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Noel Gallagher, en primera persona

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Encuentro en Londres con el mejor de los songwriters de los últimos 20 años: uno de los símbolos de Manchester, con parte de su banda y algunos colaboradores, repasan los procesos que llevaron a este presente de consolidación. 

Contenido gentileza Lollapalooza Argentina y Warner Music.

EL PRIMER DISCO CON HIGH FLYING BIRDS Y SU GIRA

Noel: “No tenía centrada ninguna expectativa y pensé en dejar que las cosas pasaran. Empezamos en clubes muy chicos, después fuimos a otros más grandes y terminamos, como ya saben, tocando en grandes estadios. La gira fue una de las más largas que hice, duró quince meses. Y todas las noches fueron increíbles, en realidad no sé si fue por las expectativas del público o si fue porque yo no las tenía. Sólo pasó y cuando terminó me sentí muy mal. Al principio pensé que subir al escenario y cantar todas las noches era solo una rutina que tenía que tolerar, pero a medida que fue pasando el tiempo empecé a disfrutarlo cada vez más. Con las giras de Oasis todo era mucho más complicado, había conflictos y yo pensaba en qué bueno sería poder irme a casa, cerrar la puerta y olvidarme de todo esto. Hoy hay algo que cambio en mí, ya no puedo volver a repetir lo que hacía en aquellos días. Antes me tomaba seis meses de descanso, y eso es algo que no quiero volver a hacer más porque me aburría muy rápido. Ahora disfruto mucho más ir al estudio de grabación, mucho más que antes, cuando éramos cinco, seis o hasta siete personas, donde todos éramos compositores, donde todos teníamos voz y voto y donde todos teníamos el derecho a opinar sobre cómo tenían que ser las cosas. Eso causa muchos problemas. Pero cuando uno trabaja a su propio ritmo y por su cuenta, es una experiencia mucho más agradable”.

EL PROCESO DE GRABACIÓN DEL PRIMER DISCO

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Noel: “Empecé yendo al estudio a grabar las canciones que se habían descartado: canciones viejas, canciones que me habían quedado dando vueltas en la cabeza, material que había quedado de los días de Oasis que nunca se llegó a grabar. Cómo tengo mi propio sello discográfico, yo mismo hago todo, hago la grabación y todo eso, no estoy atado a nada. Lo vuelvo a decir: no quiero volver a los días de Oasis, pero ese es el único punto de comparación que tengo. En esa época solo recibíamos un correo diciendo que teníamos reservado el estudio de grabación de tal fecha a tal otra fecha, y durante ese tiempo teníamos que terminar todo el disco. Solo nos veíamos ahí. Ahora ya no trabajo así, yo tomo todas las decisiones y todo ello comenzó por casualidad. Pero al principio fue todo muy difícil.

Paul Stacey (guitarra, teclado): Empezamos haciendo unos demos. Con ese material fuimos a ver a algunos amigos de Noel en los Estados Unidos para ver si podían ayudarnos a regrabar, mejorar un poco el material o si había alguna forma de perfeccionarlo un poco más.

Noel: Fui a Los Ángeles y hablé con Dave Sardy, el productor de los últimos discos de Oasis. Me comentó que no quería trabajar en mi proyecto. Me sorprendió mucho. Le mostré el material y me dijo algo como “bueno, no se…” Recuerdo que salió de la sala de reuniones y habló con mi representante. Le dijo que “no estaba seguro de hacerlo”. Al mes respondió que no, así que comencé a buscar un productor. El proceso de búsqueda duró una eternidad. Me entrevisté con varias personas pero ninguno quiso trabajar en este proyecto. Eso me hizo pensar que era una señal, y que tenía que hacerlo por mi cuenta. Era algo que nunca había hecho antes y resultó ser realmente muy complicado.

Paul: Empecé a trabajar con Noel en el año 97, con Oasis. Me presenté a la audición como tecladista porque no tenía experiencia como guitarrista. Fue una  sorpresa que me tomaran. Entré a la audición y cinco minutos después me dijeron que había quedado.

Noel: Él toca la guitarra y el teclado, básicamente somos nosotros dos y su hermano gemelo, Jeremy, que es nuestro baterista. El primer disco lo pensamos entre los tres.

Jeremy Stacey (bateria): Llegué a Noel porque mi hermano tocaba en Oasis y trabajaban juntos. Vino a ver un par de conciertos en los que toqué junto a Paul y me comentó que le interesaba que tocara la batería con él.

Noel: Tengo mucha suerte de poder trabajar con ellos. Son muy buenos músicos, saben mucho de música y conocen distintos estilos musicales. Podemos hablar en una forma sencilla sobre qué es lo que quiero y nos entendemos bien.

Jeremy: Parece que tenemos una buena conexión musical. Noel sabe muy bien qué quiere y para mí es sencillo entender el sonido que busca de mí como baterista. Obviamente tengo que poder interpretar eso que busca. En otras ocasiones él no esta tan seguro o a veces hay cosas que no funcionan bien, y me deja experimentar.  Trabajar con Noel es muy sencillo. Trabajamos muy cómodos y rápido, nos divertimos mucho.

Noel: Lo bueno de producir un disco propio es que no hay nadie que te diga que componer o en qué dirección ir. Pero lo más difícil de todo este proyecto fue la gestión eficiente del tiempo. Me refiero al resultado de lo que hacíamos de lunes a viernes. Cuando volvía a casa los viernes en el metro pensaba ¿qué fue lo que hicimos durante esta semana? Y no podía mantenerme al día con todo. Los productores tienen un sistema y saben cómo manejar las grabaciones, qué hacer con los músicos, cómo apoyar a los cantantes y cómo organizar que tal persona vaya tal día al estudio y que tales otras vayan otro día. Para mí todo eso era muy complicado e implicaba un gasto enorme de energía. No estoy acostumbrado a que todos me busquen para que les diga que hacer. Es muy complicado y no se lo recomiendo a nadie (risas).

CHASING YESTERDAY, UNA SEGUNDA VUELTA MÁS PLÁCIDA

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Paul Stacey: Este trabajo fue muy relajado. Lo digo en el sentido que no buscábamos mejorar todo lo que hacíamos, como normalmente se hace ahora durante las grabaciones. Todo se corrige, es la nueva forma de hacer las cosas. Pero para mí, buscar la perfección no es la forma correcta de hacer música. Este disco tiene alma y vida porque no fuimos por ese camino.

Vula Malinga (vocalista invitada): El proceso de grabación y trabajar con Noel y con Paul Stacey fue muy interesante. Fue muy divertido, muy orgánico, muy fresco. Me gusta que me dirija Noel porque es un artista que sabe lo que quiere oír. Es muy agradable trabajar con personas que saben lo que quieren y en las que se puede confiar.

Noel: Para mi es bastante complicado trabajar con los músicos invitados. Me refiero a los músicos con los que trabajamos en las sesiones de grabación, porque yo apenas conozco los acordes de guitarra y no manejo ninguno de los términos musicales. Yo no puedo expresar en palabras lo que quiero, solo puedo hacer sonidos y hacer que escuchen temas de otros artistas y decirles ¿pueden hacer algo así?

Beccy Byrne (vocalista invitada): Ya sabía cómo era trabajar con Noel porque participé en el disco anterior. Cuando llegué al estudio me sorprendió ver que había sólo dos personas, pensaba que me iba a encontrar diez o veinte. El ambiente era muy relajado y trabajar con Noel es muy sencillo, igual que con Paul. Yo ya sabía las armonías que tenía que hacer, así que fui a la cabina y antes y después de la grabación charlamos bastante, nos divertimos y escuché algunas historias que contó Noel. Él es muy carismático.

Paul Stacey: Hace diecisiete años que somos amigos, así que en el proceso no me callé nada de lo que pensaba, dije lo que a mi criterio podía funcionar y lo que no.

Noel: En un momento estábamos haciendo un tema, que podría haber formado parte del disco anterior, y yo quería buscar a alguien que se especializara en música disco para que nos ayudara. Y una persona me dijo que iba a sonar mucho mejor si yo trataba de hacer todo un disco bailable por mi cuenta y con mi propio estilo. Yo podía conseguir a alguien, un profesional en ese género para hacerlo, pero esa persona solo puede hacer una versión de la canción. Pienso que tenía razón. Eso pasó en este disco. Si quiero hacer jazz, o lo que sea, música disco. Y si trabajo, por ejemplo con Nile Rodgers, todo lo que hagamos juntos va a sonar como a Nile Rodgers. A eso me refiero. Cuando uno quiere parecerse a otro, todo lo que haga va a sonar como una copia, un poco rara y probablemente mala. En definitiva, aquél fue un muy buen consejo que pongo en práctica.

Para componer y grabar hay que estar abierto a todas las posibilidades. A cualquier cosa. Cuando uno forma parte de una banda de rock, que toca en un estadio como Wembley, ante 80.000 personas, no solo puede depender de arreglos complicados para mantener la atención de la gente. Porque cuando uno empieza a ser conocido trata de ser complaciente, trata de hacer las cosas bien para llegar y ser famoso. Y en este punto ya no me importa lo que los demás digan sobre una canción. Creo que ya no tengo ninguna inhibición sobre el jazz o la música disco, como lo habría tenido hace 15 años. Pero estoy en un momento diferente de mi vida, lo sé, Definitely Maybe lo escribí cuando era más joven, y suena como yo era en esa época. Este disco lo escribí a la mitad de mi vida y suena como todo lo que soy ahora.

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 LA REIVINDICACIÓN DEL SAXOFÓN

Noel: Nos emocionados mucho cuando terminamos “Riverman”, pero cuando llegó el momento del solo de saxofón empecé a pensar que tenía que llamar a un saxofonista. Y llamé al saxofonista que tocó con Primal Scream. Vino y tocamos “Wish You Were Here” y otros temas de Pink Floyd.

Jim Hunt (saxo y clarinete): Así es, “Wish You Were Here” de Pink Floyd fue el punto de referencia que tomamos cuando nos reunimos para hablar del disco. Terminamos usando un saxofón barítono, el sonido que buscamos tiene muchos elementos tomados del rock psicodélico.

Noel: Cuando terminamos nos dimos cuenta que habíamos elegido el saxofón perfecto para el sonido que buscábamos. Sonaba increíble. El álbum se convirtió en algo totalmente distinto. Nos pueden acusar del delito de “abuso de saxofón”, pero bueno, me encanta. Mi esposa escucho algunas partes y me comento que odiaba el saxofón. No sé por qué está esa relación amor – odio con el saxofón habiendo tantas figuras reconocidas de la música, especialmente del jazz, que lo tocan.

Jim: Creo que el saxofón tiene mala reputación, producto de algunos casos de mal uso. Yo lo llamo crímenes contra la música (risas). Pasó especialmente durante los años ochenta y a principios de los noventa. En realidad no se usó bien y ahora tenemos cierta aprensión. Creo que todos merecen una segunda oportunidad. Mi opinión es que por cada Kenny G hay un John Coltrane o un Charlie Parker. Nos merecemos una segunda oportunidad con el saxofón.

Noel: No tiene nada que ver con Spandau Ballet. Piensen más en alguien a quien le voló la cabeza con la música de Nueva Orleans en 1963. Nada que ver con “Through the Barricades” o “True”. Es algo más adictivo.

Jeremy Stacey: Lo interesante con Noel es que tiene muy buen gusto, siempre me hace escuchar temas oscuros e interesantes. Me pregunto ¿de dónde saca todo eso? Creo que en este disco incorporó eso que le gusta, o está empezando a hacerlo. Especialmente en el tema “The Right Stuff”, pienso que tiene muchos de esos elementos y para mí fue muy divertido formar parte.

Noel: Cuando llegamos al final de las sesiones de grabación nos dimos cuenta que nos faltaba un tema, a pesar de todos los temas B sides o bonus tracks. Así que tuvimos que estirarlo unos 8 o 9 minutos, y le agregamos a “The Right Stuff” mucho saxofón. A la noche, cuando escuche el material en crudo y se me ocurrió que si lo editábamos para acortarlo podía sonar más como una canción e iba a sonar más conciso, lo opuesto a una improvisación. Quedo genial y es una de mis partes favoritas del disco.

La letra del tema supone que es una conversación cara a cara entre dos personas. Fue algo que hicimos al final, y la idea original es que formara parte del lado B o los bonus tracks. Hasta que salió a relucir en toda su gloria y quedó como uno de los temas principales. Sin ninguna duda.

Jim: Tocar en “The Right Stuff” fue muy divertido, el tema tiene una atmósfera inquietante. En realidad fue idea de Noel usar un clarinete bajo. Creo que cuanto más trato de llegar a mi límite, más le gusta; y si bien en ciertas ocasiones no me podía controlar, a Noel le parecía divertido. Estuvo muy bien.

Noel: Por cómo estoy sentado aquí podrán ver que soy lo opuesto al típico músico de Spiritual Jazz (risas). Eso salta a la vista. No sé qué notan cuando ven una foto mía. No sé de donde salen todos esos comentarios sobre mí: que soy un engreído, que soy complicado… No, nada que ver. Mi amigo Lawrence se enfurecía cuando lo escuchaba. Él usa mucho la expresión “en fin”. En fin, no sé qué buscan con todo eso.

Lawrence Watson (fotógrafo): He estado trabajando con él por mucho tiempo. En el proyecto solista y en la última etapa de Oasis. Empecé a trabajar con Noel en el disco “Do not Believe The Truth” de Oasis y desde entonces estamos trabajando juntos. Tenemos una buena relación, desde el punto de vista de la fotografía él conoce muy bien la importancia de las imágenes y me da libertad para trabajar y desarrollar ideas. Con él hacemos cosas muy interesantes porque interviene en esas ideas y en buscar las locaciones para las tomas. De hecho, las fotos para el nuevo disco fueron idea de Noel. Me dio unas cajas que hacían unos efectos raros, hacen que las imágenes oscilen y se distorsionen y las proyectábamos para ver como afectaban las longitudes de onda. Había comprado un par por internet y me las trajo para que jugara un poco, para ver los efectos que producían cuando las alimentaba con imágenes de televisión o gráficos de música, y ver cómo se distorsionaban las imágenes que proyectábamos. No me llevó mucho tiempo. Creo que pasamos una tarde, alrededor de dos horas haciendo las proyecciones, y obtuvimos buenas imágenes de fondo y muy buenos efectos con ellas.

Noel: Al escuchar el disco, después que lo terminamos, me di cuenta que todas las canciones trataban sobre el mismo tema, el tema de las relaciones. Como compositor quise que las canciones fueran directas respecto a la relación entre tú y yo, o él y ella. No fue algo que busqué intencionalmente, pero cuando escuché el disco me di cuenta que todas las canciones tienen como tema las relaciones entre personas. A nivel sonoro, la gran diferencia en este caso es que hay muchos más solos de guitarra, en el primer disco había sólo uno, o a lo sumo dos. En este disco, creo que de diez canciones, nueve tienen solos de guitarra. No fue algo que busque en forma consciente, fue más bien lo que las canciones pedían. Fue lo que sentí el día que las compuse.

JOHNNY MARR DICE PRESENTE

Noel: Invité a Johnny Marr para que tocara en el disco anterior, en el tema “What a Life”, pero no lo pudo hacer. También se lo pedí para este disco. Lo llamé y le comenté que tenía un tema que quería que él hiciera y me dijo: “si, si, muy bien”. Le iba a mandar el material sin editar y me pidió que no lo hiciera porque quería escucharlo directamente acá, para no tener ningún prejuicio y poder reaccionar cuando lo escuchara. ¡Eso es increíble! Le pregunté si le podía dar algo del material, pero me pidió que ni siquiera le comentara de qué se trataba. Llegó ese día con dos guitarras y una bolsa con un pedal de efectos, y empezó. De “The Mighty Eye” me dijo “nunca pensé que iba a ser así”. Por eso quería darle el material antes. ¡Es impresionante verlo tocar! Se puede reconocer el sonido de su guitarra  instantáneamente en todo lo que hace, siempre se destaca.

Fue genial estar en el estudio ese día. Fue una explosión de energía y él es siempre muy positivo en todo lo que hace. Lo pasamos muy bien y creo que hicimos el tema central del disco, fue algo épico, con una calidad casi cinematográfica.

Paul Stacey: Me gustó mucho “The Mighty Eye”. Es la canción que más me gusta del disco. Estuve cuando Noel la compuso y la trajo al estudio, y me dije: “que bien, esa secuencia de acordes es muy distinta a lo que normalmente hace”. Después de trabajar tanto tiempo juntos hay un formato que reconozco, y esto era algo totalmente nuevo, y él pensaba que no era algo bueno. Yo en realidad no estaba de acuerdo con él, para mí era muy buena, pero en retrospectiva la versión final es increíble. Me alegro que fuera ésta la que quedó, con el aporte de Johnny, y no la que hicimos antes.

OTRA FORMA DE HACER LAS COSAS

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Noel: Yo no puedo trabajar bajo presión. Quiero decir, bueno, hoy vamos a entrar al estudio y vamos a escribir una canción. Yo no puedo trabajar así, no… La inspiración me tiene que llegar de arriba. Quiero decir que uno siempre tiene que estar atento y listo para cuando llega la inspiración. Y la inspiración para la mayor parte de las canciones que escribo llega en los lugares más extraños, como me pasó muchas veces: en la sala de espera de un médico, comprando dentífrico, en una reunión de padres. Es lo que me pasa a mí. Si me fuerzo a escribir, no puedo hacer nada. Mi esposa se vuelve loca, podemos salir a comer y me dice: ¿pero qué estás haciendo? Y yo estoy golpeando la mesa con los cubiertos haciendo una melodía. Eso la vuelve loca (risas).

Paul Stacey: Creo que Chasing Yesterday es diferente a cualquiera de los otros que hemos hecho. Creo que Noel amplió su horizonte y lo hizo en la forma correcta, poco a poco. Estoy muy contento con lo que logró. Era lo que esperaba, hay que tener mucho valor para hacer algo así, tal vez tardó más de lo que pensaba pero el resultado es un disco que se va a transformar en un clásico.

Noel: Trabaje en las canciones que para mí eran las mejores. No tiene que ver con el estilo. Si una canción es buena y uno siente que es diferente a todo lo que hizo antes, entonces eso es brillante. Si una canción es buena pero suena como otras 1000 canciones que escribí… es otra más del montón. Los zapatos nuevos siempre se amoldan a los pies. Con las canciones pasa lo mismo. Tus canciones, mis canciones, o las canciones de quien sea, con el tiempo se amoldan a nosotros. No me asusta que pase. Este disco fue un verdadero viaje de principio a fin, fue como un muy buen programa de televisión. Y la televisión es mejor que las películas que hay ahora en el cine. Eso me dijeron, al menos.

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Especiales

Paul Brindley, tu aliado de la música y el management

Entrevista en el marco de Selector Pro Argentina.

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The Selector Pro, el evento dedicado a la profesionalización de la industria de la música independiente, organizado por el British Council y 432 Hertzios, tuvo lugar el jueves 4 y viernes 5 de octubre en la ciudad de Buenos Aires.

En ese marco pudimos entrevistar al británico Paul Brindley, co-creador de Music Ally, una plataforma de difusión de información y management de artistas en la era del marketing digital, y gestor de alianzas a un nivel estratégico, vanguardista y amigable. Paul nos contó de qué se trata su trabajo, nos habló del futuro de los sellos discográficos y de su amor por el English Breakfast.

Bienvenido a la Argentina una vez más,¿podes contarnos de qué se trata Music Ally?

Por supuesto, nos llamamos una compañía de conocimiento, ya que el nombre “Ally”se refiere a como si fuera tu aliado, tu amigo. Nos hemos dedicado a la publicación de información durante mas o menos 20 años pero eso se ha diversificado en muchos otros servicios. Si bien las publicaciones aún existen, ahora comenzamos a hacer consultoría, eventos, y en particular mucho más acerca del aprendizaje y el entrenamiento en marketing digital. Por lo que tenemos una plataforma que enseña y ayuda a artistas, managers y marcas a aprender sobre todo aquello para generar habilidades y hacer todo por su propia cuenta, por eso es que podríamos autodenominaros la “antiagencia”.

 

¿Qué hay de la inteligencia artificial?

Sólo para ser claros, únicamente escribimos sobre inteligencia artificial, no experimentamos con ella. Solamente mantenemos a nuestros lectores al día sobre lo que está pasando. Nuestra intención siempre fue mantenernos a la vanguardia de cuáles son las empresas más interesantes que están surgiendo. Así fuimos los primeros que escribimos sobre Spotify en sus primeros días como aplicación y eso nos enorgullece, es decir, el hecho de poder reconocer cuáles son los startups más interesantes.

Con respecto a la difusión de artistas, y con darles darles un lugar en la industria, ¿cuál es su rol?

Bueno, ayudamos a esos artistas. Igualmente eso tiene que ver más con los sellos discográficos y managers, pero lo que nosotros hacemos se trata de, independientemente de qué tan bueno sea el artista, revisar su presencia artista en Spotify, las redes sociales, etc, y ver qué es lo que hace falta para que las métricas sean exitosas mediante un plan de marketing digital, después de todo es management.

¿Entonces esto significa la desaparición del viejo modelo de los contratos discográficos y las deadlines super estrictos para los artistas?

No del todo. Los sellos discográficos y ese tipo de contratos siguen y van a seguir existiendo con términos comerciales que no están al día, y ellos están muy contentos de tener muchos artistas bajo su nombre. Pero creo que el mundo del management está evolucionando hacia un partnership con los artistas. Cuando escuchas a alguien como Grant (Bussinger) con Warp Records, sabés que hay un futuro moderno y más seguro en el mundo de los sellos discográficos para crear su propia distribución. Y al mismo tiempo esperar un mejor trato.

Después de todo esto, hemos llegado al Ping Pong de preguntas y respuesta.

¿Te animas?

¿Por qué no?

 

PING PONG ULTRABRIT

¿Alguna vez tomaste mate?

¡Mate! Hace unos años, creo que no me gustó mucho, pero definitivamente lo voy a probar de nuevo, ¡gracias por recordármelo! También tengo que probar el fernet con coca, y comerme un bife de chorizo, ¡eso me encanta!

¿Y dulce de leche?

P¡Oh no! ¿Pero creo que eso es lo más divertido de viajar no? Probar y ver las cosas autóctonas. Voy por ejemplo a ver a River Plate este domingo.

UB – ¿Beatles o Rolling Stones?

Beatles, porque creo que para que te gusten los Stones tenéis que ser un poco más Rock and Roll.

¿English Breakfast o Flat White?

Los dos, a la mañana un Flat White, y el té durante el día, varias veces.

¿Cosa favorita de tu trabajo?

Venir a lugares como Argentina, conocer a gente como esta.

 

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Especiales

Greentea Peng y Femigangsta en The Selector Pro: nuevas voces en la música

En la primera jornada de The Selector Pro, Greentea Peng y Femigangsta dialogaron con Maxi Martina sobre cómo es hacer música hoy en el Reino Unido y en Argentina y sobre el protagonismo de las tecnologías en la definición de sus proyectos.

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El escenario del Teatro Picadero se convirtió en un living para que la cantante inglesa Greentea Peng junto con la representante local Agnes Simón, más conocida como Femigangsta, charlaran con Maxi Martina sobre cómo es hacer música hoy en día y el uso que le dan a la tecnología para definir sus proyectos y comunicarse con sus audiencias.

Ambas artistas remarcaron los pros y contras del uso de redes sociales. “Instagram es una plataforma que tiene mucha llegada a mucha gente. La personas necesitan de lo visual, es así la era actual. Pero también existen desventajas. Hay algo bastante superficial en todo lo relacionado a las redes. La gente a veces no entiende o mira para otro lado cuando una habla de algo colectivo, algo realmente importante. Es como si sólo quisieran verte la cara o la ropa que usás. Es un poco triste, pero es así. Por eso creo que hay que balancear un poco el uso de las redes”, dijo Peng.

“Yo creo que hay una diferencia entre buscar lo que una quiere consumir o escuchar y lo que una quiere mostrar de una misma. Por ejemplo, cuando escucho algo que me gusta mucho voy a una página llamada Tastekid (TasteDive), que también sirve para películas, libros y demás, pongo por ejemplo ‘Greentea Peng’, y entonces la plataforma me recomienda distintas cosas que la gente también escucha en relación a esa artista. Eso te abre un mundo de posibilidades. Cuando escucho algo en Spotify utilizo la radio del artista. Pero hay que tener cuidado con eso, porque el machismo se cuela en todos lados, hasta en Spotify. Si me gusta mucho cómo canta una chica y voy a su radio, me aparece música de los varones con los que ella colaboró, pero no viceversa. Cuando voy a la radio del artista varón no me aparece, por ejemplo, que colaboró con Chita. También utilizo mucho las listas que crean los artistas, como la que hace Thom Yorke”; contó Femigangsta, quien hace poco lanzó su sencillo “Pajaritos”.

“Con respecto al tema de las redes sociales y mostrar mi música, yo también trato de hacer un balance. Creo que el mundo no necesita más videos con mi cara después de que una se filme y muestre tanto en Instagram. Por eso decidí que en el primer videoclip oficial que sacamos yo no aparezca y sí lo haga una bailarina interpretando la canción. Creo que no está muy bueno correr el eje, quiero que la gente me conozca por mi música”. Greentea agregó: “A veces nos tomamos todo muy a pecho. Creo que está bueno dar un paso atrás y no meternos tanto en las redes, porque en definitiva eso no es la realidad”.

Con respecto al concepto de disco y al fenómeno de que los artistas actuales se centren más en los singles, la británica cree que simplemente es un síntoma de estos tiempos: “La verdad que no lo pienso demasiado. La manera en que escuchamos música va cambiando y para mí la idea de hacer un álbum es algo muy serio”. Femigangsta encuentra una ventaja en el single: “Yo recién empiezo y para mí es algo lúdico hacer canciones, cada tema es una experiencia nueva y no pienso más allá de eso. Es un formato que a mí me sirve mucho porque me permite trabajar con muchos productores que admiro, y mi manera de componer hace que una canción tenga un sonido muy diferente a la anterior. Me intimida pensar en gente como Rosalía, que hace un álbum que es como una tesis. A mí me cuesta tener ese tipo de proyección”.

Ambas artistas tienen una mirada más relajada con la planificación en sus proyectos: “Para mí al momento de trabajar con alguien lo más importante es la energía de la gente. Confío mucho en mis amigos. A veces cuando trabajás con un sello muy grande sucede que la persona que te contrató luego se va de esa compañía y la dinámica cambia La cuestión siempre pasa por el tema del compromiso. Yo no podría hacer lo que se hacía mucho en los 90, de firmar un contrato por tres discos con una compañía discográfica. Tampoco pienso mucho en los featuring, creo que es algo que debe darse de manera natural y no especular con que una colaboración te sirva para disparar tu carrera. Antes trato de centrarme en encontrar mi voz. Personalmente creo que lo táctico me aleja de lo creativo. Trato de enfocarme en que las cosas salgan bien y estén bien hechas”.

Femigangsta: “A veces está bueno también colaborar con gente nueva, pero a veces uno de mis miedos es traer una nueva energía a mi grupo de trabajo. Pero creo que no siempre es bueno trabajar sólo con tus amigos o personas más cercanas, porque lo que necesitás para un proyecto quizás está afuera”.

 

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Especiales

SELECTOR PRO 2019: la Industria musical entre la innovación y la data

Los temas centrales de la jornada de apertura.

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El viernes 4 y sábado 5 de octubre se llevó a cabo en el Teatro Picadero la edición 2019 del encuentro Selector Pro, organizado por el British Council y la productora 432 Hertzios, con el objetivo de a pensar la industria musical.

Esta edición contó con los invitados británicos Grant Bussinger de Warp Records, Paul Brindley, CEO de Music Ally, y Greentea Peng, cantante; que se sumaron a muchos referentes de la industria argentinos y latinoamericanos como Paula Rivera (INAMU), Federico Vázquez (Futurock), Santiago Torres (Billboard), Alejandro Varela (S-Music), y artistas como Juana Molina, Femigangsta y Sofía Trucco (Sof Tot).

La jornada comenzó con una bienvenida y presentación del evento a cargo de representantes de las entidades organizadoras que adelantaron las temáticas y preguntas que servirían de hilo conductor del encuentro. Además dieron a conocer los distintos paneles y dinámicas, como las novedosas micro-presentaciones en las que diversos especialistas abordarían con profundidad un tema en quince minutos de exposición, lo cual permitía abarcar una gran cantidad de cuestiones con mucho dinamismo.

La jornada de viernes estuvo centrada en la innovación, mientras que el sábado fueron los datos, los ejes centrales del debate sobre la actualidad y el futuro de una de las industrias que más cambios sufrió en los últimos años a nivel global y que mayores desafíos plantea a la totalidad de sus actores.

El panel inicial de este encuentro contó con la participación de Grant Bussinger (Warp Records) [UK], Juana Molina, Alejandro Varela (S-Music), Facu Cruz (Esto es Clix) y la moderación de Sofía Trucco (Sof Tot). Se denominó “Nuevas dinámicas para pensar la industria musical” y cumplió con abrir el debate de la jornada.

Grant Bussinger expuso sobre la importancia de tener una estrategia global de marketing del sello y luego diferenciarla para cada artista, a partir de datos y estadísticas como herramienta. Sin embargo esta idea se vio contrastada por la carrera tanto exitosa como innovadora de Juana Molina que admitió no tener la habilidad de trabajar su carrera con lineamientos de marketing.

Mientras Alejandro Varela, entre anécdotas de sus 35 años en la industria musical, marcó la importancia de tener un producto artístico valioso por sobre los likes y mediciones que se puedan conseguir. Por su parte, Facu Cruz planteó varios ejemplos de coyuntura en su trabajo con Ca7riel y Paco Amoroso, y cómo cada lanzamiento del dúo supone una nueva imagen que conlleva una nueva estrategia comunicacional.

Es así como los invitados desarrollaron los lineamientos y preguntas que guiaron el encuentro. Allí, se vislumbró una tensión entre los datos que nos brinda la tecnología informática, y las planificaciones de marketing,  frente a la intuición como guía artística. En el marco de esta aparente dicotomía, los panelistas fueron contando anécdotas de su hacer en la industria, así como casos de éxito en los que prepondera una u otra vía para concluir provisoriamente que ambas son necesarias en la música y cualquier otra industria creativa en la que no existe una fórmula segura y probada.

En el resto de las jornadas se volvería a cada uno de estos puntos, por ejemplo en el debate entre Fermigangsta y Greentea Peng, y en toda la información sobre mediciones e Inteligencia Artificial que brindó Paul Brindley en su conferencia.

Selector Pro se volvió un evento indispensable para pensar y mantenerse actualizado en las problemáticas y desafíos de la industria musical (y cultural) de la actualidad.

 

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