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Noel Gallagher celebra sus 52 años

Breve repaso por la vida de un verdadero rockstar: música, controversias e historias fantásticas.

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¿Quién le iba a decir al Noel Gallagher adolescente de trece años que la travesura de robar una tienda cambiaría su vida? La condena de seis meses de libertad condicional y la guitarra que había conservado de un padre abandónico, funcionaron como el estimulo perfecto para dejar aflorar su talento latente: al ritmo de “This Charming Man”, la canción que tanto admiraba de los también mancunianos The Smiths, se desafió a practicar sus primeros acordes usando la mano derecha a pesar de ser zurdo.

Lo que menos aún sabía Noel era que pocos años más tarde comenzaría a componer los primeros hits de Oasis, agrupación que se erigió a comienzos de los 90s como uno de los íconos del britpop. El virtuosismo de Noel, puesto al servicio de la letra y la música para estar al frente del micrófono en unos escasos temas, y la inconfundible voz rasposa de Liam, marcaron a fuego la historia de la música británica. Por delante vendrían quince años intensos, atravesados por una popularidad vertiginosa a la que no le faltaron excesos, peleas entre los hermanos Gallagher y las polémicas con otras figuras del medio artístico, entre las que se destaca el supuesto enfrentamiento con Damon Albarn. Noel, sin tapujos, se hizo cargo de esto en los lyrics de “My Big Mouth”: “Into my big mouth you could fly a plane.”

Que su álbum debut “Definitely Maybe”, influenciado por el rock clásico, haya sido el más vendido en Reino Unido durante su primera semana en las calles fue el presagio del ascenso meteórico a la fama que se iniciaría en agosto de 1994. Tan sólo un año después, el récord se repitió con “(What’s The Story) Morning Glory?”, segundo trabajo con el que lograron la consagración definitiva de la mano de las fantásticas “Wonderwall” y “Don’t Look Back In Anger”, joyas que solo al mencionarlas son sinónimo de Oasis.

El 11 y 12 de agosto de 1996 llegarían los conciertos en el mítico Knebworth Park y con ellos la hazaña más importante en la carrera de los Gallagher: dos años de trayectoria bastaron para convocar a un total de 500 mil personas que colmaron el predio y alimentaron su ego como nunca antes. Con la ambición potenciada por este enorme suceso, inmediatamente en 1997 lanzaron su tercer CD, “Be Here Now”. Entre sus setenta minutos de duración desplegados a lo largo de doce canciones, se destacaría “Stand By Me” no sólo por sus condiciones innegables de himno sino también por la producción de su video.

Los ingleses, conscientes del lugar que estaban ocupando en la escena musical mundial, quisieron ponerse a la altura de The Beatles creando su propio mito alrededor de la tapa del tercer álbum, tal como los de Liverpool lo hicieron con “Abbey Road”. En la versión de los Gallagher, quien habría muerto al caer su auto en la pileta de la mansión que ilustra la portada era el mismísimo Noel. Además, no se trataba de cualquier coche sino de un Rolls Royce con la patente idéntica a la del móvil policial que se vislumbra a lo lejos en el arte de tapa del épico álbum de 1969.

El cuarto disco de la banda, “Standing On The Shoulder Of Giants”, salió a la luz a comienzos de 2000. El nuevo milenio encontraba a Oasis transitando cambios importantes: a las permanentes riñas de los hermanos se sumaron conflictos con Bonehead y Guigsy, lo que provocó que abandonaran la agrupación y que Noel se viera obligado a grabar las pistas del bajo y de la segunda guitarra. Al momento de comenzar la gira, Andy Bell y Gem Archer ocuparon los lugares vacantes. En este contexto, hacía su aparición otro hecho inédito: “Little James”, canción compuesta por Liam, era incluida como el track número cinco. Así fue como, luego de tres años de ausencia, Oasis volvía recargado con el setlist más psicodélico de su carrera. Su presentación quedó registrada en el DVD “Familiar to Millions”, que inmortalizó la primera de las dos noches en las que la banda tocó en el estadio de Wembley ante 70 mil fanáticos.

En 2002, con la edición de “Heathen Chemistry”, Noel continuó dándole espacio a Liam para que se luciera con la beatlera “Songbird”, mientras él haría lo propio con “Little By Little”. Tres años más tarde, en 2005, Oasis retornaría a sus inicios rockeros con el aclamado “Don’t Believe The Truth”, LP que les permitió encarar una de sus giras más importantes alrededor de los cinco continentes y con Zack Starkey, hijo de Ringo Starr, comandando la batería. “Dig Out Your Soul”, séptimo y último álbum publicado en 2007, tuvo un resultado paradójico. Si bien gracias a dicho material Oasis recorrió más de treinta países fue este el marco en el que los hermanos Gallagher disolvieron su icónica agrupación.

Hace pocos días se cumplió una década de aquel inolvidable show que los británicos dieron el 3 de mayo de 2009 en el Estadio River Plate. Casi como si supieran que el fin se aproximaba, hicieron temblar no sólo el alma de los miles de admiradores que se concentraron en la cancha, sino también -literalmente- el piso de césped. Andy Bell, con su tweet alusivo a esta fecha, dejó ver que desde arriba del escenario la velada se vivió con el mismo vigor: “10 years ago today, my favourite @oasis gig, what a crowd.”

El 28 de agosto de ese año, el concierto que se realizaría en el festival parisino Rock en Seine nunca llegó a concretarse debido a una fuerte disputa previa que incluyó el destrozo de una guitarra de Noel por parte de Liam. Ese día, el mayor de los Gallagher confirmaría la ruptura a través de un comunicado en la web oficial de Oasis. La conmoción e incertidumbre que inundó a los fanáticos desde ese entonces se vio calmada cuando, a partir de 2011, “The Chief” se puso al mando de Noel Gallagher’s High Flying Birds. La expectativa que generó su regreso, sumada a su carácter de líder y a sus dotes como músico integral ya demostrados desde hacía casi veinte años, fueron el combo ideal que aseguró el éxito de esta nueva etapa.

En sus primeros CDs –“Noel Gallagher’s High Flying Birds” de 2011 y “Chaising Yesterday” de 2013- Noel eligió continuar con su característico estilo forjado en Oasis. Al editar en 2017 “Who Built the Moon?”, el rockstar sorprendió a sus seguidores con el sencillo “Holy Mountain”, prueba de que había decidido volver a coquetear con la psicodelia.

Los 52 años lo encuentran estrenando “Black Star Dancing”, el sencillo que anticipa su nuevo trabajo que saldrá a la venta el próximo junio. Con una marcada reminiscencia a la música disco, el británico deja en claro que puede jugar con todos los géneros saliendo victorioso. Es cierto que Noel nunca se hubiera imaginado el futuro prometedor que se avecinaría después de dar sus primeros rasguidos pero ahora son sus admiradores los que no pueden dar certezas de lo que su ídolo se trae bajo la manga. Parecería como si Noel, en su flamante tema, respondiera a esta inquietud con una pregunta: “If not for tomorrow, can we live for tonight?”

 

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Especiales

Paul Weller, el padre del movimiento Mod Británico

El multinstrumentista es el dueño del toque típico, mágico y necesario que define al Brit Pop con la crudeza estética y melodías suaves.

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Definido como padre del movimiento Mod y, técnicamente, como instrumentista, Paul Weller basa su estilo sonoro en guitarras de marcas y modelos cuidadosamente elegidos y absolutamente funcionales a lo que necesita para transmitir musicalmente, sea en estudio como en vivo. El uso de distintas marcas y modelos de guitarras no hace que el sonido de Weller se mueva fuera de una médula estética perfectamente definida, con cada cambio de guitarras dentro de un mismo show logra los matices de diferenciación necesarios o que mas bien se adapten a sus deseos sonoros pero conservando perfectamente una linea sonora acorde y aplastante.

Las elecciones de la guitarras siempre giran en instrumentos que poseen preponderancia sonora notoria en los rangos medios, lo que hace que lo que quiera transmitir Weller a los escuchas tenga una definición absolutamente clara y preponderante en la mezcla, logrando así que cada nota que conforma cada acorde sea definida en un todo e individualmente. Así es como desfilan guitarras de cajas sólidas, de semi caja, y acústicas afianzando la filosa artillería del repertorio.

Muchas canciones podrían considerarse un ejemplo de lo que sonoramente define a Weller. Su energía es trasladada a las cuerdas tocando con púa, o bien mediante el sonido de sus dedos aplicando rasguidos crudos pero envueltos en la calidez que el contacto humano imprime a su Fender Telecaster 1958 usada con cuerdas calibre 0,10, lo que le permite una acción cómoda pero a la vez bien definida en medios, y sobre todo en graves.

Y si hablamos de la elección de los instrumentos usados por el artista, es necesario aclarar también que completan el perfecto combo de sonido, sus amplificadores Marshall y en ocasiones los amplificadores Orange, debiendo destacar el uso de su Marshall 1987XPW-660-80 Paul Weller Signature, ampli que fue diseñado especialmente por Jim Marshall para su marca. Básicamente se trata de un Amplificador de 50 vatios obviamente valvular con Parlantes Green Back de 12, y dos canales de salida, un Super Leed 1987 y otro Super Bass 1986 con un sencillo ecualizador de solo tres bandas, no hace falta más.

También cabe destacar que el repertorio de Weller no solo se recuesta en la potencia y facilidad de escucha de un rock and Soul poderoso y visceral, si no que también Weller logra en formatos acústicos traducir esa misma potencia y calidez en set intimistas donde plasma la categoría de su arte con la misma convicción y resolución artística, esgrimiendo su guitarra acústica Gibson B-45 1964 de doce cuerdas o acústicas de distintas marcas clásicas de 6 cuerdas, tanto como también ejecutando en piano pianos acústicos, y el siempre increíble e inmortal Organo Hammond. Con respecto a su historia musical, finales de los años 70’s y luego de incursionar en bandas de estilo aficionado, Weller junto a Bruce Foxton y Rick Buckler invaden la escena con The Jam, un combo increíble que entremezclaba la potencia de punk y el glam enérgico y popero del estilo New Wave enarbolando la bandera izada en los 60 por el movimiento social y cultural Mod.

The Jam afirmo con categoría y música su posicionamiento en los charts haciendo que su éxito comercial se fundamente en canciones provistas de todos lo detalles necesarios para que sean consideradas un material musical absolutamente rico y perfectamente fundamentado, tanto en lo técnico como en lo artístico, cautivando a públicos y crítica, las letras certeras y muchas veces irónicas jugaban un también un papel fundamental en la banda. En el año 1983 y por el lapso de 6 años surge The Style Council, banda absolutamente purista en su conformación, ejecución y audio, que transitaba una mezcla de estilos mas refinados y menos crudo que The Jam, en The Style Council se fusionaban el Soul el pop, y el R & B de una manera dinámica, exquisita y arrolladora.

Con una producción de un álbum por año promedio, The style desarrolla una carrera preponderante mayormente en Inglaterra, incursionando en sus letras con un sentido comprometido con la política y la critica social, y enfrentados en ideas al accionar de Margaret Thatcher. En el año 1989 su sello discográfico decide no editar su noveno álbum, lo cual hace decidir a lo mentores de la banda su disolución. Tras la disolución de The Style Council en 1989, los 15 álbumes solistas de Weller son la clara muestra indicatoria de por qué él, junto a un grupo selectos de artistas, se encarna como un ícono fundamental en la música y la cultura Británica.

Por último, asumimos que con la llegada del álbum Sonik Kicks, y luego de haber adorado su seguidilla de álbumes rockeros y souleros crudos, se sintió la ausencia de las baterías de acordes de sus guitarras tan admirables, la experimentación con sintetizadores y la incorporación preponderante de la electrónica hizo de este álbum, un disco que calificaría de necesariamente experimental para el mismo Weller en su carrera.

Invitamos a que exploren la discografía solista de este gran artista al que le dedicamos el Ultrabrit Radio de la semana que podés escuchar acá.

 

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Especiales

Los 19 años de Parachutes: el sufrimiento volcado en hits inoxidables

Se cumple un nuevo aniversario del primer disco de Coldplay.

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Aquello que comenzó en 1996 como un proyecto musical encarado por cuatro estudiantes terminó dando como resultado el nacimiento de una de las bandas más importantes de los últimos tiempos. Y es que Chris Martin, Jon Buckland, Guy Berryman y Will Champion demostraron un talento innegable que, definitivamente, estaba destinado a traspasar los muros de la Universidad de Londres.

Así fue que hace casi dos décadas irrumpía en la escena musical británica Coldplay, agrupación que en sus inicios se caracterizó por una fuerte presencia de letras introspectivas y de melodías calmas para luego ir soltando su personalidad, aunque siempre manteniendo intacta a la sensibilidad como bandera. Su álbum debut, Parachutes, condensa la mezcla justa de melancolía y delicadeza, y funciona como una excelente carta de presentación que le permitió obtener el primer lugar en The Official UK Charts Company, ser galardonada con el Grammy al mejor álbum de música alternativa en 2002 y lograr el puesto número doce en la lista de los veinte discos más vendidos del siglo XXI en el Reino Unido.

Sus cuatro cortes de difusión impactaron con tanto vigor en la audiencia que aún hoy son identificados como sinónimo indiscutible de Coldplay. “Shiver” fue el primer sencillo que se publicó cuatro meses antes del lanzamiento del disco y que la banda ya había tocado en vivo el año anterior. La conjunción de un sonido agradable y de unos lyrics que exponen las dolencias de un corazón roto, hizo que fuera elegido por los fanáticos argentinos para ser interpretado en noviembre de 2017 en el Estadio Único de La Plata.

Yellow”, lanzada pocos días antes de que el LP saliera a la venta, se ha ganado el título de himno. Catalogada como una de las canciones románticas más memorables del nuevo milenio, basta con que suenen sus primeros acordes para asociarlos inmediatamente con la imagen de Chris Martin caminando abrigado sobre la orilla de una playa en pleno amanecer. En los recitales, el público la corea de principio a fin mientras juega con las enormes pelotas amarillas que rebotan sobre el campo.

Trouble” le permitió a Coldplay hacer de la destreza de Chris frente al piano, su marca registrada. El predominio de este instrumento en el tema le otorga un tono depresivo que acompaña perfectamente los sentimientos de culpa y de perdón presentes en la letra. Y si bien “Don’t Panic” no había sido seleccionada como corte, en marzo del año siguiente se editó en algunos países europeos. Al ser el track número uno del disco, anticipa el marcado estilo de las diez canciones que componen el setlist.

Estos jóvenes, que en ese entonces apenas superaban los veinte años de edad, supieron plasmar en “Parachutes” una profundidad notable. Esto logró convertir al álbum en una verdadera joya, despertando grandes expectativas sobre la banda. La tapa del disco es ilustrada por un globo terráqueo de color ámbar, el cual se destaca sobre el fondo negro. Quizás como forma de invocar un deseo o como presagio de un futuro prometedor, esta fotografía sería signo de los millones de admiradores que conquistaría Coldplay alrededor del mundo.

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Los Discos ocultos de The Beatles

La banda que posiblemente haya sido la más escuchada de la historia (recordemos: “más populares que Jesús”), tiene toda una discografía fuera de los álbumes oficiales ignorada por gran parte de la población.

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Algunas de estas canciones fueron recogidas por los mismos Beatles en su box set Anthology (1995/1996), pero aun así hay abundante archivo que no se encuentra en esos tres volúmenes. Por eso, es atractivo sumergirse en esa biblioteca audiovisual y al alcance de la mano que es aún Youtube, para encontrar muchos de estos trabajos.

Meet The Quarrymen!

La historia de los proto Beatles fue contada infinidad de veces, pero pocos saben cómo sonaban cuando agarraban sus instrumentos. Aquí tenemos la posibilidad de ahondar en las canciones precursoras de unos muy jóvenes John, Paul y George; cuando aún se reconocían con el nombre de The Quarrymen. Primeras experiencias donde ya se vislumbraba el elemento característico de la coordinación de armonías vocales, más un puñado de covers e influencias de músicos como Buddy Holly o Eddie Cochran. También encontramos composiciones propias como One After 909 o I’ll Follow The Sun, que luego grabarían en discos oficiales. La joyita es In Spite Of All The Danger que, lamentablemente, no recuperaron en los álbumes de estudio que grabaron en los ‘60. Recomendación: Escuchar con auriculares.

Decca Audition, January 1 1962

En revista Ultrabrit número 5, de septiembre de 2013, un fan de los Beatles detalló: “Al escuchar la grabación completa, se puede entender por qué los Beatles fueron rebotados por Decca: en ella se sienten los nervios en la voz de Paul en forma clara; la ironía ácida de John; una débil respuesta vocal y, por momentos, también en la guitarra de George. Además de lo aburrido y monótono que era Pete Best en la batería.” Este es el disco del famoso rechazo de la Decca Records a los Beatles. Probablemente su mayor error fue la variopinta lista de temas que les eligió su representante Brian Epstein, que iban desde una canción de Chuck Berry como Memphis, Tennesse hasta el bolero Bésame Mucho, pasando por algo cuasi humorístico como The Sheik Of Araby. Los productores no pudieron captar qué estilo tocaban y pasaron de ellos argumentando el poco futuro que veían en los “grupos de guitarras”. En este video de Youtube están las 10 canciones que no aparecen en las cinco que sí están en el Anthology 1.

Rehearsals At The Cavern Club, September-October 1962

Siempre es interesante escuchar cómo ensayan (o ensayaban) las bandas porque suelen aparecer versiones diferentes o alteradas de canciones conocidas, pifies e incluso se pueden oír intimidades en diálogos y bromas. En esta ocasión podemos asistir al templo de los primeros Beatles y escucharlos tanteando melodías de un repertorio que probarían en esa época. Tiempos donde Ringo Starr recién había ingresado a la banda, muy próximos a la edición de su primer simple Love Me do/P.S. I Love You. Las rarezas del ensayo son dos versiones de Catswalk: instrumental compuesto por Paul McCartney que luego, en 1967, la banda de jazz The Chris Barber Band grabaría de forma oficial con el nombre cambiado a Cat Call.

The Acoustic Submarine

Si bien este es un bootleg de dos discos que editó la disquera Teddy Bear en 1995, aquí en Youtube solamente existe esta versión reducida que incluye algunas de las canciones de dicho bootleg, más otros demos, sesiones u outtakes que el usuario les sumó. Vale la mención de que esta es una recopilación no muy definida en cuanto a períodos, porque van desde cintas de tiempos de Rubber Soul (1965) hasta sus grabaciones finales. Hay destacados como la curiosa zapada de Lennon entonando la canción I Lost My Little Girl (que data de 1956 y es la primera composición de Paul McCartney), igualmente resalta la preciosamente acústica Goodbye de McCartney, el cover de Bob Dylan Mama You’ve Been On My Mind tocado por Harrison o una versión de Hey Jude con un Lennon jocoso que se divierte acompañando a Paul con entonaciones chistosas.

Let It Down

Registros de enero de 1969 de los ensayos para el proyecto Get Back, donde escuchamos el proceso de creación de muchos de los clásicos que luego conocimos en Abbey Road (1969) y Let It Be (1970). Asimismo, hay material que fue a parar a los futuros trabajos solistas. Ciertos tracks ya se conocían en otros bootlegs, pero aquí han tenido un tratamiento de audio de acuerdo con las posibilidades técnicas actuales para que se oigan con mejor calidad.

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