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Oasis de película: Supersonic o cómo ser una estrella de rock

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¿Me estás preguntando si soy feliz? Tengo 87 millones de euros en el banco, tengo un Rolls Royce, tengo tres acosadores, soy parte de la banda más grande del mundo y estoy por tener un palco en el Manchester City. ¿Que si soy feliz con eso? No, no lo soy ¡Quiero más!”.
Noel Gallagher, 1996.

Desde los ensayos en el sótano de The Broadwalk hasta “el concierto de la década” en Knebworth ante medio millón de personas; desde la desolación signada por la crisis familiar hasta el control del puto mundo; desde la fragilidad de un vínculo casi telepático entre dos hermanos hasta los escándalos sin retorno. El documental de Oasis, producido por los propios Liam y Noel Gallagher y dirigido por Mat Withecross, un director que ya nos ha mostrado su afición por el mundo biográfico del rock en su filme Sex & drugs & rock & roll basado en la vida y obra de Ian Dury, cuenta la historia de lo increíble: dos jóvenes de extracción obrera (working class) fanáticos de los Beatles que deciden formar una banda para hacer algo con sus vidas, y la convierten en uno de los mayores fenómenos musicales que han tocado suelo terrestre en tan sólo… ¡tres años! Pero la cosa se pone interesante cuando Supersonic se plantea ante los ojos del espectador como una auténtica lección sobre convertirse en estrellas de rock, tanto arriba del escenario como abajo, legitimándose con un puñado de grandes canciones y un estilo único.

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El contexto

Situémonos en los tempranos y convulsionados años 90’s en el Reino Unido. Por un lado, tenemos el fenómeno de las raves y la irrupción de la música electrónica en la juventud que, por aquellos tiempos, ya se encontraba en una etapa mas profesionalizada y audible gracias al mérito de los hijos de Brian Eno y David Bowie quienes, poco a poco, comenzaron a copar los clubes nocturnos de los centros urbanos, atrayendo a miles de personas por la uniformidad de las cortinas sonoras que ofrecían los nuevos protagonistas. A cambio de unos pocos pesos, uno podía experimentar esa energía liberadora, desprendida de una nueva estructura musical y la extensa duración de los “tracks”, que inducía a los escuchas en un estado de éxtasis profundo.

Por el otro lado, tenemos esa suerte de revival de la British Invasion que volvía a inundar a la industria, desde la aparición del movimiento Madchester a mediados de los 80’s, con la simbología de la cultura británica como la Union Jack (algo que se convertiría en el sello visual más significativo de los hermanos Gallagher). Se trata de una época en la que el mito adolescente y la rebelión urbana aún tenía vigencia. La gente se preocupaba por saber lo que estaba sucediendo allá afuera. Esta suerte de bisagra entre dos movimientos antagónicos fue la que pavimentó el terreno para dar lugar al surgimiento de Oasis.

Early years: Broadwalk, el barrio y los sueños

Si bien la situación de la mayoría de las bandas emergentes de Manchester por aquel entonces era poco más que deplorable, había un margen de maniobra para cortar unos cuantos tickets y poder financiar, aunque sea, un chute. Dicho margen estaba aceitado por una serie de clubes y grupos que se encargaban de brindarle vitalidad a la escena. El mítico Broadwalk fue el lugar primordial donde se caldearon los inicios de la locura, ya que fue en su sótano donde tuvieron lugar los primeros ensayos de la banda.

En este punto los caminos de los hermanos Gallagher aún eran distantes, pero cada uno de ellos iba a lograr, a su manera y en espacios físicos diferentes, generar el capital necesario para comprender el mapeo que los llevaría al éxito. Liam lo haría desde el barrio, la ropa, el enojo, la catarsis, el desencanto, las borracheras y el fútbol: “toda mi vida por aquel entonces era firmar el paro, sacar el dinero, cobrar mi desempleo, ir a ‘Sifters’, agarrar un disco, comprar algo de hierba, ir a ‘Greggs’, volver a casa y pasar el día de aquí para allá. Estaba obsesionado con estar en un banda. Jodidamente obsesionado”. Noel, por su parte, estaba algo más familiarizado con los escenarios desde el backstage de los Inspiral Carpets, donde se desempeñaba como un simple técnico de baterías con una gran fuerza creativa, todavía por descubrir: “formaba parte del equipo de ayudantes (…), esperando que me echasen porque mentí descaradamente haciéndoles creer que sabía algo. Miraba a esos tipos tocando y pensaba que algún sería yo el que ocupe ese lugar”.

Estas declaraciones nos dan a entender que desde el primer día compartieron el hambre de gloria, la esperanza y los sueños. Además, podemos dilucidar algo que muchos critican (en su justo juicio) de la banda hasta el día de hoy: la arrogancia. Lo cierto es que nunca tuvo tanto sentido el despliegue de tal comportamiento. Vamos, innovaron cuando todos creían que era imposible y llegaron a la mismísima cima a fuerza de talento, proyectados desde los suburbios industriales, con los bolsillos vacíos y algunas canciones bajo el brazo. ¿Quién no se comportaría igual? 

Serás una estrella de rock o no serás nada

En el año 1973, durante la producción de Live in Pompeii de Pink Floyd, el cerebro de la banda Roger Waters, ante la señal de alarma que muestra el entrevistador por el supuesto abuso de las máquinas, responde: “no me parece mal que los artistas aprovechen los recursos que tienen a disposición. Lo importante es cómo los usan, que las máquinas no se apropien de su obra, sino que sea él quien tenga el control. Podrás tener una Gibson Les Paul, pero eso no te convertirá en Eric Clapton”. Esta interpretación es muy bien entendida por los hermanos Gallagher, quienes se dieron cuenta que tenían todo para convertirse en estrellas de rock de la noche a la mañana. Podrás tener las gafas de John Lennon, pero eso no te hará John Lennon.

“Nuestro niño” (como lo llamaban cariñosamente al menor de los dos) contaba con buena pose, presencia, actitud y una naturaleza insólita para comportarse como un verdadero hijo de su madre. Lo diferenciaba de otros frontman de la época lo innato, todo aquello que no se puede comprar o aprender en una academia asistiendo a clases dos veces por semana. Simplemente lo llevaba en la sangre. En cuanto al mayor, no hay mucho qué decir, más que resaltar su facilidad para ser una autentica fábrica de hits, sin tener en cuenta que era el único capaz de disciplinar a su impulsivo hermano. Una vez unificadas sus aspiraciones y moderados los egos, el resultado posible era uno solo: personalidad. Algo muy importante para aquel entonces, tanto así que es de los pocos factores que extienden su relevancia hasta la actualidad.

La combinación de estos elementos, reforzados con un peculiar manejo de la discursividad ante la prensa, el entendimiento de ese negocio llamado Rock & roll y un equipo de trabajo eficiente los llevaría derecho a la cima. Serían auténticas estrellas de rock, algo que hoy en día nos resulta distante, ridículo y hasta imposible. No es tan complicado, dejemos los eufemismos de lado y vayamos a lo que importa: drogas, chicas y fútbol.

El rol de la prensa

Hacia 1993 no había ni un párrafo escrito de Oasis, tres años después ocuparían la portada de todos los suplementos, siendo motivo de controversia en más de una ocasión, ya sea por aquella vez que fueron deportados de Holanda debido a una riña con hinchas del West Ham o por afirmar que consumir drogas era como levantarse y servirse una taza de té en la mañana. La obsesión que adquirieron los hermanos Gallagher por parte de la prensa rosa resultó ser la mejor publicidad, al punto mismo que ésta se arrodillo al catalogarlos como la banda de rock más grande desde los Beatles: “no vamos a negar nada que se haya escrito sobre nosotros. ¿Por qué deberíamos hacerlo? Ellos quieren escribir, perfecto. Somos felices con eso. Nuestra música va a resistir el paso del tiempo. Eso es un hecho. Todo esto de la prensa y todo eso de que nosotros somos tal y cuál se olvidará en unos años. El mundo se habrá olvidado de ello. Los discos que hacemos estarán en las tiendas siempre”. Y aquí estamos, 20 años después, hablando de lo mismo.

OASIS – SUPERSONIC || TRAILER 2016

Especiales

Ese lugar con parlantes llamado “Ahí Vamos”

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Cuando Gustavo Cerati pronunció aquel inmortal “Gracias totales” el 20 de septiembre de 1997, abría instantáneamente una bisagra en su carrera artística. Decidido a dejar atrás todo el peso que significaba haber liderado Soda Stereo, su prioridad fue explorar nuevos senderos musicales. Sus primeros trabajos en solitario- empapados de psicodelia, experimentación y sonidos electrónicos- generaron controversias en la crítica y despertaron una mezcla de desconcierto y sorpresa en sus fanáticos, quienes tuvieron que aprender a encontrarse con Cerati de un modo diferente.

El 4 de abril de 2006 salía a la venta “Ahí Vamos” y con ello se marcaría un nuevo antes y después pero ahora dentro de su repertorio como solista. La figura dibujada de Gustavo, en medio de una espiral en blanco y negro que ilustra el arte de tapa, hace foco en la guitarra eléctrica que tiene colgada: la luz que emana desde su interior anticipaba el ADN rockero del flamante disco. La formación de la banda, que contaba entre sus filas con Richard Coleman en la guitarra, Fernando Samalea en la batería -ambos compañeros de Cerati en Fricción- y Tweety González, tecladista de Soda Stereo y ahora coproductor del CD, había sido pensada estratégicamente por Gustavo en consonancia con el reto que tenía por delante.

Crimen fue la carta de presentación con la cual “Ahí Vamos” impactó tanto en la audiencia como en la prensa de manera inmejorable. El combo de balada romántica pop y video clip inspirado en el cine negro americano de los años 40 resultó infalible y el sencillo no tardó en alcanzar el puesto número 1 de los principales rankings latinoamericanos. Esto resulta paradójico ya que Gustavo no tenía intención de incluirlo en el setlist debido a la disonancia de los acordes de piano iniciales con el sonido power del álbum, pero Tweety percibió el hit en potencia y lo convenció de transformarlo en la puerta de entrada a su nuevo material.

La Excepción refleja su esencia en la frase que desafía a romper, al menos de forma momentánea, con el ideal rockero que asegura: “y que durar sea mejor que arder.” Pero, además, condensa en sus 4.11 minutos todo el concepto del disco. Junto a unas guitarras distorsionadas y a una batería estridente, Gustavo explicita el pedido de ir a un lugar con parlantes en el que la sonoridad tenga el poder de hacernos volar por el aire. ¿Dónde se encuentra ese sitio? Desparramado a lo largo de sus catorce canciones.

Adiós se convirtió, rápidamente, en otro de los himnos de “Ahí Vamos” en el que Gustavo complementa la carga sentimental de la letra -en cuya composición participó su hijo Benito- con un atractivo video. En el mismo, el músico encarna a una suerte de narrador que cuenta la historia de un amor adolescente que no prosperó. Las líneas finales del tema se instalaron en el imaginario colectivo, erigiéndose como bandera de superación.

Aunque intentaba escapar a los favoritismos, Gustavo confesó que Lago en el Cielo era su corte predilecto de la nueva placa. Por esta razón, decidió que su fuerza sonora y su lírica enfocada en el alcance de la plenitud emocional debían plasmarse en un formato de clip poco convencional. Desde la página web del músico, se lanzó una convocatoria que invitaba a crear un video representativo de alguna parte de la canción que competiría para ser incluido en la producción final. Treinta y cuatro personas resultaron ganadoras del concurso gracias al cual dejaron su huella en este collage dirigido por Andy Fogwill.

Me quedo aquí conjuga las dos pasiones de Gustavo: la música y la tecnología. El track número 6 del LP nació como fruto del sampleo de varias canciones ya que Cerati se encontraba en un hotel sin su guitarra a cuestas y esa fue la alternativa que encontró para avanzar en la composición. Más tarde, en su estudio, volvería a tocar la melodía para terminar de pulir esta gema. Un sillón, un tapiz, una planta, dos parlantes, y su viola fueron suficientes para rodar el video en un plano secuencia que luego sería intervenido con animaciones digitales. La idea surgió en el set de filmación de Lago en el Cielo por parte de su estilista y amigo, Oscar Fernández Roho. En el primer intento se llegó al resultado esperado, convirtiéndose en uno de los clips preferidos de Gustavo.

Pese al largo camino transitado, la carrera solista de Cerati se consolidó de la mano de este trabajo que, aunque fue producto de un deseo personal por retornar al lugar del que nunca se fue, logró fascinar a sus seguidores y conquistar un nuevo público. La inmediata difusión en la radio y en la televisión demostraron que estaba en lo cierto con sus ganas de volver a descoser las cuerdas y de escribir letras más concisas. Pero la mayor expectativa de Gustavo estaba puesta en el inicio de la gira, ya que sentía que se trataba de un disco hecho para ser tocado en vivo. El pico máximo lo vivió al presentarse, por primera vez, en Londres.

El éxito masivo del álbum se vio reflejado, también, en los múltiples galardones que obtuvo. Entre ellos se cuentan cuatro Premios Grammy Latinos, cinco MTV Video Music Awards Latinoamérica, siete Premios Gardel y dos Rock & Pop Awards. Además, recibió la distinción de Disco de Platino en Argentina y Disco de Oro en México y Chile.

Esa espiral presente en el booklet y en el diseño sobre la superficie del CD, funciona como metáfora de lo que vendría después. El pulso rocker de este material preparó el terreno para que Gustavo arribara potenciado a la próxima estación, aquella en donde todo comenzó. La vuelta de Soda Stereo era una posibilidad cada vez más certera y no tardaría en confirmarse en junio de 2007. “Vamos despacio para encontrarnos” cantaba en Lago en el Cielo como si supiera que había llegado el momento de converger con la muchedumbre, respaldado por una identidad afianzada tanto dentro como fuera del trío que lo vio crecer. “¡Ahí vamos!” se lo escucha pronunciar firme mientras, al menguar el sonido de la última canción, enciende su motor imparable.

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Especiales

Ocho artistas mujeres de las que deberías estar al tanto

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1. Weyes Blood

Para algunos desprevenidos tal vez fue una sorpresa cuando cantidad de sitios especializados nombraron a Titanic Rising (2019) como uno de los mejores discos del año. Pues Natalie Mering, mejor conocida como Weyes Blood, viene pisando fuerte hace rato, a pesar de sus jóvenes 31 años.
En 2016 lanzó Front Row Seat to Earth, donde mostró una performance vocal y compositiva muy reveladora. El álbum la posicionó como una de las artistas más prometedoras de su generación.

Todas aquellas promesas se materializaron en Titanic Rising, un proyecto ambicioso y sólido. La artista sedimentó temas como la adolescencia, el amor, el cambio y la muerte en una manera original y novedosa, evocando algunas influencias setentosas como la gran Joni Mitchell.

2. Britanny Howard

Para hablar de Brittany Howard necesariamente tenemos que mencionar a Alabama Shakes, la banda que la metió en el mainstream internacional. Con dos discos editados en 2012 y 2015, Howard y compañía lograron un sonido de blues más que fresco. “Don’t wanna fight” su corte del disco Sound & Color (2015) recorrió el mundo y acá en Argentina la pudimos ver en la tercera edición del Lollapalooza (ya había venido al Pepsi Music 2013).

La mención a su banda anterior no es por mera introducción a su obra sino una herramienta para comprender el volantazo que dio el año pasado. Howard decidió armar su proyecto solista y lanzó Jaime (2019) una obra que combina sonidos de sus raíces: Nina Simone, Prince y Janelle Monae son algunas referencias casi obvias. Con un sonido de guitarras protagonista, logra explorar el soul, R&B y el pop sin sobrevolarlos, sino más bien sumergiéndose con ímpetu en cada uno de ellos.

3. U.S. Girls

A pesar de su nombre plural, U.S. Girls es el proyecto solista de Meghan Remy, que en 13 años de carrera ha sacado siete discos de larga duración.  Radicada en Canadá, la estadounidense logró transicionar con notable agudeza de un sonido noise oscuro a otro más popero y limpio. Lo curioso es lo constante que fue Remy para mantener el contenido radicalmente político de sus letras aún en obras que, a priori, son totalmente disímiles.

En 2018 cuando creó un nuevo mundo con In a Poem Unlimited, donde lo primero que sorprendió fue su capacidad de contar historias crudas sobre un sonido artpop. En una entrevista confesó cómo fue que escuchando a Dua Lipa, se decidió por imitar su sonido de alta fidelidad manteniendo su narrativa feminista y antisistema.

4-Marika Hackman

Otra revelación del 2019: si bien sabíamos que la inglesa de 28 años se proyectaba como una artista folk bien encaminada, fue el año pasado (o al menos ahí fue cuando nos dimos cuenta) que decidió encarar un proyecto más ambicioso y menos naive.

En Any Human Friend (2019) abordó cuestiones millennials y las puso sobre un tracklist melancólico y erótico. Es un disco que está inevitablemente atravesado por la cuestión de género y las incipientes expresiones por las libertades sexuales

5- Zoe Gotusso

Zoe Gotusso es formalmente la mitad del dúo recientemente separado Salvapantallas. Si bien la matemática no miente, la afirmación se queda corta para describir a la estrella pop cordobesa. Porque, entre otros, fue ella quien empezó a mostrarle al país que con unos millones de reproducciones bajo el brazo se puede hacer un disco, tocar en un festival y llenar una sala.

Su voz viajó por todos los algoritmos de YouTube y, alejada ya de los covers, lanzó SMS (2018), su primer  y único LP con Salvapantallas. Se convirtió en un disco clave para entender a la nueva generación: liberado de géneros, de amores e hiperconectividad. El 2019 la encontró lanzando tres singles, que grabó a modo de capricho: Monoambiente en Capital, Una Bossa + Calefón. De cualquier modo, no busca ser sólo una virtuosa voz en internet, sino una artista consagrada.

6- Amor Elefante

Amor Elefante es el proyecto liderado por Rocío Fernández, Rocío Bernardiner e Inés Copertino. Oriundas de la zona sur de la provincia de Buenos Aires, forman parte de una banda que siempre vuelve al espacio que las vio crecer.

Con cada lanzamiento, la propuesta de su obra despega de los lugares comunes y proponen nuevos desafíos en cada lanzamiento.
El más reciente es el excelente Billetes Falsos, su cuarto álbum (todos grabados de manera independiente) cuyo sonido evoca por momentos a Rosario BléfariSuárez. 

7- Marilina Bertoldi

Si alguien es responsable de cuestionar el rock chabón en la Argentina de los últimos años, esa fue Marilina Bertoldi. Con cuatro discos en su haber, una nominación a Grammy Latino por “Mejor álbum de rock” (Sexo con Modelos) y un Gardel a “Mejor artista femenina de Rock”, Bertoldi cuestionó con mayor o menor eco las desigualdades en la escena musical nacional.

Su lucha y su talento la puso una vez más en el estudio para grabar Prender un fuego (2018), que la ubicó en el mainstream nacional para modificarlo para siempre. Obtuvo los premios “Álbum del año” y un Gardel de Oro, cuya última ganadora mujer había sido Mercedes Sosa 17 años atrás.

8- Mora Riel

No es sólo el apellido lo que le aporta Mora Riel a Riel, el dúo de shoegaze plantense que lanzó su primer EP en 2012. Su última publicación Espacio Interior (2019) juega con pasajes astrológicos y románticos. Aunque también jerarquiza de manera literal, la coyuntura de género y la anticipa como el futuro.

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Se celebra el Día Nacional de la Música en homenaje a Spinetta

Mira todas las actividades que organiza el Instituto Nacional de la Música.

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Hoy Luis Alberto Spinetta uno de los artistas más importantes de nuestro país y toda la región cumpliría 70 años. En homenaje a su legado en 2015 el Congreso de la Nación instituyó, por medio de la Ley 27.106, al 23 de enero como Día Nacional de la Música.

Este año la jornada conmemorativa contará con una programación de actividades organizadas por el Instituto Nacional de la Música y varias organizaciones de músicos y músicas de todo el país .

 

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Día Nacional del Músico. Ley N°27.106 en Homenaje al nacimiento de Luis Alberto Spinetta. Saludamos a músicos, músicas y músicxs. Si algo demostramos los músicos y músicas en la Argentina en los últimos 10 años es que se puede cambiar la realidad con el arte como herramienta de protagonismo en la construcción de derechos. Los músicos y músicas que nos organizamos logramos: Ayer 2009: Ley de Creación del Instituto BaMúsica en CABA. 2009: Art. 65 y 97 inc. G de la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual. 2012: Ley Nacional de la Música parte 1 – Creación del Instituto Nacional de la Música. 2014: Día Nacional del Músico. 2019: Ley de Cupo Femenino y Acceso de Artistas Mujeres a Eventos Musicales. Mañana: Ley Nacional de la Música parte 2 – Acceso a mejores condiciones laborales y beneficios sociales Esto recién empieza… #dianacionaldelmusico #musica #musicx #inamu

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CABA

Jornada “Desde lo individual a lo colectivo; desde lo colectivo a lo individual”, organizado por la UMI. Un ciclo de debates acerca de la Ley de la Música y shows en vivo.

16 hs. en Bartolomé Mitre 1670.

Andrea Álvarez dará una clínica de batería.

18 hs. en Notorious (Callao 966).

La Plata

Charla sobre “Identidad, circuitos y autogestión en la música”, a cargo de Buki Cardelino, Kubilai Medina, Carmen S. Viamonte y Manuel Moretti, con moderación del periodista Martín Graziano.

18 hs. en Ciudad Vieja (17 y 71)

Saladillo

Escenario abierto a cargo de la asociación de Músicos Saladillenses Independientes.

21 hs. en Plaza central de Belgrano y San Martín.

Cañuelas

Shows en la Plaza San Martín.

17 hs. en Del Carmen 502.

General Rodríguez

Festival en Plaza Sarmiento organizado por la asociación de Músicos Rodriguenses Organizados.

Perón e Intendente Manny.

Mar del Plata

Taller “La voz cantada” dictado por María Rosa Yorio . Actividad de Músicos Independientes Organizados.

20.30 hs. en Alem 2469.

Rosario

Ronda de las Madres en Plaza 25 de mayo junto a artistas. Luego habrá shows en vivo en dos escenarios, feria de discos y canje y proyección de videos, con entrada libre y gratuita.

18 hs. En Complejo Cultural Atlas (Mitre 645)

Santa Fe Capital

La organización Santafesinos Unidos por la Música Autogestionada organizará un encuentro con música en vivo de Onírico, Guitarpa Dúo, Joaquín Armas y Candelabro Negro, feria y conversaciones sobre leyes y organismos que contribuyen a la profesionalización de los músicos.

19 hs. en el Mercado Progreso (Balcarce 1625)

Paraná

Raúl Porchetto ofrecerá una charla en el Centro Cultural La Vieja Usina (Gregoria Matorras de San Martín 861) donde el Colectivo de Industrias Musicales Autogestionadas también propondrá shows y feria de discos.

Posadas (Misiones)

Festival de Músicos Populares Misioneros hasta la medianoche.

16 hs. en Paseo Bosetti, de Bolívar y Buenos Aires.

Montecarlo (Misiones)

Convocatoria para la conformación de una Asociación de Músicos Montecarlenses.

17 hs. en la Casa de la Cultura (Aguarivayes y 9 de Julio)

Santa Rosa (La Pampa)

Pre Feria Provincial de la Música con una serie de recitales que llevará a cabo el grupo de Músicos Independientes Piquenses Asociados.

9 a 22 en el Centro Cultural Medasur (avenida Belgrano Sur 180).

Taller de composición con Edu Schmidt en el Centro Cultural Medasur

(Av. Belgrano 180).

Mendoza

Lucy Patané y Natalia Perelman, Fundadoras de RMS Red de Mujeres en el Sonido, disertarán sobre “¿Cómo lograr una identidad sonora?” en Espacio Contemporáneo de Arte.

18 hs. en la ciudad de Mendoza.

Bariloche

Miguel Cantilo dictará un taller de composición de canciones en el Anfiteatro Moreno y Villegas.

Neuquén

Lucho González dará un taller sobre armonía estructural en el Centro Cultural Provincial.

Córdoba

El dúo Orozco-Barrientos hablará sobre “La música como herramienta resiliente” en Capilla del Buen Pastor.

Villa Mercedes, San Luis

La percusionista Vivi Pozzebón llevará su experiencia sobre ritmos y cantos afrolatinos.

General Alvear (Mendoza)

Festival con la participación de la Asociación Músicos Alvarenses Independientes Pensando Colectivamente (Maipec) y shows de los grupos Más Vivo, Hybrido, Plano Secuencia y El Deskanso.

21 hs. en la Costanera Alvear (Ruta 143 Sur, camino al autódromo).

Corrientes

La Unión Under Corrientes organizará un taller en el Patio de Tabú Sala (Larrea y Tacuarí, en el barrio Laguna Seca) y el único requisito será que el interesado se acerque con un instrumento musical.

Santiago del Estero

La Asociación de Músicos Independientes organiza un encuentro con shows en vivo de Cafuné, Runa Simi, El Carro, Avemanthra, Fortaleza, Open Source, La Mezcla y Monsenior Terrenal.

20 hs. en la Plaza Libertad, Independencia y Libertad.

Acá podes ver el listado completo de actividades.

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