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Massive Attack: Blue Lines o cómo crear la alquimia musical definitiva

Un disco debut que marcó un antes y después en la música y sigue sonando fresco e innovador.

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Un disco debut que marcó un antes y después en la música y sigue sonando fresco e innovador.

El año 1991 fue uno de los mejores del siglo XX en materia de producciones discográficas. Desde discos que hicieron un crossover mundial y llegaron a sonar hasta debajo de las piedras, como Nevermind, Metallica, Out of Time o Diamonds and Pearls, hasta obras maestras de culto que las futuras generaciones revisitarían una y otra vez, como Screamadelica, The Low End Theory, Loveless o Bandwagonesque. Fue un año de grandes debuts, caso de Blur con Leisure, Pearl Jam con Ten o Saint Etienne con Foxbase Alpha. Pero hubo un primer álbum que fue capaz de partir aguas y hasta de crear un nuevo género musical, un disco que se convirtió en clásico apenas se lanzó y uno de los últimos grandes impactos musicales que salieron desde la cultura underground para conquistar el mundo mainstream. Se trata del debut de Massive Attack, el magistral Blue Lines.

Provenientes del sound system The Wild Bunch, un colectivo musical de los 80 que albergó en sus líneas a figuras que una década más tarde marcarían la agenda de la cultura musical inglesa, como Nelle Hooper, Adrian “Tricky” Thaws, Claude “Willie Wee” Williams, Andrew “Mushroom” Vowles, Grantley “Daddy G” Marshall y Robert “3D” Del Naja. Estos tres últimos, núcleo creativo de aquel Massive Attack de principios de los 90 (Mushroom dejaría la banda luego de su tercer disco, Mezzanine).

Con dos singles arrolladores como “Daydreaming” y “Unfinished Sympathy”, que anticiparon la salida del disco y generaron muchas expectativas, los muchachos de Bristol pusieron definitivamente en el mapa musical a su ciudad con el lanzamiento de Blue Lines. Un álbum que logró un sonido nuevo a base de una combinación de géneros nunca antes escuchada. Mezclaron de manera innovadora soul, jazz, hip hop, reggae, dub, rhythm and blues, funk, rock, electrónica y cuanto otro género musical con raíces negras se vengan a la mente, para crear ese bicho de laboratorio conocido como trip hop, abrirle paso a bandas como Portishead, Morcheeba y Zero 7 e influir a artistas como Björk y Air.

El comienzo del disco da cuenta de la filosofía arqueológica del grupo con el sample de la línea oscura de bajo y el pattern de batería de “Stratus”, un tema de jazz fusión de Billy Cobham, para la creación de “Safe from Harm”, track que cuenta con el potente timbre de voz de Shara Nelson. La cosa se pone retorcida en “One Love”, entre el canto malvado de Horace Andy y el scratching incesante que arremete entre bocanadas de humo.

Para el tema que da título al álbum, Robert Del Naja, Daddy G y Tricky rapean con susurros sobre la base sampleada de “Sneakin’ in the Back”, de Tom Scott & The L.A. Express. Otro hallazgo, como lo es el fino soul de “Be Thankful for What You’ve Got”, cover de William DeVaughn interpretado elegantemente por la voz de Tony Bryan. Cool, muy cool.

Como su tìtulo lo indica, “Five Man Army” es un ejército de voces compuesto por 3D, Daddy G, Horace Andy, Tricky y Claude “Willie Wee” Williams, que batallan entre sí con un flow que parece provenir de las cavernas. En “Unfinished Sympathy” y “Lately” nuevamente Shara Nelson muestra su caudal vocal sobre una base de percusión hipnótica y un funk cadencioso y sexy, quien además comparte protagonismo con las rimas rapeadas de Tricky, Del Naja y Daddy G en “Daydreaming”. Sonidos narcóticos y selváticos.

El final es con “Hymn of the Big Wheel”, y toda la espiritualidad de Horace Andy y Neneh Cherry, quien fue clave para que Massive Attack se junte en el estudio y grabe su primer disco. Ese que marcó una gran línea azul y dividió a la historia de la música moderna en dos. Un álbum que mezcló con la precisión y paciencia de un alquimista los diferentes ingredientes sonoros del siglo XX para crear una obra que sigue sonando nueva e innovadora hasta el día de hoy.

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Blossoms – “Cool Like You “

La banda de Manchester lanzó su segundo trabajo discográfico luego de presentar por casi dos años su disco debut, desde el los pubs de su Stockport natal hasta los grandes festivales del verano europeo.

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El segundo disco del quinteto generó una gran expectativa. Suele pasar cuando un debut es tan sólido como lo fue el disco homónimo lanzado en 2015. Ese primer trabajo contenía una catarata de hits que posicionó a la banda como la nueva gran cosa salida del semillero de Manchester. Fieles a la tradición de esa ciudad tan musical, la espera para sus shows fluía con una lista con lo mejor de su tierra: The Stone Roses, Electronic, New Order, The Smiths.

Cool Like You, el nuevo disco, tiene una colección de canciones igual de llamativas con un sonido más definido, la banda va encontrando su propio lenguaje y deja de ser un entramado de referencias para encontrar su identidad.

“There’s A Reason Why (I Never Retuned Your Calls) y “I Can’t Stand It” abren el disco con ganas de sonar en las radios y seguir construyendo su carrera a base de canciones producidas para llamar la atención. El video de la primera nos muestra a los jóvenes integrantes de Blossoms de gira por oriente, viviendo todo ese encantamiento de cada banda británica que va a Japón. El tema que da título al disco es el más electrónico y completa la paleta de lo que pueden ofrecer: algo indie, algo más clásico y algo que coquetea con la pista de baile.

“Unfaithful” suma groove, “How Long Will This Last?”, tercer corte del disco, vuelve a la balada de temática amorosa y el tempo bailable vuelve a subir con “I Just Imagined You”.

La edición deluxe que se puede escuchar en Spotify y otras plataformas de streaming tiene una segunda versión del disco con la misma cantidad de canciones, en el mismo orden, pero en formato acústico. Este bonus permite disfrutar las canciones desnudas y comprobar que ninguna se sostuvo en la parafernalia de la producción pop para justificar su lugar en el tracklist. Destaca la canción de cierre del disco: “Love Talk”, un momento que potencia su intimidad en esta versión despojada.

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Uno Dos Tres 14: El disco argentino tributo a U2

Se trata de un homenaje realizado por distintos artistas a los casi cuarenta años de carrera de U2.

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Se presentó el tercer álbum homenaje realizado por Discos Perfectos y está conformado por 12 artistas de diversos puntos de la Argentina que hacen covers de algunas de las canciones más celebres del cuarteto irlandés con la premisa de jugar, de adueñarse de una obra profundamente arraigada en el inconsciente colectivo para animarse a reformularla utilizando y maximiznado los recursos disponibles.

Uno, dos, tres, 14 va de grabaciones en estudio y perfil alto como la versión de Ramiro Abrevaya a registros casi caseros, íntimos, rozando el low fi, como el que ejecuta Shura Multivac. Una apasionante muestra de amor hacia los autores del conteo en español más bizarro de la historia.

No hay texto alternativo automático disponible.

Discos Perfectos nació como un blog en agosto de 2010 ideado por el periodista Fernando Cárdenas. Un intento por descubrir, difundir y compartir música, desde el mainstream hasta todas aquellas propuestas alejadas de los grandes radares. Ese trabajo de búsqueda constante derivó en la publicación de varios compilados que contienen las canciones de los más diversos artistas independientes y en la producción de dos discos tributo de íconos como lo son David Bowie y Gustavo Cerati.

La lista de canciones

  1. Ramiro Abrevaya – Lo que busco (I still haven’t found what i’m looking for)
  2. Azcurra – With or without you
  3. The Kavanaghs – Stuck In A Moment You Can’t Get Out Of
  4. Full Chamba – Running to Stand Still
  5. Leo Acevedo – Desire
  6. Fede Cabral – All I want is you
  7. Idílica – Where the streets have no name
  8. Shura Multivac – One tree hill
  9. Quinta – Stay (faraway, so close)
  10. Apolo Beat – La cosa más dulce
  11. Lautremont – Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me
  12. Rudy – With or without you
  13. Leo Acevedo – Until the end of the world

El disco completo puede escucharse acá.

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THE NOW NOW: El nuevo disco de Gorillaz

Gorillaz presentó su sexto disco sin grandes novedades, con la clara intención de conformar a los oyentes. ¿Lo logra?

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El sexto disco de Gorillaz fue, desde un principio, presentado como una especie de bonus track extendido de Humanz y, al mismo tiempo, como un consuelo para aquellos fans que se sentían decepcionados por la poca presencia de Damon Albarn en el último lanzamiento. Y en ese sentido, Gorillaz cumplió. Sí, 2D canta todo el tiempo y suena mucho más al Gorillaz clásico. Si, se nota esta mas trabajado que The Fall y ya lo sabíamos hace tiempo. Ahora viendo el resultado afirmamos que The Now Now es un disco sin mucho que decir.

Humanz, con todos sus excesos y carencias, es un disco con personalidad. Y, al igual que los anteriores de la banda, presenta algún tipo de historia o concepto (en el caso de Humanz, una fiesta pre-apocalíptica). A excepción de algunas tímidas referencias a política internacional en “Humility”, The Now Now carece de la crítica social de Plastic Beach y Humanz, pero tampoco tiene la mitología del primer disco y Demon Dayz. Las únicas temáticas que recorren las canciones (sensaciones de soledad y alienación, mezcladas con una vaga esperanza) representan una introspección mas esperable de un disco solista de Albarn. Al final del día, el nuevo longplay se alinea junto a The Fall, un disco compuesto durante una gira que, en este caso, sirve como excusa para seguir de gira durante un año más. Una mirada pesimista lo vería como un cash-grab de Damon.

A pesar de las temáticas ya nombradas, The Now Now es mucho más optimista que Humanz. El apocalipsis quedó atrás, y ahora 2D canta sobre el “nuevo mundo” y “sobre dejar el aislamiento” (hablando específicamente a las letras de “One Percent” y “Humility”). El disco tiene un sonido mucho más coherente y continuo que los anteriores LPs de la banda, sin demasiado espacio para la experimentación y para la mezcla de géneros. La música se reduce a sintetizadores y beats eléctricos (y la divertida guitarra de George Benson en el primer tema), pareciendo en muchos sentidos una versión minimalista de Plastic Beach.

A grandes rasgos, las canciones son buenas.  “Humility”, “Hollywood”, “Sorcererz” y “Magic City” son las estrellas del disco. “Idaho” suena muy a algo salido de The Fall. “Fire Flies” y “One Percent” recuerdan a “Andromeda” y “Busted and Blue” (de Humanz). “Lake Zurich” es un bonito intervalo que por momentos suena a LCD Soundsystem. Aunque no me parece justo hablar de relleno, sí se puede señalar a “Tranz”, “Kansas” y “Souk Eye” como los temas menos destacables del disco.

The Now Now es un disco entretenido que no va a ganar nuevos adeptos a Gorillaz ni tampoco tiene grandes novedades que ofrecer a sus fanáticos. A decir verdad, parece el primer disco de Gorillaz dirigido hacia los “fans nostálgicos”, e incluso puede pasar como un disco demagogo. Es divertido, alegre y muy fácil de digerir, estando marcado por la presencia central de Damon y una producción prolija. Aquellos que no disfrutaron de Humanz, posiblemente encuentren en The Now Now lo que les faltó el año pasado.

A dieciocho años de la salida de “Tomorrow Comes Today”, Damon Albarn tiene derecho a hacer lo que quiera con su proyecto más preciado y The Now Now es una buena noticia para cualquier amante de Gorillaz (o para cualquier melómano con ganas de escuchar algo bueno).

Eso sí,  todos vamos a esperar que el inevitable octavo disco sea más sorprendente y ambicioso, después de este agradable trip nostálgico que representa The Now Now.

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