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Robert Smith cumple 58 años

Un día como hoy, 58 años atrás, nacía lo que luego sería una leyenda del rock. Repasamos su vida en ocho etapas sobre el líder de The Cure.

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Un día como hoy, 58 años atrás, nacía quien seria una de las leyendas mas góticas de la historia del rock. Repasamos la vida del líder de The Cure en ocho etapas.

INFANCIA

Mucho antes de pintarse la cara de blanco, los labios de rojo y los ojos de negro, Robert fue un chico de un pequeño pueblo. Nació el 21 de Abril de 1959 en Blackpool Lancashire, una localidad costera al noroeste de Inglaterra, situada a orillas del Mar de Irlanda y a unos kilómetros de la magnífica Mánchester. Durante su infancia se mudó tres veces alrededor de su país,  donde más se estableció fue en Crawley Sussex, donde terminó el colegio.

Es el tercero de cuatro hermanos y nunca tuvo hijos.

INICIOS EN EL ROCK

El primer grupo de este romántico empedernido se llamó The Obelisk y fue formado en 1973. Luego junto a Marc Ceccagno, formaron en 1976, a Malice. Ese mismo año, con la salida de Ceccagno, crean The Easy Cure con Michael Dempsey, Lol Tolhurst y Porl Thompson. No fue hasta 1978 que la banda soltó a Easy del nombre, porque Robert pensó que sonaba demasiado hippie y californiano. Junto a Easy, se marchó Thompson, quedando el primer trío que formaría a la exitosa banda The Cure.

EL AMOR

Robert conoció a su actual esposa Mary en el colegio de Crawley Sussex a los 14 años, donde terminó la secundaria en 1977. Se casaron el 13 de Agosto de 1988 mientras escribía su álbum más inspirador y profundo, Disintegration, y desde entonces nunca se separaron. Si bien no tuvieron hijos el cantante confesó en una entrevista “Yo sé lo que nos hemos perdido. Pero creo que lo he compensado por ser capaz de seguir siendo el mismo hombre para ella a cuando nos conocimos.”

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El regalo de bodas de Robert a Mary fue la canción Lovesong “However far away, I will always love you. However long I stay, I will always love you”. Dicho y hecho, 29 años después la sigue amando.

LA PERMANENCIA EN THE CURE

El único músico que permaneció en la banda desde sus inicios fue Smith. The Cure tuvo 11 cambios a lo largo de su historia y junto a esos cambios se vio influenciado su estilo musical en los diversos EPs. La banda tuvo su paso por el post punk, gothic, pop, rock alternativo, ritmos del ska jazz, dark y rock duro. 13 discos forman su discografía, entre ellos Pornography, Kiss me, Kiss me, Kiss me, Disintegration y Wish.

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EL ESTILO

Smith creó un estilo por la forma en que toca su guitarra llamado staccato y en el uso de los efectos de guitarra como el flanger, chorus effect y el phaser que lo pusieron a la vanguardia de la música post punk. Si bien, el artista nunca quiso encasillar su estilo en una sola corriente musical, The Cure junto a otras grandes bandas que lo influenciaron, como Siouxsie and the Banshees, Bauhaus o Joy Division, pusieron en la historia de la música al rock gótico y la dark wave como sucesora del punk. Sus primeros discos, creados a finales de la década de 1970 y principios de 1980, Seventeen seconds, Faith y Pornography le hacen honor a este movimiento. The Cure se tomó un breve descanso a principio de los 80s, y Robert decidió llevar su talento guitarrista a otra banda, en 1983 se unió a Siouxsie and the Banshees, otro grupo progenitor del post punk para tocar en el álbum Nocturne y en 1984 en el álbum Hyæna, también de los Banshees. Smith se hizo amigo de los Banshees en 1979 cuando The Cure tocó como teloneros de ellos.

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ROBERT Y EL CINE

El gótico Smith no solo influenció en la música, sino que en la pantalla grande y chica. Su lado oscuro sedujo a Tim Burton, gran admirador de la banda, que se inspiró en su imagen para crear al personaje Joven Manos de Tijera. También el director James O’Barr estuvo influenciado para la creación de la película El cuervo, en su musicalización con los álbumes Seventeen Seconds y Faith y estilo del protagonista con el maquillaje que Smith usaba para no mostrar su cara. En la película dirigida por el italiano Paolo Sorrentino, This must be the place que protagoniza Sean Penn también se ve el peinado y maquillaje del homenajeado.

LA OSCURIDAD

Smith intentó suicidarse a los 25 años, duro momento de su vida que lo llevó a expresar todos sus sentimientos, dolores y depresiones en su letra y música. Además fue reconocido y aceptado por él mismo, el excesivo consumo de alcohol y LSD durante esa época y sus primeros años de fama. El fantástico cantante, guitarrista, tecladista y escritor supo plasmar sentimientos que solo sus seguidores entienden. Boys don’t cry del año 79 originalmente, es un simple ejemplo de ellos. Otro de los discos más profundos que oculta otra historia es el álbum Disintegration, que no solo expresa sus miserias sino el dolor de la noticia de que en 1988 mientras comenzaban a grabar este disco, habían encontrado dos chicos en Inglaterra, que se habían suicidado escuchando The Cure.

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Si bien él dijo en varias entrevistas no ser depresivo, sino que en momentos de tristeza es donde se inspira a escribir y desarrollar su música, su lado oscuro es lo que nos atrae y reconforta a todos sus adeptos.

“I try to laugh about it
Cover it all up with lies
I try and laugh about it
Hiding the tears in my eyes
Because boys don’t cry
Boys don’t cry”

¡FELIZ CUMPLE A WISH!

El álbum Wish fue lanzado el mismo día de su cumpleaños en 1992. Wish se lanzó durante la emergencia under del britpop, y sigue el estilo del movimiento shoegaze, pop, gothic y alternativo. Si bien musicalmente no tiene el nivel de su disco anterior, Disintegration, fue el más vendido en la historia de la banda, y tiene los éxitos más escuchados como “Friday i’m in love”. El EP se situó en la posición número uno en las listas británicas y en el número dos de las listas de rock alternativo americanas, marcándolo como el mayor éxito comercial de la banda hasta el momento.

Robert Smith es mucho más que un músico, es un icono y leyenda en la historia. Abrió caminos, innovó y experimentó con sus letras, ritmos e imagen. Gracias por estos 40 años de entendimiento, poesía y musicalización en nuestras vidas.
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1 Comentario

1 Comentario

  1. Sally M.C

    2 agosto, 2017 at 9:07 PM

    Un millón de gracias por celebrar y recordar a tan importante Leyenda de la música alternativa y gótica. amo tanto la música de Robert Smith. Mis hijas conocen su música. Les encanta álbum desintegration! Fueron conmigo al concierto en Palacio de los Deportes y al de Foro Sol! Larga Vida para Robert Smith y The Cure.

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Especiales

Paul Weller, el padre del movimiento Mod Británico

El multinstrumentista es el dueño del toque típico, mágico y necesario que define al Brit Pop con la crudeza estética y melodías suaves.

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Definido como padre del movimiento Mod y, técnicamente, como instrumentista, Paul Weller basa su estilo sonoro en guitarras de marcas y modelos cuidadosamente elegidos y absolutamente funcionales a lo que necesita para transmitir musicalmente, sea en estudio como en vivo. El uso de distintas marcas y modelos de guitarras no hace que el sonido de Weller se mueva fuera de una médula estética perfectamente definida, con cada cambio de guitarras dentro de un mismo show logra los matices de diferenciación necesarios o que mas bien se adapten a sus deseos sonoros pero conservando perfectamente una linea sonora acorde y aplastante.

Las elecciones de la guitarras siempre giran en instrumentos que poseen preponderancia sonora notoria en los rangos medios, lo que hace que lo que quiera transmitir Weller a los escuchas tenga una definición absolutamente clara y preponderante en la mezcla, logrando así que cada nota que conforma cada acorde sea definida en un todo e individualmente. Así es como desfilan guitarras de cajas sólidas, de semi caja, y acústicas afianzando la filosa artillería del repertorio.

Muchas canciones podrían considerarse un ejemplo de lo que sonoramente define a Weller. Su energía es trasladada a las cuerdas tocando con púa, o bien mediante el sonido de sus dedos aplicando rasguidos crudos pero envueltos en la calidez que el contacto humano imprime a su Fender Telecaster 1958 usada con cuerdas calibre 0,10, lo que le permite una acción cómoda pero a la vez bien definida en medios, y sobre todo en graves.

Y si hablamos de la elección de los instrumentos usados por el artista, es necesario aclarar también que completan el perfecto combo de sonido, sus amplificadores Marshall y en ocasiones los amplificadores Orange, debiendo destacar el uso de su Marshall 1987XPW-660-80 Paul Weller Signature, ampli que fue diseñado especialmente por Jim Marshall para su marca. Básicamente se trata de un Amplificador de 50 vatios obviamente valvular con Parlantes Green Back de 12, y dos canales de salida, un Super Leed 1987 y otro Super Bass 1986 con un sencillo ecualizador de solo tres bandas, no hace falta más.

También cabe destacar que el repertorio de Weller no solo se recuesta en la potencia y facilidad de escucha de un rock and Soul poderoso y visceral, si no que también Weller logra en formatos acústicos traducir esa misma potencia y calidez en set intimistas donde plasma la categoría de su arte con la misma convicción y resolución artística, esgrimiendo su guitarra acústica Gibson B-45 1964 de doce cuerdas o acústicas de distintas marcas clásicas de 6 cuerdas, tanto como también ejecutando en piano pianos acústicos, y el siempre increíble e inmortal Organo Hammond. Con respecto a su historia musical, finales de los años 70’s y luego de incursionar en bandas de estilo aficionado, Weller junto a Bruce Foxton y Rick Buckler invaden la escena con The Jam, un combo increíble que entremezclaba la potencia de punk y el glam enérgico y popero del estilo New Wave enarbolando la bandera izada en los 60 por el movimiento social y cultural Mod.

The Jam afirmo con categoría y música su posicionamiento en los charts haciendo que su éxito comercial se fundamente en canciones provistas de todos lo detalles necesarios para que sean consideradas un material musical absolutamente rico y perfectamente fundamentado, tanto en lo técnico como en lo artístico, cautivando a públicos y crítica, las letras certeras y muchas veces irónicas jugaban un también un papel fundamental en la banda. En el año 1983 y por el lapso de 6 años surge The Style Council, banda absolutamente purista en su conformación, ejecución y audio, que transitaba una mezcla de estilos mas refinados y menos crudo que The Jam, en The Style Council se fusionaban el Soul el pop, y el R & B de una manera dinámica, exquisita y arrolladora.

Con una producción de un álbum por año promedio, The style desarrolla una carrera preponderante mayormente en Inglaterra, incursionando en sus letras con un sentido comprometido con la política y la critica social, y enfrentados en ideas al accionar de Margaret Thatcher. En el año 1989 su sello discográfico decide no editar su noveno álbum, lo cual hace decidir a lo mentores de la banda su disolución. Tras la disolución de The Style Council en 1989, los 15 álbumes solistas de Weller son la clara muestra indicatoria de por qué él, junto a un grupo selectos de artistas, se encarna como un ícono fundamental en la música y la cultura Británica.

Por último, asumimos que con la llegada del álbum Sonik Kicks, y luego de haber adorado su seguidilla de álbumes rockeros y souleros crudos, se sintió la ausencia de las baterías de acordes de sus guitarras tan admirables, la experimentación con sintetizadores y la incorporación preponderante de la electrónica hizo de este álbum, un disco que calificaría de necesariamente experimental para el mismo Weller en su carrera.

Invitamos a que exploren la discografía solista de este gran artista al que le dedicamos el Ultrabrit Radio de la semana que podés escuchar acá.

 

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Especiales

Los 19 años de Parachutes: el sufrimiento volcado en hits inoxidables

Se cumple un nuevo aniversario del primer disco de Coldplay.

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Aquello que comenzó en 1996 como un proyecto musical encarado por cuatro estudiantes terminó dando como resultado el nacimiento de una de las bandas más importantes de los últimos tiempos. Y es que Chris Martin, Jon Buckland, Guy Berryman y Will Champion demostraron un talento innegable que, definitivamente, estaba destinado a traspasar los muros de la Universidad de Londres.

Así fue que hace casi dos décadas irrumpía en la escena musical británica Coldplay, agrupación que en sus inicios se caracterizó por una fuerte presencia de letras introspectivas y de melodías calmas para luego ir soltando su personalidad, aunque siempre manteniendo intacta a la sensibilidad como bandera. Su álbum debut, Parachutes, condensa la mezcla justa de melancolía y delicadeza, y funciona como una excelente carta de presentación que le permitió obtener el primer lugar en The Official UK Charts Company, ser galardonada con el Grammy al mejor álbum de música alternativa en 2002 y lograr el puesto número doce en la lista de los veinte discos más vendidos del siglo XXI en el Reino Unido.

Sus cuatro cortes de difusión impactaron con tanto vigor en la audiencia que aún hoy son identificados como sinónimo indiscutible de Coldplay. “Shiver” fue el primer sencillo que se publicó cuatro meses antes del lanzamiento del disco y que la banda ya había tocado en vivo el año anterior. La conjunción de un sonido agradable y de unos lyrics que exponen las dolencias de un corazón roto, hizo que fuera elegido por los fanáticos argentinos para ser interpretado en noviembre de 2017 en el Estadio Único de La Plata.

Yellow”, lanzada pocos días antes de que el LP saliera a la venta, se ha ganado el título de himno. Catalogada como una de las canciones románticas más memorables del nuevo milenio, basta con que suenen sus primeros acordes para asociarlos inmediatamente con la imagen de Chris Martin caminando abrigado sobre la orilla de una playa en pleno amanecer. En los recitales, el público la corea de principio a fin mientras juega con las enormes pelotas amarillas que rebotan sobre el campo.

Trouble” le permitió a Coldplay hacer de la destreza de Chris frente al piano, su marca registrada. El predominio de este instrumento en el tema le otorga un tono depresivo que acompaña perfectamente los sentimientos de culpa y de perdón presentes en la letra. Y si bien “Don’t Panic” no había sido seleccionada como corte, en marzo del año siguiente se editó en algunos países europeos. Al ser el track número uno del disco, anticipa el marcado estilo de las diez canciones que componen el setlist.

Estos jóvenes, que en ese entonces apenas superaban los veinte años de edad, supieron plasmar en “Parachutes” una profundidad notable. Esto logró convertir al álbum en una verdadera joya, despertando grandes expectativas sobre la banda. La tapa del disco es ilustrada por un globo terráqueo de color ámbar, el cual se destaca sobre el fondo negro. Quizás como forma de invocar un deseo o como presagio de un futuro prometedor, esta fotografía sería signo de los millones de admiradores que conquistaría Coldplay alrededor del mundo.

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Discos

Los Discos ocultos de The Beatles

La banda que posiblemente haya sido la más escuchada de la historia (recordemos: “más populares que Jesús”), tiene toda una discografía fuera de los álbumes oficiales ignorada por gran parte de la población.

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Algunas de estas canciones fueron recogidas por los mismos Beatles en su box set Anthology (1995/1996), pero aun así hay abundante archivo que no se encuentra en esos tres volúmenes. Por eso, es atractivo sumergirse en esa biblioteca audiovisual y al alcance de la mano que es aún Youtube, para encontrar muchos de estos trabajos.

Meet The Quarrymen!

La historia de los proto Beatles fue contada infinidad de veces, pero pocos saben cómo sonaban cuando agarraban sus instrumentos. Aquí tenemos la posibilidad de ahondar en las canciones precursoras de unos muy jóvenes John, Paul y George; cuando aún se reconocían con el nombre de The Quarrymen. Primeras experiencias donde ya se vislumbraba el elemento característico de la coordinación de armonías vocales, más un puñado de covers e influencias de músicos como Buddy Holly o Eddie Cochran. También encontramos composiciones propias como One After 909 o I’ll Follow The Sun, que luego grabarían en discos oficiales. La joyita es In Spite Of All The Danger que, lamentablemente, no recuperaron en los álbumes de estudio que grabaron en los ‘60. Recomendación: Escuchar con auriculares.

Decca Audition, January 1 1962

En revista Ultrabrit número 5, de septiembre de 2013, un fan de los Beatles detalló: “Al escuchar la grabación completa, se puede entender por qué los Beatles fueron rebotados por Decca: en ella se sienten los nervios en la voz de Paul en forma clara; la ironía ácida de John; una débil respuesta vocal y, por momentos, también en la guitarra de George. Además de lo aburrido y monótono que era Pete Best en la batería.” Este es el disco del famoso rechazo de la Decca Records a los Beatles. Probablemente su mayor error fue la variopinta lista de temas que les eligió su representante Brian Epstein, que iban desde una canción de Chuck Berry como Memphis, Tennesse hasta el bolero Bésame Mucho, pasando por algo cuasi humorístico como The Sheik Of Araby. Los productores no pudieron captar qué estilo tocaban y pasaron de ellos argumentando el poco futuro que veían en los “grupos de guitarras”. En este video de Youtube están las 10 canciones que no aparecen en las cinco que sí están en el Anthology 1.

Rehearsals At The Cavern Club, September-October 1962

Siempre es interesante escuchar cómo ensayan (o ensayaban) las bandas porque suelen aparecer versiones diferentes o alteradas de canciones conocidas, pifies e incluso se pueden oír intimidades en diálogos y bromas. En esta ocasión podemos asistir al templo de los primeros Beatles y escucharlos tanteando melodías de un repertorio que probarían en esa época. Tiempos donde Ringo Starr recién había ingresado a la banda, muy próximos a la edición de su primer simple Love Me do/P.S. I Love You. Las rarezas del ensayo son dos versiones de Catswalk: instrumental compuesto por Paul McCartney que luego, en 1967, la banda de jazz The Chris Barber Band grabaría de forma oficial con el nombre cambiado a Cat Call.

The Acoustic Submarine

Si bien este es un bootleg de dos discos que editó la disquera Teddy Bear en 1995, aquí en Youtube solamente existe esta versión reducida que incluye algunas de las canciones de dicho bootleg, más otros demos, sesiones u outtakes que el usuario les sumó. Vale la mención de que esta es una recopilación no muy definida en cuanto a períodos, porque van desde cintas de tiempos de Rubber Soul (1965) hasta sus grabaciones finales. Hay destacados como la curiosa zapada de Lennon entonando la canción I Lost My Little Girl (que data de 1956 y es la primera composición de Paul McCartney), igualmente resalta la preciosamente acústica Goodbye de McCartney, el cover de Bob Dylan Mama You’ve Been On My Mind tocado por Harrison o una versión de Hey Jude con un Lennon jocoso que se divierte acompañando a Paul con entonaciones chistosas.

Let It Down

Registros de enero de 1969 de los ensayos para el proyecto Get Back, donde escuchamos el proceso de creación de muchos de los clásicos que luego conocimos en Abbey Road (1969) y Let It Be (1970). Asimismo, hay material que fue a parar a los futuros trabajos solistas. Ciertos tracks ya se conocían en otros bootlegs, pero aquí han tenido un tratamiento de audio de acuerdo con las posibilidades técnicas actuales para que se oigan con mejor calidad.

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