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NETFLIX: 5 documentales imprescindibles sobre la historia del rock

Netflix nos invita a tomar clases de historia de la música con rockumentales que nos muestran la intimidad de estos iconos musicales.

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Netflix nos invita a tomar clases de historia de la música con rockumentales que nos muestran la intimidad de estos iconos musicales.

Cobain: Montage of Heck (2015)

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Caótica, salvaje y adictiva, son algunos de los adjetivos que podemos atribuirle a la vida de Kurt Cobain. Este documental, autorizado por la familia del músico, fue dirigido por Brett Morgen y trata la vida del líder de Nirvana desde su niñez hasta su ascenso a la fama y su muerte.

Montage of Heck contiene entrevistas y apariciones inéditas como la de su primera novia, con quien convivió antes de ser famoso, sus ex compañeros de Nirvana hablando de la historia entre ellos, y Courtney Love, quien da detalles y secretos sobre su enfermiza relación, su embarazo y la adicción a la heroína. El rockumental muestra imágenes de conciertos, canciones desconocidas, secretos de su infancia, cartas y filmaciones íntimas. Morgen tardó casi 8 años en terminar este largometraje que, sin duda, es un pantallazo de la vida que tuvo el inolvidable Kurt Cobain.

The Rolling Stones: Crossfire hurricane (2012)

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Este documental también fue escrito y dirigido por Brett Morgen y producido por los mismísimos Rolling Stones. Este rockumental nos sube a una máquina del tiempo y nos lleva a los 60s a vivir junto a la banda sus comienzos, su auge y su presente. En Crossfire Hurricane, la banda más grande de rock n’ roll de la historia cuenta en primera persona lo que fue vivir esos momentos, la rebeldía, la locura, el frenesí y las drogas por doquier, sin dejar de lado el marketing, la prensa y las presiones de la fama. Con imágenes exclusivas (como Jagger esnifando o Richards viviendo un viaje de heroína), grabaciones privadas de sus giras, anécdotas, vivencias, arrepentimientos, recitales, el paso y la muerte de Brian Jones, esta biografía describe a cada músico de la banda y muestra su historia un poco más de cerca para que veamos lo que era vivir como un Rolling Stone.

Joe Strummer: The future is unwritten (2007)

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Desde 1977 el líder de The Clash cambió la historia de la música para siempre. Dirigido por el director de cine británico y gran amigo de Joe Strummer, Julien Temple, este documental fue lanzado en 2007 y comienza con la muerte del cantante en 2002. Con un flashback a sus comienzos explica la vida y como su influencia musical se extiende alrededor del mundo, hoy más fuerte que nunca. Joe Strummer se revela no sólo como una leyenda o músico, sino como un comunicador de nuestros tiempos. Basándose en su historia punk, sus reclamos, su rebeldía y su lucha por sus ideales en el Reino Unido, donde crecían los suicidios, el pueblo estaba censurado y no había protección para nadie. La música liberaba y era consuelo de muchos; era política, religión y refugio.

Con la participación de Bono, Flea, John Cusack, Johnny Depp, acompañado por audios y videos de archivos, Temple nos da un pantallazo de la explosión tanto musical como histórica, post guerra mundial, guerra de Vietnam, auge del LSD y distintos hitos que llevaron a formar la ola del punk. El documental es una celebración a la vida de Strummer y un agradecimiento en nombre de todos sus adeptos.

Janis: Little girl Blue (2015)

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Esta biografía dirigida por Amy J. Berg, cuenta la vida de Janis Joplin en 105 minutos. Recorre desde su infancia en Port Arthur, con relatos de compañeros de la escuela y sus hermanos, hasta su paso por Louisiana, la Universidad de Texas, San Francisco, Los Ángeles, el amor de su vida, las drogas, sus experiencias y bandas a través del tiempo y los distintos lugares. Su paso por el Folk, los rechazos, la tristeza, los Blues, el Rock n’ Roll y su filosofía de vida. Cada sentimiento expresado en sus letras toma sentido con las vivencias y cartas que son expuestas en el documental. Íntimo, con muchas entrevistas de personas cercanas a la artista, archivos de primera mano, audios y correos que nos ponen a flor de piel y nos llevan a conocer a Joplin más de lo que esperábamos.

Danny Says (2015)

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Este es un documental producido, entre otros, por Iggy Pop y cuenta la vida del publicista de la escena Neoyorkina, Danny Fields; quien desde 1966 estuvo en momentos fundamentales de la música y la cultura de finales del siglo XX.

Fields vio crecer a bandas como The Doors, Cream, Lou Reed, Nico, Judy Collins y publicitó a artistas innovadores como Stooges, MC5 y Ramones. La biografía de Fields cuenta desde su salida de Harvard, sus relaciones en la Warhol Silver Factory, su paso como director de publicidad en Elektra Records, a “punk pionero” y su vida actual. Un buen documental con entrevistas al líder de Stooges con imágenes y archivos de los 60s y 70s.
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1 Comentario

1 Comentario

  1. Lucas

    26 abril, 2017 at 4:19 PM

    Supersonic de Oasis tambien merece estar!

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WHERE THE FUCK ARE ARCTIC MONKEYS?

Mientras esperamos nuevo material de los chicos de Sheffield repasamos sus numerosas colaboraciones que van desde Iggy Pop y Johnny Marr hasta Lana del Rey y Miles Kane.

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A la mitad de agosto del 2014, en medio de su tour más exitoso, los Arctic Monkeys desembarcaron en Tokio. En una entrevista, Matt Helders, mientras señalaba que “eran la banda más grande del mundo” y que Humbug les “había dado confianza para hacer algo diferente”, deslizó un comentario poco esperado: “De momento no hay apuros para hacer algo más. Este disco parece un buen lugar donde dejar las cosas por un tiempo”. Los meses pasaron y la banda cerró su gira con multitudinarios conciertos en Argentina, Chile y Brasil. La noche del 15 de noviembre, los Monkeys terminaron su setlist con una versión extendida de “R U Mine” y comenzaron su más largo silencio.

La siguiente reaparición de Turner fue en marzo del 2015, cuando colaboró en “Vertigo”, un tema del disco “The Great Pretenders” de Mini Mansions. Turner ya había colaborado previamente con Michael Shuman, el frontman de esta banda y bajista de Queens of the Stone Age. La relación constante entre los Arctic y QotSA parecía seguirse fortaleciendo. En junio del mismo año, Turner colaboró con Alexandra Savior en la canción “Risk” que cerró el capitulo quinto de la infame segunda temporada de True Detective. “Alex Turner es un excelente músico y está trabajando con esta chica Alex Semitone [Savior] que tiene un sentido de melodía, tono y arte muy interesante. Vinieron un día con esta canción en la que estaban trabajando y sonaba exactamente como esta temporada de True Detective” contó Bone Burnett, el encargado de la música de la serie, a la revista NME. Esto era solo el comienzo de una alianza que marcaría los siguientes años del artista.

En octubre se confirmó la salida de un nuevo disco de The Last Shadow Puppets, el side project de Turner y Miles Kane. En diciembre aparecieron una serie de trailers que incluían un segmento con Kane imitando al boxeador Ric Flair. El siguiente enero apareció el primer single: Bad Habbits. La canción incorporaba elementos de pop barroco, arreglos de cuerdas disonantes y toques de flamenco. Se anunció que el álbum se titularía Everything You’ve Come To Expect y que incluiría a Zach Dawes (Mini Mansions) sumado a los tres miembros originales. Además, pronto se supo que Matt Helders había prestado su voz para tres canciones del disco. Al tiempo apareció el video del tema homónimo que presentaba a los líderes de la banda enterrados en la arena de una playa, siendo atormentados por una mujer.

Turner expandía cada vez más sus horizontes musicales y parecía decidido a no volver con los chicos de Sheffield. Alexandra Savior, mientras tanto, germinaba como telonera de los shows de la banda. Para junio de 2016, el músico dijo que no había planes para otro disco de los Monkeys. “No los hay, realmente. No aún. Pero los habrá en algún punto. Quiero decir, vamos a ver. No hay apuro” declaró. En mayo Turner se unió a Alexandra Savior en el Hotel Café de Hollywood, tocando para menos de cien personas. En julio, los cuatro Arctic Monkeys aparecieron en público para promocionar una exhibición de arte en el Hospital de Niños de Sheffield. Durante el mismo mes Last Shadow Puppets realizó una presentación junto a Johnny Marr en Manchester. En agosto del 2016 Turner cerró su gira con Miles Kane y volvió al silencio.

Durante este período, Matt Helders, el mítico baterista de los Monkeys, también se mantuvo ocupado. Participó en el álbum “Joanne” de Lady Gaga, tocando la batería en el primer tema del disco, “Diamond Heart”, que fue co-escrito por Josh Homme. Una vez más los caminos de los Arctic Monkeys y los miembros de QotSA parecían no dejar de cruzarse nunca. En ese mismo año Helders contrajo matrimonio en Roma, con Breanna McDow. Pero posiblemente la aventura que más marco esta etapa del baterista fue su colaboración con Iggy Pop en el álbum “Post Pop Depression”. Helders se unió a la Iguana del Rock en conjunto con Josh Homme y Dean Fertita (QotSA, The Dead Weather). Acoplándose perfectamente a la guitarra de Homme, los teclados de Fertita y la voz rasgada de Iggy, Helders recorrió el mundo mostrando nuevas facetas de su talento musical.

Para diciembre del 2016 ya circulaban fotos del cuarteto deambulando por Sheffield y los rumores de un disco crecían. Ese mismo mes apareció un EP nuevo de The Last Shadow Puppets, “The Dream Synopsis”, que incluía reversiones de dos temas del disco nuevo y cuatro covers, destacando una versión de “Is This What You Wanted?” de Leonard Cohen. Alex Turner comenzó a mostrarse con barba a principios del año siguiente y generó la histeria de sus fanáticos. También se filtraron dos videos de él cantando karaoke con Lana Del Rey y Miles Kane que inundaron las redes sociales. Mientras los fans se distraían con esto, Turner se dedicó a producir y lanzar el disco debut de Alexandra Savior, “Belladonna of Sadness”, en conjunto con James Ford, el productor que acompaña la mayoría de los lanzamientos de los Arctic Monkeys. Savior ya había sacado tres singles en anticipación al disco el año anterior al mismo tiempo que Alex había incluido “Miracle Aligner”, un tema que compuso con ella, en el LP con Miles Kane. El álbum, que originalmente se titulaba “Strange Portrait”, recibió una producción sencilla siendo la mayoría de los instrumentos tocados por Turner y Ford, con algunas colaboraciones de Zach Dawes, mientras que Alexandra prestaba su voz en todos los demás.

Toda esta actividad opaca la vida de bajo perfil de Jamie Cook y Nick O’Malley, quienes completan el cuarteto indie. Cook se casó y fue padre mientras que O’Malley tuvo poco protagonismo hasta que a fines de septiembre del año pasado, hablando con la web sobre motocicletas For the Ride (O’Malley es un aficionado de las motos), confirmó que ese mes los Arctic Monkeys habían vuelto a grabar. En sus palabras, si el disco no salía para el 2018, la banda iba “a tener problemas”. Previamente, en abril, los cuatro miembros de la banda habían sido avistados en Los Angeles.

Y, después de cuatro años de inactividad, el doce de enero los ingleses anunciaron sus primeras fechas. No pasó mucho tiempo hasta que comenzó a repartirse la invitación al Casino y Hotel.

Texto por Pablo Americo y Mariano Pugliese

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Joy Division y la apuesta por un oscuro minimalismo

Tras la muerte de Ian Curtis, los integrantes de la banda decidieron, no casualmente, ir más allá y zambullirse en la New Wave y la nueva escena alternativa de los ’80.

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Tal y como se sostuvo en el artículo anterior acerca de la vanguardia postpunk y su voluntad por encarar una renovación estética del proyecto contestatario, Joy Division refleja un caso particular en ese proceso no solo por lo efímero de su duración en relación con las potencialidades que demostraba, sino también porque, tras la muerte de Ian Curtis, el resto de los integrantes decidieron, no casualmente, ir más allá y zambullirse en la New Wave y la nueva escena alternativa de los ’80.

Efectivamente, Joy Division incluyó en su propuesta novedosas líneas melódicas, inusuales conceptos rítmicos (incluyendo elementos normalmente asociados a la música de baile), el intercambio de los roles tradicionales del rock entre la guitarra y el bajo, el uso de sintetizadores y cajas de ritmos, dando como resultado un sonido premeditadamente minimalista capaz de crear una atmósfera densa y oscura en sus oyentes. Una energía desafiante que se presiente como una sombra en el pulso de la canción, pero que nunca se manifiesta explícitamente.

Probablemente, esa atmósfera sea producto también de una emocionalidad contenida, algo tan extremo y desesperado como en el grito que no se oye en el cuadro de Munch. Allí se encuentra parte de la identidad de Joy Division: Ian Curtis, con voz de barítono, manifestando toda su expresividad pero alejado del histrionismo que caracterizaba a los rock stars del período anterior. Los instrumentos, tocados sin demasiados arreglos pero con cierta intensidad, compartían la sencillez propia de las primeras bandas punk aunque sin esa estridencia.

Por otro lado, el uso de los teclados con algunas reminiscencias del krautrock facilitaba la sugerencia de ritmos bailables que abrieron paso a repeticiones obsesivas de dos o tres acordes, al modo de una versión tímbricamente más austera y electrónica de los Velvet Underground, una influencia crucial para la banda. De tal modo, no era inocente que en su estética abundaran los tonos grises con invocaciones a la moda en tiempos de la Segunda Guerra Mundial.

Asimismo, la manera de presentarse en vivo ofrecía una puesta en escena que rehuía cualquier artificio común en otras bandas de la época. Con la excepción del extravagante modo de bailar de Curtis (que se asimilaba a los movimientos convulsivos propios de la enfermedad que padecía), Joy Division prescindía de cualquier teatralidad que distrajera de la atmósfera oscura que construía: la inexistencia de juegos de luces, de humo y de diálogos con la audiencia daban cuenta de ello. Aunque pareciera una improvisación, se trataba de una cuidadosa actuación que buscaba manifestar la inexistencia de cualquier elemento de performance.

En cuanto a sus crípticas letras, las temáticas versan entre referencias marginales que Ian Curtis hace de su enfermedad (por ejemplo en “She’s Lost Control”) y cierta poesía urbana. Sin dudas, Joy Division se alejó de la denuncia social para dar lugar a referencias literarias, y es posible rastrear allí ese elemento identitario del rock que es la autenticidad: de acuerdo con la definición de las relaciones del arte con la modernidad que establecen autores como Gautier y Baudelaire en el siglo XIX, el «artista moderno» debe atender a lo que sucede a su alrededor para ser capaz de captar el espíritu de su tiempo.

Así, el postpunk en general y Joy Division en particular, rescataron esa herencia legada por los Beatles –quienes forjaron el proyecto estético del rock sesentista a partir de la articulación de elementos de la cultura popular y de la “alta cultura”– a partir de una nueva apuesta que, si bien adoptó el minimalismo que el movimiento punk le imprimió a la música rock, permitió el ingreso de sonidos e instrumentos novedosos representando, de tal manera, la oscuridad y la decadencia que predominaron en la Europa de finales de los ’70 y comienzos de los ’80.

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Johnny Marr ataca de nuevo

Desde que Johnny abandonó The Smiths allá por 1987 y abrió una enorme zanja en el mundo del rock independiente mundial, hasta ahora todavía abierta, no paró nunca de edificar pacientemente su propia carrera.

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Es que esa fue la razón por la cual decidió resignar una larga gloria asegurada y arrojar por la borda semejante banda: ya vivir debajo de las polleras del abrasivo Morrissey no sólo se estaba volviendo sofocante y hasta nocivo para su salud (en los últimos meses de vida del cuarteto de Manchester  el pequeño John se tenía que clavar una botella de Bourbon cada vez que debía salir a escena), sino que sentía internamente que al lado -o mejor dicho, detrás – de un personaje de tamaño calibre nunca iba a ser él mismo, siempre iba a ser el eterno segundón en The Smiths.

Tras participar de discos de The TheTalking HeadsPretendersPet Shop Boys y Bryan Ferry, y de darle forma al irregular combo Made In Manchester Electronic, con el cerebro de New Order Bernard Sumner, ya entrados los 2000 Johnny hizo escuela garagera con su propia iniciática banda Johnny Marr & The Healers (Boomslang, 2003, con Zack Starkey en bateria), con los estadounidenses Modest Mouse (We Were Dead Before The Ship Ever Sank, 2007), y el furioso y jovencísimo trio de Yorkshire The Cribs, con quienes grabó Ignore The Ignorant (2009). Todo este derrotero, en algunos aspectos y con el producto realizado en mano algo carente de sentido para lo que nos tenía acostumbrados el brillante guitarrista, compositor y productor, sirvió para quedarse con la razón de su lado y poder construir un presente minuciosamente edificado.
Es que Johnny, a partir de 2013, luego de tantos años de haber acuñado el sueño del nombre propio al que todo el mundo quiere y desea contar como invitado en su próximo disco, destapó una sorpresa solista que tan bien suena, que lleva ya dos discos de estudio, más uno en vivo por demás contundente, y a las puertas de lanzar el tercero con un adelanto a la altura de su leyenda. Con The Messenger (Febrero de 2013, que contiene uno de los más hermosos temas post-Smiths compuestos por Johnny, New Town Velocity) rompió el molde con un sonido brillante y prístino, y hasta cantando sorprendentemente. Playland (6 de Octubre de 2014) confirmó que el debut no había sido una excepción; y el contundente LP en directo Adrenaline Baby (Octubre de 2015) asintiendo su gran momento.
 Y ahora en pleno 2018 lo tenemos al guitar hero comunicando la salida de su nuevo trabajo Call The Comet, que verá la luz el próximo 15 de Junio y que cuenta ya con un seductor single adelanto (The Tracers). Con gira confirmada de 12 shows que arranca en Dublin a principios de Mayo, esperamos con ansias que vuelva a Argentina a consolidar el romance con el público local tras dos cálidas visitas previas.
 

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