyana de Connecticut, Estados Unidos. Comenzaron a juntarse a tocar como hobby entre las horas de estudio. Pero pronto, ese pasatiempo se convirtió en trabajo full time.

Luego de graduarse, en 2005, la banda incorporó a Will Berman, en percusión, y salieron de gira con su EP Time to pretend.

Al comienzo su música era calificada de electrónica y hasta de noise rock. Pero cuando llegó el primer contrato con una discográfica – Columbia –  que les permitió grabar el primer disco profesional, Oracular Spectacular, se los anunciaba como banda indie de rock psicodélico.

Como suele ocurrir, no se es profeta en su tierra, y los MGMT alcanzaron el éxito en Gran Bretaña antes que en Estados Unidos. A fines del 2008 la banda sonaba fuerte en el reino Unido y la BBC Radio los catalogó como uno de los sonidos del 2008. La canción Time to pretend comenzó a sonar en todas las radios llevando a los MGMT a compartir escenario con Radiohead. Pero fue Kids el hit que los catapultó al éxito. Inmediatamente después llegaron los conciertos masivos: Roskilde, Coachella, Glastonbury y el ya famoso en nuestro país, Lollapalooza.

Dos años después, en el 2010, sacaron su segundo disco, Congratulations. Para ese entonces se habían unido a la banda Matt Asti, en bajo y teclados, y James Richardson en batería, en un comienzo y guitarra solista, percusión y coros, más adelante.

El tercer disco, llamado simplemente MGMT, no fue bien recibido por la crítica. Muchos lo tildaron de “paso en falso”. Pero la música siempre ofrece la oportunidad de redimirse y eso hicieron los chicos de Connecticut con Little Dark Age, su cuarto disco, publicado a principios de este 2018, en donde vuelve a escucharse el sonido particular de sus primeras producciones.

En el próximo Personal Fest, los MGMT volverán a presentarse en Argentina. Todavía no podemos definir una etiqueta para su música: si electrónica, electro dance, rock psicodélico y hasta electro punk como llegaron a decirles. Sin importar las categorías, el público argentino volverá a disfrutar de la música de los MGMT y bailar al ritmo de sus canciones, especialmente con la esperada Kids que, como bien dijo Ben Goldwasser, “ya le pertenece a la gente”.

 

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Usted Señálemelo: Lo humano de buscar la canción perfecta

La joven banda mendocina triunfa en los grandes festivales de Córdoba y Buenos Aires pero para crear decide quedarse en su provincia.

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Hasta hace unos años, Buenos Aires era el centro de creación musical de pop y rock más importante del país, junto a ciudades como la Plata y Rosario. De un tiempo a esta parte Córdoba empezó a tener una movida muy rica en estilos y calidad. Algo similar está pasando en La Pampa. Y en Mendoza surgió el Manso Indie.

Una primera ola del desembarco de Cuyo en Buenos Aires fue protagonizada por Mariana Paraway, Mi amigo Invencible, Las Luces Primeras y más. Podríamos decir que la segunda camada llegó con Usted Señálemelo, Perras on The Beach, Luca Bocci y Las Cosas Que pasan, entre otros.

Y por lo visto se viene aproximando una nueva generación de artistas que estaremos atentos a disfrutar.
Lo cierto es que las bandas y solistas de las provincias, inevitablemente, siempre terminaron instalándose en Buenos Aires en búsqueda de lograr vivir de sus canciones y llegar a más gente. El de Usted Señálemelo es el primer caso en que una banda de otro lugar la empieza a pegar en Buenos Aires pero decide quedarse en su provincia. Algo que hoy es posible gracias a las nuevas plataformas de difusión y las redes sociales. Vienen, tocan, van a ver a otras bandas, disfrutan de la vida y se vuelven a Cuyo. El paisaje de Mendoza se asoma en sus letras (“Volver al valle se torna alimento mío”, “Allí la montaña me atraviesa de energía”, “Aquí en la montaña puedo morir, puedo caer”). Dada la cercanía geográfica tocaron en Chile incluso antes que en Buenos Aires.

Independientes, llevan adelante la autogestión y el goce de no estar atados a nada. Pertenecen a una generación que se preocupa por hacer buenos recitales y buenas canciones. Y eso se nota mucho en vivo. Otra particularidad generacional es que entre las nuevas bandas se ayudan, se cuidan, se quieren, van a verse mutuamente, se aconsejan y aprenden. Hay un sentido de lo grupal muy fuerte.

El primer disco se llama igual que la banda y fue editado en 2015. Algunas de sus canciones más relevantes son “Otra Vez”, “Plastilina”, “Fusión y Fin” y “Agua Marfil”. Un par de años después llegaría “II”. La evolución del primero al segundo es muy notoria. Y el primer disco está muy bien! Pero con “II” dieron vuelta todo. La posibilidad de contar con estudio propio les permitió tomarse las cosas con tiempo, encararlo con la tranquilidad de poder buscar los sonidos adecuados para las nuevas creaciones. Como si se tratara de bucear en lo más humano y natural de sí mismos con el deseo de encontrar la canción perfecta. “Aguetas”, “Mañana”, “Pana”, “Puedo Morir, Puedo Caer” y la gigante “Big Bang” son muestras de esa búsqueda. Es uno de los mejores discos del 2017, junto al de Luca Bocci y el de El Mató a un policía Motorizado, por nombrar un par más. A eso se le suma que tienen un vivo muy potente. Sus recitales son una oda a la belleza, el buen gusto, las sutilezas, el groove y la fuerza.

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Juan Saieg canta degustando las palabras y dispara notas y sonidos desde su sintetizador, al tiempo que comanda la escena. Lucca Beguerie Petrich es un baterista de golpe fuerte, con energía contagiosa. Puede ser muy rockero, muy pop o re groovero, de acuerdo a lo que la canción necesite, al igual que Gabi “Cocó” Orozco con la guitarra. Gabi es un violero versátil, que va desde la rítmica a los solos o la creación de atmósferas sonoras. Tienen todo. Y con 22 años de edad les queda mucho más por recorrer.
El combo de ser una gran banda en vivo que tiene un gran disco para mostrar hizo que con “II” giraran por Argentina, Chile, Colombia, Ecuador y Uruguay.

Estuvieron por primera vez en el Personal Fest de Córdoba el sábado 6 de octubre y ahora serán parte de la versión porteña del festival, en el Club Ciudad de Buenos Aires.

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