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Richard Coleman antes del Personal Fest: “…me halaga, me hace bien participar”

Luego de su primera gira mexicana y de ser nominado a dos Grammys Latinos Richard Coleman se presentará en el Personal Fest. Su banda suena cada vez más ajustada y F.A.C.I.L., su última producción, trajo una paleta de colores renovada a su repertorio.

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Foto: Christian Pettinicchio

Antes que nada, ¿cómo estuvo el viaje con UltraBrit a Londres, Liverpool y Manchester?

Richard Coleman: Estuvo espectacular, divino. Fue una súper experiencia. La verdad es que la pasé bárbaro, me encantó el grupo humano, visitamos lugares increíbles de una manera que yo no estaba acostumbrado… pero lo más lindo fue la gente, el grupo que se armó fue increíble. Personas que a todos nos gusta la música desde diferentes lugares, desde el melómano hasta el músico, todos juntos visitando sitios icónicos. Fue muy lindo, un muy buen viaje y la verdad es que lo recomiendo.

Hablando de viajar, venís de México. Hiciste una gira, tocó también Audia Valdéz.

R.C.: Sí, sí, tocamos con Audia, bárbaro. Hice una gira de 15 días, fueron 7 shows. Una cosa maratónica, genial. La primera vez que voy con mi material propio a México. Me encontré con un público muy lindo, de mucha calidad y calidez. Y ya estoy planeando la vuelta para el año que viene, para que esto tenga cierta continuidad.

¿Cómo estás con las nominaciones para los Grammys Latinos? Mejor Disco: F.A.C.I.L.  y Mejor Canción de Rock: Días Futuros. ¿Cómo te tiene eso?

R.C.: No te puedo decir que me tiene sin cuidado porque sería faltarle el respeto a un montón de gente (risas). Estoy pensando en otras cosas, pero estoy muy contento igual por esto, porque  la nominación en sí misma es como un premio para toda la gente que laburó en el proyecto. La nominación es al álbum y a la canción, no es al artista. Para llegar a hacer el álbum hay involucrado un equipo de trabajo. Se va armando a partir de la gente que se suma cuando entiende y se pone la camiseta del proyecto que yo propongo. Entonces está buenísimo, es para compartirlo con ellos, viste? Con el productor, con los músicos, la gente de ingeniería de grabación, los del arte de tapa, la producción formal y ejecutiva del disco. Toda la gente que creyó que lo que estaba haciendo estaba bueno.

Se puso más funky la cosa en este disco, ¿no?

R.C.: (Dudando) Sí… más que funk es un funk falso no? (risas). Porque no es un funk muy negro, muy real. Tiene más que ver con el post punk, con lo que influyó para mí desde Talking Heads hasta Gang of Four, viene más por ese lado. Que ellos querían hacer algo como James Brown pero no les salía (risas). Entonces la influencia se va pasando y a nadie le sale como al original y eso está bueno. Para eso son las influencias. Era un poco un camino que a mí me pegó muy fuerte en cierta etapa de mi carrera y que lo dejé para dedicarme a otra cosa y me pareció que estaba bueno retomarlo, a ver qué podía pasar después de tanto tiempo. De hacer un rock, un poco, con otro tipo de color. Y la verdad es que me siento muy bien porque lo necesitaba. Era lo que necesitaba mi música y lo que necesitaba tocar con mi banda. Así que estamos bien, no sabemos qué será lo próximo. Por ahora estoy bien con esto.

Ya te disfrutamos con tu banda en el Personal Fest 2016 y ahora volvés a subirte a ese escenario. Vos hacés recitales acústicos solo. También los eléctricos con la banda. En el caso de un festival, ¿cuál es la diferencia? ¿Cómo lo vivís vos?

R.C.: Cada propuesta es diferente, siempre hay un desafío. Sea con mi banda en un teatro, o toque como solista con la acústica o en un festival, yo siempre trato de estar a la altura de las circunstancias. Trato de no forzar nada. Y el festival se trata de llamar la atención, de que la gente te perciba. Yo voy a ir para formar parte del contexto y para acompañar al gran bombardeo de multimedia (se tienta) que recibe la juventud hoy en día. Así que me halaga, me hace bien participar. Me preparo con un show corto, conciso, fuerte y con el nuevo sonido de mi banda que tiene más que ver con F.A.C.I.L.

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Ian Curtis: suicidio y salud mental

En un nuevo aniversario de su muerte, sus ex compañeros de Joy Division subrayaron la importancia de la empatía social y la necesidad de hablar a tiempo sobre los padecimientos.

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Hoy se cumplen 39 años desde el suicidio de Ian Curtis, un artista completo que lideró el grupo Joy Division durante la segunda mitad de los 70’s. Curtis había nacido en Stretford, una localidad de Manchester, y era un gran poeta y compositor. Solía leer y admiraba a Franz Kakfa, William Borrough y Jean Paul Sartre, así como a David Bowie y Lou Reed.

En mayo de 1980 decidió terminar con su vida después de sufrir durante años crisis de ansiedad y depresión, y luchar contra la epilepsia, y el consumo de calmantes y cocaína. Cuatro décadas después sus ex compañeros de banda, Stephen Morris y Peter Hook, hablaron sobre la importancia de la salud mental en una entrevista con la revista NME.

Los músicos hicieron hincapié en hablar de los padecimientos lo antes posible y alentaron a las personas a no avergonzarse por ellos. Por su parte el bajista Hook expresó que en la actualidad las personas son más empáticas y abiertas a la educación.

 “Las actitudes hacia la salud mental definitivamente han mejorado con el tiempo en el sentido de que es algo de lo que puede hablar ahora y la gente lo entiende – dijo Morris – pero en ese momento la gente no entendía la epilepsia, pensaban que era algo que se podía contagiar y había un poco de estigma al respecto, por lo que realmente no sabíamos qué hacer”.

 “Lo más difícil del mundo es saber por lo que está pasando la gente. Es muy difícil que alguien entienda por lo que pasó Ian si no han pasado por lo mismo, pero la idea de alentar a las personas a hablar lo antes posible y no sentirse avergonzadas es el mensaje más importante”, concluyó.

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10 años de Concepto Cero: un modelo asociativo que potencia la música

El sello que sostiene una visión colaborativa del sector festejó su primera década y hablamos con el directo Nicolas Madoery sobre la actualidad y desafíos de la industria musical.

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Desde mediados de la década del 90 hasta la actualidad la incorporación de las TIC en el ámbito digital ha generado a nivel mundial un fuerte impacto en la industria discográfica que abarca todas las etapas del proceso productivo a partir de la incorporación de nuevas formas de producción de contenido artístico, cambios en los formatos de distribución, y una gran diversificación en los consumos culturales. Hoy en día si bien las plataformas digitales pueden predecir gustos y de alguna manera condicionar  la experiencia, la música sigue siendo una forma de comunicación que se sostiene sobre los procesos de socialización y el vínculo con un otro.

En este marco nació hace exactamente 10 años en la ciudad de La Plata el sello discográfico Concepto Cero, una plataforma de desarrollo de artistas y contenidos para la industria, que acorde a las exigencias actuales propone “una nueva manera de vincularse y de hacer las cosas en la industria musical”. El proyecto dirigido por Nicolás Madoery y co-dirigido por  Ángel Del Re es parte de la empresa de música 432 Hertzios, y no se limita a pensar en la mera edición de discos o la producción de shows, sino que “plantea una estructura orgánica, flexible y diversificada, con nuevas líneas de negocios que atañen a la sincronización, el branding y el desarrollo multimedia”.

432 se divide en tres parte: una primera que tiene que ver con el desarrollo integral de proyectos, donde se realizan asesorías. Nicolás lo define como una suerte de “terapia artística” donde el artista plantea un problema o situación a resolver y se arma un plan; por otro lado un área directamente ligada a la producción de contenidos, y ahí entra a jugar Concepto Cero; y existe un tercer sector que se dedica a crear procesos de profesionalización de la industria.

“Hablar de sello discográfico hoy es como hablar de un modelo de Industria anterior, entonces es medio arbitraria la definición – cuenta Nicolás desde la oficina que tiene el sello en el barrio de Villa Crespo – nuestra visión particular tiene que ver con el armado de estrategias, pero sobre todo porque no somos un sello que los artistas buscan para hacer sus CD’s. Lejos de eso lo que buscamos es generar vínculos orgánicos que a nosotros nos sirvan y nos potencien, que sean sanos para desarrollar los proyectos juntos”.

A partir de una mirada colaborativa, eligen trabajar con proyectos que representen valores estéticos, políticos y culturales afines: nuevo sonido latinoamericano con una impronta local alejada de ritualismos, poses y estereotipos”. El director confiesa que en general los artistas no los buscan sino que los contactos se generan de forma orgánica: son proyectos en los que se viene dando una sinergia por algún motivo particular, porque nos juntamos y nos damos cuenta que hacemos como match, y se piensa hacia dónde ir”.

Algunos de los artistas de su catálogo son Shaman y Los Pilares de la Creación, Faauna, Sr Tomate, El Perrodiablo, Excursiones Polares, Damián Anache, Diego Martez, Soft Tot, Lucy Patané & Marina FagesSol del Rio,  Pommez Internacional,  Märiana Paraway, y la reciente incorporación de Proyecto Gomez Casa . Además el sello está trabajando en el booking de las artistas chilenas Camila Moreno y Francisca Valenzuela, y en la distribución digital de la obra de Juana Molina. 

“Cuando empezamos un trabajo partimos siempre de la misma pregunta: cómo hacemos desde las herramientas que tenemos para que la música llegue lo más lejos posible – explica Nicolás- Lo más importante de nuestro aporte es que es súper personalizado y hace que se vea la diferencia. Lo interesante de este momento es que uno como artista puede hacerse cargo de la mayoría de las acciones, entonces nosotros tenemos que aportar un valor agregado. Todas las herramientas están a disposición, lo que ofrecemos  y los músicos eligen es una visión, una estética, un modelo asociativo que nos potencia”.

Básicamente se trabaja desde el armado de la estrategia de comunicación digital para potenciar los contenidos y generar un sustento o una lógica que le sirva a los intérpretes para fortalecer lo que ellos ya tienen. No hay magia ni fórmulas inalcanzables. “Tiene que que ver con cómo nosotros pensamos la música, y con que queremos trabajar con un sector de la música que nos cope, y no es el sector que puede llegar a cagar a otro músico o sacar ventaja”.

Desde el proyecto identifican que el mayor problema de la industria es la falta de profesionalización y hacen un diagnóstico particular de la situación de Argentina a partir de la preponderancia que se le dio históricamente a la pata analógica que ha sido muchas veces una barrera. “En cambio Chile, México, o Colombia, que no tenían una industria discográfica tan desarrollada entendieron mucho antes el valor de lo digital como herramienta y eso los hizo crecer mucho”.

A la pregunta sobre la posibilidad de crecimiento de un proyecto cultural, y usando la experiencia del sello en esta década como referencia, Nicolás reflexiona que el gran debate es cómo lograr la independencia y crecer: “el éxito hoy es la supervivencia”.  “Acá en Buenos Aires, pese a todo lo que pasa con el contexto socio económico, estamos inmersos en una escena que puede bajar, pero nunca deja de moverse. En general no es lo que pasa en todo del país. Por eso la búsqueda que nosotros hacemos es hacia afuera. Desde acá bancamos y apoyamos todo lo que se pueda sin dejar de hacer cosas. Lo que nos sostiene es buscar la reconfiguración de nuestro proyecto para seguir trabajando y impulsar lo que creemos que esta bueno”, sostiene.

En Concepto Cero se proponen: “encontrar el equilibrio entre el trabajo, los valores, las cosas que queremos y con quiénes trabajamos”. En ese sentido además del trabajo programático proponen cruces artísticos y experiencias colaborativas con artistas y productores de Latinoamérica, y participan en la elaboración de informes sobre la situación de la música independiente. “La música no puede estar aislada de lo que pasa. Desde el sello tenemos que decir qué entendemos y qu;e esta pasando desde nuestro lugar en la música”.  Con una mirada estratégica y de trabajo a largo plazo forman parte de A.S.I.A.R (la asociación de sellos independientes de argentina), y desde 2018 con 432 Hertzios trabajan de forma mancomunada con Bristish Council a través del Selector PRO, programa de formación para la profesionalización de la industria de la música independiente.

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Las aventuras de “The Otherness”, de la Patagonia a la escena del rock en UK

“La idea de una banda de la Patagonia que la pegue afuera es rupturista, es hasta arriesgado”, dice el cuarteto que apuesta al rock de guitarras y en los próximos días dará más de 20 conciertos en todo UK y otras ciudades europeas.

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Con una agenda de contactos llena de Alex, Johns y Pauls y en medio del vértigo de una gira que incluye shows en UK, Alemania, Dinamarca y Holanda, los chicos de “The Otherness” nunca pierden de vista la calidad de su arte, la densidad de sus composiciones y la planificación de su carrera, que empezó hace una década en la Patagonia y parece no tener techo.

A principios de abril lanzaron “Gotta Go”, single que da nombre al tour 2019, que contó con la producción de Gaspar Benegas, guitarrista de “Los fundamentalistas del aire acondicionado”, en MLC Studios. “Fue una experiencia increíble porque él es de la Patagonia como nosotros – cuenta Martín, vocalista de la banda- a nivel artístico no contribuyó mucho porque los arreglos ya estaban hechos y las canciones armadas. Pero nos ayudó con el sonido que necesitábamos para replicar el vivo en el estudio y reproducir la potencia que tiene la banda”.

“Ningún humano es ilegal, ya tuvimos suficiente. La migración es parte de la naturaleza de la vida, tanto como respirar, un poco menos que comer y sobretodo soñar”, dice el documento de presentación del cuarteto, formado por Martín Cativa en guitarra y voz, Gonzalo Cativa en voz y bajo, Pablo Gaggioni en batería, y Andrés Pugliese, en lead guitar, que hace de su Otredad un sello. Su origen patagónico despierta reacciones sorpresivas que generalmente terminan en la señalización de Chubut en el Google maps. “Justamente nuestro nombre refiere a eso: no tenemos otro punto de referencia identitaria que lo que se desprende de nosotros y nuestra música”, define.

A mitad del tour que iniciaron por el viejo continente lanzarán un segundo corte que se llama “Few for the Stew”. “Todavía estamos en una etapa inicial en cierto modo porque tenemos solo un álbum grabado y estos singles, y creemos que tenemos que explotar el formato rock de guitarras y más adelante cuando podamos trabajar mejor en el estudio sí ampliar con otras cosas”, advierte Martín. Como banda saben que su fuerte es el vivo: “La clave es la buena recepción del público y los promotores. En todos los shows donde tocamos nos volvieron a ofrecer fechas. Eso nos da la posibilidad de construir sobre una base”, explica.

Sus fechas en UK están producidas por This Feeling, compañía apadrinada por Noel Gallagher. Los de Comodoro Rivadavia relatan que llegaron a la agencia a través de una nota. Damian Jones, un periodista inglés que los vio varias veces en vivo en la gira 2013 y terminó siendo amigo, hizo una review sobre su música que los convirtió en la primera banda argentina en la famosa revista New Musical Express. “Contado así parece muy fácil pero si a ellos no les gusta la banda no te dan bola. Los ingleses son muy competitivos con la música. Damian vino a entrevistarnos al hostel donde parábamos, y eso nos ayudó con This Feeling que es una compañía a la que todas las bandas nuevas aspiran a llegar”, detalla Martín. Además, según Gonzalo, “tienen organizada una red enorme de ‘venues’ en todo UK para favorecer a las bandas. Tienen la logística y el concepto”.

Manchester, Londres, Glasgow, Ámsterdam y Copenhague son algunas de las ciudades que visitarán en las próximas semanas para hacer más de 25 conciertos y hasta compartirán una fecha con los Auténticos Decadentes. “Inglaterra es diferente al resto de los lugares porque mete mucha más presión. Tienen un criterio y un sentido de la industria diferente que trasciende el entretenimiento. Los promotores van a los shows pensando en descubrir una banda. Alemania por ejemplo es otra cosa: la gente busca ponerse en pedo, escuchar rock ‘n’ roll y pasarla bien”, explica Gonzalo.

Si bien reconocen que nunca se propusieron llegar a las grandes ligas, asumen que a partir de conocer el valor de su música ambicionaron con el mercado británico. “Nunca nos lo propusimos. Cuando empezamos a componer canciones, nos dábamos cuenta que estaban buenas. La idea de una banda de la Patagonia que la pegue afuera es rupturista, es hasta arriesgado”, reconoce Martín. “Estamos medio locos. Nos preguntamos qué pasa si al final del día te sale bien”, acota Pablo.

“Vamos progresando lentamente gira tras gira. El primer año fue solo Londres y conocer gente, promotores, conseguir los shows exclusivamente nosotros yendo a tocar las puertas”, relata el frontman. En esa oportunidad conocieron a John Robb un periodista de Manchester, conocido por ser el descubridor Nirvana, quien se sensibilizó con la historia de los chicos patagónicos que caminan las frías calles de la capital inglesa buscando shows y los escuchó. “Le gustó mucho nuestra música y empezó a escribir sobre la banda. Ahí se abrió el juego a Manchester, Sheffield y Liverpool para la segunda gira, que fue cuando sonamos en la BBC Radio 6 Music”.

Como gran parte de los jóvenes del interior, los chicos viven hace tiempo en Buenos Aires ciudad que eligieron para estudiar y trabajar. Sin embargo The Otherness casi no tiene actividad en el circuito metropolitano, donde suelen tocar una o dos veces por mes. “En Argentina es muy jodido ser artista, porque además de tocar tenes que ocuparte de un montón de otras cosas que te quitan tiempo y recursos. Nosotros hacemos todo: booking, logística de prensa, diseño”, explica Martín.

Además de la situación económica, problema que identifican como uno de los mayores inconvenientes para los trabajadores del arte y la cultura, sostienen: “hace años que sentimos que en CABA no hay actividad constante de música en vivo”. Gonzalo cuenta que muchas veces “los espacios o clubes te piden mucho dinero para tocar o que les garantices llenar el local y es ahí donde se pervierte la generación de un movimiento fuerte, porque todas las bandas empiezan menos diez”. Y Pablo agrega que en el circuito hace falta mayor “colaboración entre los artistas, la gente y el periodismo” para mejorar la escena.

“Argentina es muy grande a nivel territorial y hay buenas bandas en todos lados, pero vos necesitas gente que este en el medio del ambiente y tenga visión para desarrollar buenos talentos. Acá esta instalada la mala costumbre de que una banda tenga que estar diez años remándola sola para que después pase algo – cuestiona Martin – Igual también muchas veces falta compromiso o profesionalismo para hacer las cosas bien en todas las partes del mercado, los organizadores y los músicos, nosotros también nos hacemos cargo de eso”.

Para su vuelta de la gira “Gotta Go” ya tienen grandes planes: empezarán a apuntar al mercado de EUA y Asia. “Es difícil porque va a ser el primer acercamiento pero ya hemos cosechado suficiente prensa inglesa buena como para que nos escuchen y ver qué pasa”.

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