Seguinos en

Especiales

Robert Smith cumple 58 años

Un día como hoy, 58 años atrás, nacía lo que luego sería una leyenda del rock. Repasamos su vida en ocho etapas sobre el líder de The Cure.

Publicado

el

Un día como hoy, 58 años atrás, nacía quien seria una de las leyendas mas góticas de la historia del rock. Repasamos la vida del líder de The Cure en ocho etapas.

INFANCIA

Mucho antes de pintarse la cara de blanco, los labios de rojo y los ojos de negro, Robert fue un chico de un pequeño pueblo. Nació el 21 de Abril de 1959 en Blackpool Lancashire, una localidad costera al noroeste de Inglaterra, situada a orillas del Mar de Irlanda y a unos kilómetros de la magnífica Mánchester. Durante su infancia se mudó tres veces alrededor de su país,  donde más se estableció fue en Crawley Sussex, donde terminó el colegio.

Es el tercero de cuatro hermanos y nunca tuvo hijos.

INICIOS EN EL ROCK

El primer grupo de este romántico empedernido se llamó The Obelisk y fue formado en 1973. Luego junto a Marc Ceccagno, formaron en 1976, a Malice. Ese mismo año, con la salida de Ceccagno, crean The Easy Cure con Michael Dempsey, Lol Tolhurst y Porl Thompson. No fue hasta 1978 que la banda soltó a Easy del nombre, porque Robert pensó que sonaba demasiado hippie y californiano. Junto a Easy, se marchó Thompson, quedando el primer trío que formaría a la exitosa banda The Cure.

EL AMOR

Robert conoció a su actual esposa Mary en el colegio de Crawley Sussex a los 14 años, donde terminó la secundaria en 1977. Se casaron el 13 de Agosto de 1988 mientras escribía su álbum más inspirador y profundo, Disintegration, y desde entonces nunca se separaron. Si bien no tuvieron hijos el cantante confesó en una entrevista “Yo sé lo que nos hemos perdido. Pero creo que lo he compensado por ser capaz de seguir siendo el mismo hombre para ella a cuando nos conocimos.”

robert-smith-casamiento

El regalo de bodas de Robert a Mary fue la canción Lovesong “However far away, I will always love you. However long I stay, I will always love you”. Dicho y hecho, 29 años después la sigue amando.

LA PERMANENCIA EN THE CURE

El único músico que permaneció en la banda desde sus inicios fue Smith. The Cure tuvo 11 cambios a lo largo de su historia y junto a esos cambios se vio influenciado su estilo musical en los diversos EPs. La banda tuvo su paso por el post punk, gothic, pop, rock alternativo, ritmos del ska jazz, dark y rock duro. 13 discos forman su discografía, entre ellos Pornography, Kiss me, Kiss me, Kiss me, Disintegration y Wish.

robert-smith-4

EL ESTILO

Smith creó un estilo por la forma en que toca su guitarra llamado staccato y en el uso de los efectos de guitarra como el flanger, chorus effect y el phaser que lo pusieron a la vanguardia de la música post punk. Si bien, el artista nunca quiso encasillar su estilo en una sola corriente musical, The Cure junto a otras grandes bandas que lo influenciaron, como Siouxsie and the Banshees, Bauhaus o Joy Division, pusieron en la historia de la música al rock gótico y la dark wave como sucesora del punk. Sus primeros discos, creados a finales de la década de 1970 y principios de 1980, Seventeen seconds, Faith y Pornography le hacen honor a este movimiento. The Cure se tomó un breve descanso a principio de los 80s, y Robert decidió llevar su talento guitarrista a otra banda, en 1983 se unió a Siouxsie and the Banshees, otro grupo progenitor del post punk para tocar en el álbum Nocturne y en 1984 en el álbum Hyæna, también de los Banshees. Smith se hizo amigo de los Banshees en 1979 cuando The Cure tocó como teloneros de ellos.

robert-smith-3

ROBERT Y EL CINE

El gótico Smith no solo influenció en la música, sino que en la pantalla grande y chica. Su lado oscuro sedujo a Tim Burton, gran admirador de la banda, que se inspiró en su imagen para crear al personaje Joven Manos de Tijera. También el director James O’Barr estuvo influenciado para la creación de la película El cuervo, en su musicalización con los álbumes Seventeen Seconds y Faith y estilo del protagonista con el maquillaje que Smith usaba para no mostrar su cara. En la película dirigida por el italiano Paolo Sorrentino, This must be the place que protagoniza Sean Penn también se ve el peinado y maquillaje del homenajeado.

LA OSCURIDAD

Smith intentó suicidarse a los 25 años, duro momento de su vida que lo llevó a expresar todos sus sentimientos, dolores y depresiones en su letra y música. Además fue reconocido y aceptado por él mismo, el excesivo consumo de alcohol y LSD durante esa época y sus primeros años de fama. El fantástico cantante, guitarrista, tecladista y escritor supo plasmar sentimientos que solo sus seguidores entienden. Boys don’t cry del año 79 originalmente, es un simple ejemplo de ellos. Otro de los discos más profundos que oculta otra historia es el álbum Disintegration, que no solo expresa sus miserias sino el dolor de la noticia de que en 1988 mientras comenzaban a grabar este disco, habían encontrado dos chicos en Inglaterra, que se habían suicidado escuchando The Cure.

robert-smith-2

Si bien él dijo en varias entrevistas no ser depresivo, sino que en momentos de tristeza es donde se inspira a escribir y desarrollar su música, su lado oscuro es lo que nos atrae y reconforta a todos sus adeptos.

“I try to laugh about it
Cover it all up with lies
I try and laugh about it
Hiding the tears in my eyes
Because boys don’t cry
Boys don’t cry”

¡FELIZ CUMPLE A WISH!

El álbum Wish fue lanzado el mismo día de su cumpleaños en 1992. Wish se lanzó durante la emergencia under del britpop, y sigue el estilo del movimiento shoegaze, pop, gothic y alternativo. Si bien musicalmente no tiene el nivel de su disco anterior, Disintegration, fue el más vendido en la historia de la banda, y tiene los éxitos más escuchados como “Friday i’m in love”. El EP se situó en la posición número uno en las listas británicas y en el número dos de las listas de rock alternativo americanas, marcándolo como el mayor éxito comercial de la banda hasta el momento.

Robert Smith es mucho más que un músico, es un icono y leyenda en la historia. Abrió caminos, innovó y experimentó con sus letras, ritmos e imagen. Gracias por estos 40 años de entendimiento, poesía y musicalización en nuestras vidas.
[post_view]

Continuar Leyendo
1 Comentario

1 Comentario

  1. Sally M.C

    2 agosto, 2017 at 9:07 PM

    Un millón de gracias por celebrar y recordar a tan importante Leyenda de la música alternativa y gótica. amo tanto la música de Robert Smith. Mis hijas conocen su música. Les encanta álbum desintegration! Fueron conmigo al concierto en Palacio de los Deportes y al de Foro Sol! Larga Vida para Robert Smith y The Cure.

Responder

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *

Especiales

WHERE THE FUCK ARE ARCTIC MONKEYS?

Mientras esperamos nuevo material de los chicos de Sheffield repasamos sus numerosas colaboraciones que van desde Iggy Pop y Johnny Marr hasta Lana del Rey y Miles Kane.

Publicado

el

A la mitad de agosto del 2014, en medio de su tour más exitoso, los Arctic Monkeys desembarcaron en Tokio. En una entrevista, Matt Helders, mientras señalaba que “eran la banda más grande del mundo” y que Humbug les “había dado confianza para hacer algo diferente”, deslizó un comentario poco esperado: “De momento no hay apuros para hacer algo más. Este disco parece un buen lugar donde dejar las cosas por un tiempo”. Los meses pasaron y la banda cerró su gira con multitudinarios conciertos en Argentina, Chile y Brasil. La noche del 15 de noviembre, los Monkeys terminaron su setlist con una versión extendida de “R U Mine” y comenzaron su más largo silencio.

La siguiente reaparición de Turner fue en marzo del 2015, cuando colaboró en “Vertigo”, un tema del disco “The Great Pretenders” de Mini Mansions. Turner ya había colaborado previamente con Michael Shuman, el frontman de esta banda y bajista de Queens of the Stone Age. La relación constante entre los Arctic y QotSA parecía seguirse fortaleciendo. En junio del mismo año, Turner colaboró con Alexandra Savior en la canción “Risk” que cerró el capitulo quinto de la infame segunda temporada de True Detective. “Alex Turner es un excelente músico y está trabajando con esta chica Alex Semitone [Savior] que tiene un sentido de melodía, tono y arte muy interesante. Vinieron un día con esta canción en la que estaban trabajando y sonaba exactamente como esta temporada de True Detective” contó Bone Burnett, el encargado de la música de la serie, a la revista NME. Esto era solo el comienzo de una alianza que marcaría los siguientes años del artista.

En octubre se confirmó la salida de un nuevo disco de The Last Shadow Puppets, el side project de Turner y Miles Kane. En diciembre aparecieron una serie de trailers que incluían un segmento con Kane imitando al boxeador Ric Flair. El siguiente enero apareció el primer single: Bad Habbits. La canción incorporaba elementos de pop barroco, arreglos de cuerdas disonantes y toques de flamenco. Se anunció que el álbum se titularía Everything You’ve Come To Expect y que incluiría a Zach Dawes (Mini Mansions) sumado a los tres miembros originales. Además, pronto se supo que Matt Helders había prestado su voz para tres canciones del disco. Al tiempo apareció el video del tema homónimo que presentaba a los líderes de la banda enterrados en la arena de una playa, siendo atormentados por una mujer.

Turner expandía cada vez más sus horizontes musicales y parecía decidido a no volver con los chicos de Sheffield. Alexandra Savior, mientras tanto, germinaba como telonera de los shows de la banda. Para junio de 2016, el músico dijo que no había planes para otro disco de los Monkeys. “No los hay, realmente. No aún. Pero los habrá en algún punto. Quiero decir, vamos a ver. No hay apuro” declaró. En mayo Turner se unió a Alexandra Savior en el Hotel Café de Hollywood, tocando para menos de cien personas. En julio, los cuatro Arctic Monkeys aparecieron en público para promocionar una exhibición de arte en el Hospital de Niños de Sheffield. Durante el mismo mes Last Shadow Puppets realizó una presentación junto a Johnny Marr en Manchester. En agosto del 2016 Turner cerró su gira con Miles Kane y volvió al silencio.

Durante este período, Matt Helders, el mítico baterista de los Monkeys, también se mantuvo ocupado. Participó en el álbum “Joanne” de Lady Gaga, tocando la batería en el primer tema del disco, “Diamond Heart”, que fue co-escrito por Josh Homme. Una vez más los caminos de los Arctic Monkeys y los miembros de QotSA parecían no dejar de cruzarse nunca. En ese mismo año Helders contrajo matrimonio en Roma, con Breanna McDow. Pero posiblemente la aventura que más marco esta etapa del baterista fue su colaboración con Iggy Pop en el álbum “Post Pop Depression”. Helders se unió a la Iguana del Rock en conjunto con Josh Homme y Dean Fertita (QotSA, The Dead Weather). Acoplándose perfectamente a la guitarra de Homme, los teclados de Fertita y la voz rasgada de Iggy, Helders recorrió el mundo mostrando nuevas facetas de su talento musical.

Para diciembre del 2016 ya circulaban fotos del cuarteto deambulando por Sheffield y los rumores de un disco crecían. Ese mismo mes apareció un EP nuevo de The Last Shadow Puppets, “The Dream Synopsis”, que incluía reversiones de dos temas del disco nuevo y cuatro covers, destacando una versión de “Is This What You Wanted?” de Leonard Cohen. Alex Turner comenzó a mostrarse con barba a principios del año siguiente y generó la histeria de sus fanáticos. También se filtraron dos videos de él cantando karaoke con Lana Del Rey y Miles Kane que inundaron las redes sociales. Mientras los fans se distraían con esto, Turner se dedicó a producir y lanzar el disco debut de Alexandra Savior, “Belladonna of Sadness”, en conjunto con James Ford, el productor que acompaña la mayoría de los lanzamientos de los Arctic Monkeys. Savior ya había sacado tres singles en anticipación al disco el año anterior al mismo tiempo que Alex había incluido “Miracle Aligner”, un tema que compuso con ella, en el LP con Miles Kane. El álbum, que originalmente se titulaba “Strange Portrait”, recibió una producción sencilla siendo la mayoría de los instrumentos tocados por Turner y Ford, con algunas colaboraciones de Zach Dawes, mientras que Alexandra prestaba su voz en todos los demás.

Toda esta actividad opaca la vida de bajo perfil de Jamie Cook y Nick O’Malley, quienes completan el cuarteto indie. Cook se casó y fue padre mientras que O’Malley tuvo poco protagonismo hasta que a fines de septiembre del año pasado, hablando con la web sobre motocicletas For the Ride (O’Malley es un aficionado de las motos), confirmó que ese mes los Arctic Monkeys habían vuelto a grabar. En sus palabras, si el disco no salía para el 2018, la banda iba “a tener problemas”. Previamente, en abril, los cuatro miembros de la banda habían sido avistados en Los Angeles.

Y, después de cuatro años de inactividad, el doce de enero los ingleses anunciaron sus primeras fechas. No pasó mucho tiempo hasta que comenzó a repartirse la invitación al Casino y Hotel.

Texto por Pablo Americo y Mariano Pugliese

Continuar Leyendo

Especiales

Joy Division y la apuesta por un oscuro minimalismo

Tras la muerte de Ian Curtis, los integrantes de la banda decidieron, no casualmente, ir más allá y zambullirse en la New Wave y la nueva escena alternativa de los ’80.

Publicado

el

Tal y como se sostuvo en el artículo anterior acerca de la vanguardia postpunk y su voluntad por encarar una renovación estética del proyecto contestatario, Joy Division refleja un caso particular en ese proceso no solo por lo efímero de su duración en relación con las potencialidades que demostraba, sino también porque, tras la muerte de Ian Curtis, el resto de los integrantes decidieron, no casualmente, ir más allá y zambullirse en la New Wave y la nueva escena alternativa de los ’80.

Efectivamente, Joy Division incluyó en su propuesta novedosas líneas melódicas, inusuales conceptos rítmicos (incluyendo elementos normalmente asociados a la música de baile), el intercambio de los roles tradicionales del rock entre la guitarra y el bajo, el uso de sintetizadores y cajas de ritmos, dando como resultado un sonido premeditadamente minimalista capaz de crear una atmósfera densa y oscura en sus oyentes. Una energía desafiante que se presiente como una sombra en el pulso de la canción, pero que nunca se manifiesta explícitamente.

Probablemente, esa atmósfera sea producto también de una emocionalidad contenida, algo tan extremo y desesperado como en el grito que no se oye en el cuadro de Munch. Allí se encuentra parte de la identidad de Joy Division: Ian Curtis, con voz de barítono, manifestando toda su expresividad pero alejado del histrionismo que caracterizaba a los rock stars del período anterior. Los instrumentos, tocados sin demasiados arreglos pero con cierta intensidad, compartían la sencillez propia de las primeras bandas punk aunque sin esa estridencia.

Por otro lado, el uso de los teclados con algunas reminiscencias del krautrock facilitaba la sugerencia de ritmos bailables que abrieron paso a repeticiones obsesivas de dos o tres acordes, al modo de una versión tímbricamente más austera y electrónica de los Velvet Underground, una influencia crucial para la banda. De tal modo, no era inocente que en su estética abundaran los tonos grises con invocaciones a la moda en tiempos de la Segunda Guerra Mundial.

Asimismo, la manera de presentarse en vivo ofrecía una puesta en escena que rehuía cualquier artificio común en otras bandas de la época. Con la excepción del extravagante modo de bailar de Curtis (que se asimilaba a los movimientos convulsivos propios de la enfermedad que padecía), Joy Division prescindía de cualquier teatralidad que distrajera de la atmósfera oscura que construía: la inexistencia de juegos de luces, de humo y de diálogos con la audiencia daban cuenta de ello. Aunque pareciera una improvisación, se trataba de una cuidadosa actuación que buscaba manifestar la inexistencia de cualquier elemento de performance.

En cuanto a sus crípticas letras, las temáticas versan entre referencias marginales que Ian Curtis hace de su enfermedad (por ejemplo en “She’s Lost Control”) y cierta poesía urbana. Sin dudas, Joy Division se alejó de la denuncia social para dar lugar a referencias literarias, y es posible rastrear allí ese elemento identitario del rock que es la autenticidad: de acuerdo con la definición de las relaciones del arte con la modernidad que establecen autores como Gautier y Baudelaire en el siglo XIX, el «artista moderno» debe atender a lo que sucede a su alrededor para ser capaz de captar el espíritu de su tiempo.

Así, el postpunk en general y Joy Division en particular, rescataron esa herencia legada por los Beatles –quienes forjaron el proyecto estético del rock sesentista a partir de la articulación de elementos de la cultura popular y de la “alta cultura”– a partir de una nueva apuesta que, si bien adoptó el minimalismo que el movimiento punk le imprimió a la música rock, permitió el ingreso de sonidos e instrumentos novedosos representando, de tal manera, la oscuridad y la decadencia que predominaron en la Europa de finales de los ’70 y comienzos de los ’80.

Continuar Leyendo

Especiales

Johnny Marr ataca de nuevo

Desde que Johnny abandonó The Smiths allá por 1987 y abrió una enorme zanja en el mundo del rock independiente mundial, hasta ahora todavía abierta, no paró nunca de edificar pacientemente su propia carrera.

Publicado

el

Es que esa fue la razón por la cual decidió resignar una larga gloria asegurada y arrojar por la borda semejante banda: ya vivir debajo de las polleras del abrasivo Morrissey no sólo se estaba volviendo sofocante y hasta nocivo para su salud (en los últimos meses de vida del cuarteto de Manchester  el pequeño John se tenía que clavar una botella de Bourbon cada vez que debía salir a escena), sino que sentía internamente que al lado -o mejor dicho, detrás – de un personaje de tamaño calibre nunca iba a ser él mismo, siempre iba a ser el eterno segundón en The Smiths.

Tras participar de discos de The TheTalking HeadsPretendersPet Shop Boys y Bryan Ferry, y de darle forma al irregular combo Made In Manchester Electronic, con el cerebro de New Order Bernard Sumner, ya entrados los 2000 Johnny hizo escuela garagera con su propia iniciática banda Johnny Marr & The Healers (Boomslang, 2003, con Zack Starkey en bateria), con los estadounidenses Modest Mouse (We Were Dead Before The Ship Ever Sank, 2007), y el furioso y jovencísimo trio de Yorkshire The Cribs, con quienes grabó Ignore The Ignorant (2009). Todo este derrotero, en algunos aspectos y con el producto realizado en mano algo carente de sentido para lo que nos tenía acostumbrados el brillante guitarrista, compositor y productor, sirvió para quedarse con la razón de su lado y poder construir un presente minuciosamente edificado.
Es que Johnny, a partir de 2013, luego de tantos años de haber acuñado el sueño del nombre propio al que todo el mundo quiere y desea contar como invitado en su próximo disco, destapó una sorpresa solista que tan bien suena, que lleva ya dos discos de estudio, más uno en vivo por demás contundente, y a las puertas de lanzar el tercero con un adelanto a la altura de su leyenda. Con The Messenger (Febrero de 2013, que contiene uno de los más hermosos temas post-Smiths compuestos por Johnny, New Town Velocity) rompió el molde con un sonido brillante y prístino, y hasta cantando sorprendentemente. Playland (6 de Octubre de 2014) confirmó que el debut no había sido una excepción; y el contundente LP en directo Adrenaline Baby (Octubre de 2015) asintiendo su gran momento.
 Y ahora en pleno 2018 lo tenemos al guitar hero comunicando la salida de su nuevo trabajo Call The Comet, que verá la luz el próximo 15 de Junio y que cuenta ya con un seductor single adelanto (The Tracers). Con gira confirmada de 12 shows que arranca en Dublin a principios de Mayo, esperamos con ansias que vuelva a Argentina a consolidar el romance con el público local tras dos cálidas visitas previas.
 

Continuar Leyendo
Ad Banner 300 x 600
Ad Banner 300 x 250
Ad Banner 300 x 250

LAS MÁS LEIDAS