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THE NOW NOW: El nuevo disco de Gorillaz

Gorillaz presentó su sexto disco sin grandes novedades, con la clara intención de conformar a los oyentes. ¿Lo logra?

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El sexto disco de Gorillaz fue, desde un principio, presentado como una especie de bonus track extendido de Humanz y, al mismo tiempo, como un consuelo para aquellos fans que se sentían decepcionados por la poca presencia de Damon Albarn en el último lanzamiento. Y en ese sentido, Gorillaz cumplió. Sí, 2D canta todo el tiempo y suena mucho más al Gorillaz clásico. Si, se nota esta mas trabajado que The Fall y ya lo sabíamos hace tiempo. Ahora viendo el resultado afirmamos que The Now Now es un disco sin mucho que decir.

Humanz, con todos sus excesos y carencias, es un disco con personalidad. Y, al igual que los anteriores de la banda, presenta algún tipo de historia o concepto (en el caso de Humanz, una fiesta pre-apocalíptica). A excepción de algunas tímidas referencias a política internacional en “Humility”, The Now Now carece de la crítica social de Plastic Beach y Humanz, pero tampoco tiene la mitología del primer disco y Demon Dayz. Las únicas temáticas que recorren las canciones (sensaciones de soledad y alienación, mezcladas con una vaga esperanza) representan una introspección mas esperable de un disco solista de Albarn. Al final del día, el nuevo longplay se alinea junto a The Fall, un disco compuesto durante una gira que, en este caso, sirve como excusa para seguir de gira durante un año más. Una mirada pesimista lo vería como un cash-grab de Damon.

A pesar de las temáticas ya nombradas, The Now Now es mucho más optimista que Humanz. El apocalipsis quedó atrás, y ahora 2D canta sobre el “nuevo mundo” y “sobre dejar el aislamiento” (hablando específicamente a las letras de “One Percent” y “Humility”). El disco tiene un sonido mucho más coherente y continuo que los anteriores LPs de la banda, sin demasiado espacio para la experimentación y para la mezcla de géneros. La música se reduce a sintetizadores y beats eléctricos (y la divertida guitarra de George Benson en el primer tema), pareciendo en muchos sentidos una versión minimalista de Plastic Beach.

A grandes rasgos, las canciones son buenas.  “Humility”, “Hollywood”, “Sorcererz” y “Magic City” son las estrellas del disco. “Idaho” suena muy a algo salido de The Fall. “Fire Flies” y “One Percent” recuerdan a “Andromeda” y “Busted and Blue” (de Humanz). “Lake Zurich” es un bonito intervalo que por momentos suena a LCD Soundsystem. Aunque no me parece justo hablar de relleno, sí se puede señalar a “Tranz”, “Kansas” y “Souk Eye” como los temas menos destacables del disco.

The Now Now es un disco entretenido que no va a ganar nuevos adeptos a Gorillaz ni tampoco tiene grandes novedades que ofrecer a sus fanáticos. A decir verdad, parece el primer disco de Gorillaz dirigido hacia los “fans nostálgicos”, e incluso puede pasar como un disco demagogo. Es divertido, alegre y muy fácil de digerir, estando marcado por la presencia central de Damon y una producción prolija. Aquellos que no disfrutaron de Humanz, posiblemente encuentren en The Now Now lo que les faltó el año pasado.

A dieciocho años de la salida de “Tomorrow Comes Today”, Damon Albarn tiene derecho a hacer lo que quiera con su proyecto más preciado y The Now Now es una buena noticia para cualquier amante de Gorillaz (o para cualquier melómano con ganas de escuchar algo bueno).

Eso sí,  todos vamos a esperar que el inevitable octavo disco sea más sorprendente y ambicioso, después de este agradable trip nostálgico que representa The Now Now.

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Cialisonline

    7 julio, 2018 at 2:45 AM

    Gracias por los ánimos hoy los necesito 🤗😘cialis online

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Dua Lipa y The Weeknd encuentran nuevos horizontes

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Dua Lipa – Future Nostalgia

El crítico musical Simon Reynolds desarrolló el concepto de Retromanía en su libro del año 2010. Allí cuestionó lo novedoso, o no, de los grupos musicales del siglo XXI. Cuánto hay de original, cuánto hay de influencia por parte de artistas del pasado, por qué como consumidores nos volvimos adictos a lo retro.

El último LP de Dua Lipa quiere jugar indirectamente con eso. La elección del título, audaz y ambicioso, propone no sólo despegarse a sí misma de la época de New Rules (2017) sino allanar el camino para un nuevo sonido.
El arranque es prometedor. Future Nostalgia coquetea con el primer Daft Punk y con la más incisiva Lady Gaga. Lipa la anunció como una oda a aquellas mujeres alfa que la inspiraron para ser quien es. Un auténtico banger.

La misma suerte corre el disco, constante en su afán energético y up-tempo. Otros de los momentos más interesantes son Physical, conocido por haber sido el segundo single del álbum y por la referencia al clásico de Olivia Newton-John (1981); Levitating Break My Heart. Estas últimas dos, aunque bien distintas una de otra, por acción u omisión abordan el dance crying. Dua Lipa se refirió a Levitating como el lugar donde “exploró hacer canciones felices sin caer en el dance crying”.

Por el contrario, Break My Heart (sample de INXS incluído) es donde Lipa anticipó en una entrevista: “acá es donde vuelve lo de dance crying”. Hasta la categorizó como el ejemplo perfecto para una canción de ese estilo.
El track no deja de ser una reflexión sobre la romántica vulnerabilidad de envolverse en una relación amorosa.

Hablando de reflexión, la canción que cierra el disco, Boys Will Be Boysvuelve sobre la cuestión de género y cómo se perpetra el status-quo de las desigualdades. El intento de abordar la cuestión fue más arriesgado que la ejecución en sí. Lipa parece haber agotado los recursos a esta altura del disco: un redoblante corta la vibra pop de un ya de por sí apagado estribillo. Sin embargo se valora la intención.

The Weeknd – After Hours

Otro que parece haberse juntado con la gente correcta es Abel Tesfaye, mejor conocido como The Weeknd. Para embarcarse en el mundo del synthpop experimental recurrió a Daniel Lopatin, nombre propio del proyecto Oneohtrix Point Never y guía turístico del canadiense durante After Hours, su cuarto álbum.

After Hours es el lanzamiento comercial (mixtapes aparte) más arriesgado de The Weeknd. Si bien todos sus discos tuvieron puntos interesantes, en mayor o menor medida, la búsqueda esta vez va por un lado futurista, en contraposición al sonido ochentoso de sus predecesores.

Alone Again, primer track, es una canción que sirve como catalizador de lo que vendrá en el resto del disco. Los primeros acordes tienen la huella dactilar de Illangelo, responsable de la solidez de la canción.
Scared to Live es una balada sincera, menos audaz pero más cercana al sonido radial que mejor le sienta al canadiense. Elton John, acreditado en la canción por el coro “I hope you know that, I hope you know that” (ver Your Song, 1970), dio el visto bueno y lo celebró.

After Hours tiene un quiebre en la novena canción, Blinding Lights. A partir de allí, la proposición de The Weeknd parece ser otra: una más pop, menos nocturna y lejos de drogas y autoflagelación. Es la zona de confort de Abel y la que mejor sabe hacer. Allí donde buscaba nuevos horizontes a comienzo del disco, en esta parte cambia la fórmula. Max Martin, histórico productor sueco, corre por un rato a Illangelo y a Lopatin para dar lugar a teclados energéticos.

After Hours es la búsqueda de nuevos resultados, aunque no necesariamente The Weeknd los encuentre durante los 55 minutos de duración de After Hours. Los picos de calidad se dan siempre que el canadiense repite fórmulas pasadas.

 

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I Am Not a Dog On a Chain, lo nuevo de Morrissey

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Menos de un año tardó Morrissey en lanzar un nuevo álbum. El último había sido California Son (2019), producido por el norteamericano Joe Chicarelli (White Stripes, Spoon, Broken Social Scene), donde hubo una clara intención de dar un giro a los últimos trabajos que venía publicando el astro inglés. El álbum, integrado por covers y reversiones, tiene una selección de canciones muy personal y de un gusto muy fino.
La intención fue tan o más interesante que la ejecución.

La vara de la producción se elevó y encontramos a un artista como Morrissey volviendo, por momentos, a aquellas épocas de solista que tanto añoramos.

La propuesta de I Am Not a Dog On a Chain es similar pero no idéntica. A priori, se presenta no como un retorno hacia la época dorada de Morrissey (la seguidilla Viva Hate, Kill Uncle, Your Arsenal, Vauxhall and I, etc) sino hacia la reinvención de una nueva. Tarea difícil para un artista cuyas noticias más leídas en los últimos tiempos no fueron por su obra en sí, sino por obtusas declaraciones respecto a la inmigración o la culpabilidad de Kevin Spacey, por citar algunas. Por momentos, Moz parecía cerrarse cada vez más en su propia coraza.

De lleno en este nuevo lanzamiento, el track elegido como single fue “Bobby, Don’t You Think They Know?”, una cruza, por momentos interesante y por momentos confusa entre R&B y rock alternativo. Una empática interpelación un pobre Bobby sobre su abuso de drogas.

La encargada de abrir el disco es Jim Jim Falls, donde Morrissey no se muestra tan amable. Por el contrario, “Si te vas a matar, entonces por el amor de Dios, hacelo de una buena vez” es la frase definitiva de esta canción que promete nuevas cosas.

Otros puntos interesantes son I Am Not a Dog on a Chain, la canción que da nombre al disco, y luego Darling, I Hug a Pillow.
La primera es una auténtica explicación de por qué Moz se comporta como se comporta. Sirve a modo de respuesta en primera persona a todas aquellas críticas que buscan abatirlo, aunque él demuestra cómo es capaz de evitarlas.
La segunda es una balada en tiempos de distanciamiento social: el “amor físico” y la incapacidad de ejercerlo. Su efectiva letra recurre a imágenes muy visuales sin ser grandilocuente.

I Am Not a Dog On a Chain es el disco más Morrissey que Morrissey lanzó en el último tiempo. La cuidada producción acompaña al inglés a no caer en lugares comunes y lo logra empujando los límites de lo esperado. La capacidad vocal y performática de Morrissey es siempre espectacular y por eso está fuera de discusión, pero siempre es bueno encontrarlo en proyectos más sólidos y audaces.

 

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Presentan temas inéditos del “Flaco”

El día que Luis Alberto Spinetta hubiera cumplido 70 años se presentó “Ya No Mires Atrás”, álbum compuesto por siete temas inéditos grabados entre 2008 y 2009.

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El mismo día que se conmemoró en Argentina un nuevo aniversario del nacimiento de Luis Alberto Spinetta, que hubiera cumplido 70 años, por el que se celebra el Día Nacional del Musicx, su familia lanzó un disco con temas inéditos del icónico musical.

Según lo explicitó Sony Music, “Ya No Mires Atrás” esta constituido por siete temas grabados por el Flaco entre 2008 y 2009, que fueron encontrados de forma casual en su ámbito privado a principios de 2012.

“Lo encontré hace casi ocho años, a los pocos días de que él se fue”, relató su hija Catarina Spinetta, en una nota con el diario La Nación, donde contó que la familia decidió hacer la mezcla y masterización para luego compartirlo con los fans.

El álbum incluye tracks como “Veinte ciudades”, “Luces y sombras”, “Nuevo Mundo, Luna Arjo”, “Diadema” , “Agua del Río”, el sencillo que le da el nombre y aparece en el capítulo de “Bios: Vidas que marcaron la tuya”, serie producida por National Geographic que se estrenó en septiembre de 2019, dedicado a Spinetta. “Merecer”, por otro lado, cuenta con la participación de sus hijos Valentino y Dante.

Además el dibujo del arte es obra de Spinetta y el diseño del artista argentino Alejandro Ros. El disco próximamente se editará en versión vinilo.

Escuchalo completo acá:

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