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Manchester North Of England: 146 canciones entre 1977 y 1993

Joy Division, Morrissey, Buzzcocks, Oasis y muchos más en un box set de lujo.



Joy Division, Morrissey, Buzzcocks, Oasis y muchos más en un box set de lujo.

El próximo 28 de Julio, Cherry Red Records lanzará un box set de lujo que contempla a las bandas y músicos mancunianos más talentosos dentro del periodo de 1977 y 1993. Esta semana compartieron el tráiler promocional, que mixea a algunos de los artistas que forman parte de este especial. El conjunto de 7 discos cuenta con artistas que van del punk y postpunk con Buzzcocks, Joy Division, Morrissey, Happy Mondays, New Order, The Stone Roses y The Fall, The Chameleons, a, britpop con Oasis, entre otros.

Titulado, Manchester Norte de Inglaterra: Una historia de música independiente | Greater Manchester 1977-1993, la colección contiene una lista de 146 canciones y toma su nombre y la imagen de la portada, de la compilación de edición limitada emitida en 1988 por Bop Cassettes.

Manchester North of England, es un tributo a la producción independiente de una de la más importantes e icónicas ciudades en la historia de la música, no solo nacieron y crecieron músicos que marcaron el rumbo de los acordes, sino que también se cruzaron y formaron bandas tan únicas como legendarias que permanecerán sonando en nuestras vidas hasta los últimos días. Con 146 pistas a través de siete CDs presentados en un box set. El compilado fue preparado por el mismo equipo detrás de los boxs Scared To Get Happy, Still In A Dream, Millions Like Us, Action Time Vision, tambien producidos por Cherry Red.


Estas canciones cuentan la historia de cómo la música indie explotó en Manchester después de la fiebre del Punk y el lanzamiento del EP ‘Spiral Scratch’ de los Buzzcocks. Con notas del periodista de música Mick Middles, y un prólogo de Mark Radcliffe, Manchester North of England, incluye muchas de las bandas clave de finales de los 70 a principios de los 90: Joy Division, The Fall, New Order, James, Happy Mondays, Stone Roses, Morrissey, John Cooper Clarke, The Charlatans,  A Certain Ratio, Durutti Column y último, pero no menos importante, el nacimiento del britpop, un nuevo camino en la música, con Oasis.


1. Buzzcocks, “Breakdown” (Demo)
2. Slaughter And The Dogs, “Cranked Up Really High”
3. The Nosebleeds, “Ain’t Bin To No Music School”
4. The Drones, “Just Want To Be Myself” (LP Version)
5. John Cooper Clarke, “Psycle Sluts Pts. 1 & 2”
6. Jilted John, “Going Steady”
7. John The Postman, “Louie Louie” (Edit)
8. Albertos Y Lost Trios Paranoias, “Heads Down No Nonsense Mindless Boogie”
9. Magazine, “The Light Pours Out Of Me”
10. Spherical Objects, “The Kill”
11. Steve Miro, “Up And About”
12. V2, “Man In The Box”
13. The Distractions, “Maybe It’s Love”
14. Grow-up, “Stay Awake”
15. Frantic Elevators, “Voice In The Dark”
16. Joy Division, “She’s Lost Control”
17. Chris Sievey, “Baiser”
18. The Smirks, “To You”
19. Salford Jets, “Manchester Boys”
20. 48 Chairs, “Snap It Around”
21. Foreign Press, “Downpour”
22. She Cracked, “Warren Row”
23. X-o-dus, “English Black Boys” (Edit)
24. Harlem Spirit, “Dem A Sus (In The Moss)”

1. The Fall, “Rowche Rumble”
2. Fast Cars, “The Kids Just Wanna Dance”
3. The Mothmen, “Does It Matter Irene?”
4. Any Trouble, “Yesterday’s Love”
5. The Tiller Boys, “Big Noise In The Jungle”
6. Manchester Mekon, “No Forgetting”
7. Manicured Noise, “Faith”
8. Smack, “Edward Fox”
9. Bet Lynch’s Legs, “Some Like It Hot”
10. Durutti Column, “Lips That Would Kiss (Form Prayers To Broken Stone)”
11. Blue Orchids, “The Flood”
12. The Freshies, “I’m In Love With The Girl On The Manchester Virgin Megastore Checkout Desk”
13. The Hamsters, “Cloud Of Flies”
14. Suns Of Arqa, “Acid Tabla Dub”
15. A Certain Ratio, “The Fox”
16. Crispy Ambulance, “Deaf”
17. Ludus, “My Cherry Is In Sherry”
18. The Diagram Bros., “Bricks”
19. Eric Random, “Subliminal”
20. Bee Vamp, “Valium Girls”
21. The Chameleons, “In Shreds”

1. New Order, “Temptation” (7-Inch Version)
2. Syncopation, “Marking Time”
3. Dislocation Dance, “Rosemary”
4. Carmel, “Sugar Daddy”
5. Swamp Children, “You’ve Got Me Beat”
6. Gods Gift, “Discipline”
7. Nico & The Invisible Girls, “Procession”
8. 52nd Street, “Cool As Ice” (U.S. 7-Inch Edit)
9. The Passage, “Sharp Tongue”
10. Biting Tongues, “Aair Care”
11. Jane, “Of All Leaves Were Falling”
12. Tools You Can Trust, “Working And Shopping”
13. Quando Quango, “Love Tempo” (Benelux Edit)
14. Inca Babies, “Grunt Cadillac Hotel”
15. Marcel King, “Reach For Love”
16. Section 25, “Looking From A Hilltop”
17. Life, “Tell Me”
18. Stockholm Monsters, “All At Once”
19. The Membranes, “Spike Milligan’s Tape Recorder”
20. A Witness, “Kitchen Sink Drama”
21. Graham Fellows, “Love At The Hacienda”

1. James, “Chain Mail”
2. Miaow, “Belle Vue”
3. Easterhouse, “Whistling In The Dark”
4. The Bodines, “Scar Tissue”
5. Big Flame, “Why Popstars Can’t Dance”
6. The Weeds, “China Doll”
7. Yargo, “Get High”
8. Twang, “Sharp”
9. Edward Barton, “Me And My Mini”
10. Big Ed & His Rocking Rattlesnakes, “D’you Think I Look Like Elvis Presley?”
11. Inspiral Carpets, “Garage Full Of Flowers” (Flexi Version)
12. The Danny Boys, “Days Of The Week”
13. Thirst, “Let Go”
14. The Man From Delmonte, “Drive Drive Drive (Twenty Two And Still In Love With You)”
15. The Monkey Run, “Falling Upstairs”
16. Metro Trinity, “Spend My Whole Life Loving You”
17. Mirrors Over Kiev, “Take Me Down”
18. The Paperboys, “This Is How I Feel”
19. The Great Leap Forward, “A Peck On The Cheek À La Politiqué”
20. Tot, “Kill All The Boys”
21. Meat Mouth, “Meat Mouth Is Murder”
22. T-Coy, “Cariño”

1. Happy Mondays, “24 Hour Party People”
2. Ambitious Beggars, “Man In A Suit”
3. Bradford, “Skin Storm”
4. Laugh, “Time To Lose It” (Peel Session Version)
5. Too Much Texas, “Hurry On Down (When Will I See You Again)”
6. Fallover 24, “Pessimistic Man”
7. The Waltones, “The Deepest”
8. Raintree Country, “Nice Time At The Disco”
9. Johnny Dangerously, “Subway Life”
10. Jean Go Solo, “In Salford The Sun Doesn’t Shine”
11. The Desert Wolves, “Passion In The Afternoon”
12. Morrissey, “The Last Of The Famous International Playboys”
13. King Of The Slums, “Fanciable Headcase”
14. The Sun And The Moon, “C’est La Vie”
15. The Reegs, “Chorus Of The Lost”
16. Barry Adamson, “The Man With The Golden Arm”
17. The Jazz Defektors, “Ooh! This Feeling”
18. Chapter And The Verse, “All This And Heaven Too” (Radio Edit)
19. A Guy Called Gerald, “Voodoo Ray”
20. Us, “Born In The North”

1. The Stone Roses, “What The World Is Waiting For”
2. What? Noise, “Vein”
3. Dub Sex, “Swerve”
4. The Train Set, “Hold On”
5. The Jerks, “Waterskin”
6. The Mock Turtles, “And Then She Smiles”
7. Revenge, “7 Reasons” (Demo)
8. Electronic, “Getting Away With It”
9. MC Buzz B, “How Sleep The Brave” (Jazz Mix Vocal Edit)
10. MC Tunes Vs 808 State, “The Only Rhyme That Bites”
11. New Fast Automatic Daffodils, “Big”
12. Northside, “Shall We Take A Trip”
13. The Rainkings, “Get Ready”
14. Paris Angels, “Perfume”
15. The High, “Box Set Go”
16. The Cygnet Ring, “18 Daze”
17. Asia Fields, “Dazed”
18. Ruthless Rap Assassins, “And It Wasn’t A Dream”
19. Krispy 3, “Coming Through Clear”
20. Kiss AMC featuring Ruthless Rap Assassins, “Let Off” (7-Inch Mix)

1. The Charlatans, “Sproston Green”
2. Swirl, “Giant Sea”
3. World Of Twist, “Sons Of The Stage”
4. Hypnotone, “Dream Beam” (7-Inch Edit By Ben Chapman)
5. 808 State, “Cubik” (Original Mix)
6. Sub Sub, “Space Face”
7. The Adventure Babies, “Camper Van”
8. The Days, “Fly”
9. Kill Laura, “Murder”
10. Wonky Alice, “Caterpillars”
11. Robinson, “Soup”
12. Lionrock, “Lionrock”
13. The Chemical Brothers, “Song To The Siren”
14. Intastella featuring Shaun Ryder, “Can You Fly Like You Mean It (Gungadin)”
15. Puressence, “Offshore”
16. Bandit Queen, “Dirt And Soul”
17. Molly Half Head, “Barny”
18. Oasis, “Columbia” (Demo)


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Isolation: El disco debut de Kali Uchis

Tras su colaboración con Gorillaz y su consolidación como estrella pop internacional, Kali Uchis estrena su primer disco con acompañamiento de Damon Albarn, Kevin Parker y Tyler the Creator.



Desde los primeros segundos de la intro de Isolation, con una atmósfera de jazz brasileño, Kali Uchis viene a decir que no hay género que quede fuera del alcance en su disco debut, que llega cuatro años después de la salida de su EP “Por Vida”. R&B, neo-soul, influencias doo woop, sabores a jazz y funk, reggaeton y ecos psicodélicos, todos emparchados en una atmósfera general bedroom pop totalmente lo-fi. Su recorrida a través de diferentes estilos musicales en ningún momento se siente forzada y el disco fluye naturalmente por una colección de invitados y sonidos diversos, que en ningún momento opacan el implacable protagonismo de Kali. El constante tono vintage y un tanto retro en ningún momento hace que el álbum se sienta menos contemporáneo y renovador. Las comparaciones se pueden trazar desde Beck hasta Outkast, pasando por Amy Winehouse como parada obvia, pero ¿para qué hacer comparaciones? Si hay algo claro en Isolation es que Kali Uchis esta mas que cimentada como una fuerza en sí misma.

Karly-Marina Loaiza ha sido una presencia prometedora en la periferia del pop durante años, desde la salida de su mixtape “Drunken Babble” y su posterior EP “Por Vida”, que contenía los exitosos “Know What I Want”, “Lottery” y “Loner”. Con tan solo veinticuatro años, la colombiana ha logrado captar la atención de personajes tan variados como Snoop Dogg, Lana Del Rey y Damon Albarn. Su voz y el tono general de sus composiciones no ha dejado de ser comparado con Amy Winehouse. Algunas de estas reflexiones parecen escaparse de las infames declaraciones de Jack White sobre el legado de Winehouse. Pero Kali Uchis parece destinada a contradecir ese tipo de pensamientos y probar que sus intenciones son completamente originales.

No todo es perfecto en el disco, pero ciertamente la proporción de genialidad prevalece, por lo que señalar algunos imperfectos primero permite deshacerse en alabanzas después. “Dead To Me” no me pareció particularmente memorable, aunque parece destinada a ganar cierto éxito con su estribillo pegajoso y su sonido a versión actualizada del EP “Por Vida” (recuerda particularmente al single “Loner”). “Teeth In My Neck” cansa y de a momentos se convierte en un pastiche predecible de críticas a la industria musical (“What do you do it for? / Rich man keeps getting richer taking from the poor”). “Nuestro Planeta” no me convence como el pequeño hit que parece destinado a ser, aunque la letra completamente en español es refrescante en un disco predominantemente inglés, y se distingue de los remates y frases cortas en un español primitivo que le dan toques exóticos a algunas canciones del disco (“Esta rico, papi / Esta guapo”). Por último, “Flight 22” no parece capaz de estar a la altura del resto del disco.

“Miami” tiene similitudes con “Hollywood” (el tema que Gorillaz estrenó en vivo recientemente), quizás más en el nombre que por el sonido. El track, con tintes a Lana Del Rey, cuenta con la participación de la rapera Bia, y consiste en una pequeña crónica sobre el inmigrante latino enfrentado al cada vez más decepcionante sueño americano. “Why would I be Kim, I could be Kanye” es la primera de las declaraciones memorables que Kali susurrara a lo largo del disco. “Live and fast and never die” se escucha poco después. Un track perfecto para Ocean’s 8 o la secuela de Baby Driver.

En “Tyrant”, Kali pregunta: “What would you do with all that control?”, interpelando a un receptor desconocido, acompañada por la cantante Jorja Smith y producida por Sounwave (autor del sonido de “Don’t Kill My Vibe” de Kendrick Lamar). La colaboración con Damon Albarn, “In My Dreams”, es el momento más desanimado y lo-fi del disco, estando en el polo opuesto de “She’s My Collar” y “Ticker Tape” (las colaboraciones de Uchis con Gorillaz del año pasado) en un buen sentido. “The moments we are happiest / Are the moments that we don’t exist” dice Albarn cuando hace su entrada, manteniendo el clima de soundtrack de película indie en Sundance.

La constante referencia a los sueños es parte de la idea de alienación del disco, siendo el lugar último donde la cantante se separa del mundo físico y reflexiona, destilando las conversaciones introspectivas que relata a lo largo del disco. El aislamiento (isolation) de Kali no es un lamento auto despreciativo sino una declaración de principios. La mayor parte del tiempo, Kali juega a ser un personaje más cercano a una guerrera de una película de Luc Besson o Tarantino que a presentarse como un alma herida. El disco presenta la épica de la chica que se escapaba de sus clases en el colegio para ir al laboratorio de fotografías, que tocaba el saxofón y el piano desde una edad temprana, que vivió entre Colombia y Estados Unidos, que trabajó en Whole Foods y vendiendo ropa diseñada por ella para poder pagar las cuentas. Uchis canta sobre una chica sola, en los inicios de su vida independiente, entre aires de indiferencia, tristeza y fortaleza.

La nueva moda de las “Intro” y los interludios funcionan en Isolation mucho mejor que en otros discos pop de reciente aparición. Todos los intermedios parecen escapados de los mixtapes adolescentes de Kali. “Coming Home”, el último interludio, es particularmente hipnótico. En “Tomorrow” se retoman los temas sobre inmigración introducidos en “Miami” en colaboración de Kevin Parker, de Tame Impala, que con su composición agrega aún mas capas diferenciales al sonido del álbum. A estas alturas del disco (el track 11 de 15), Kali ya ha dejado demostrado su capacidad para secuenciar temas, haciendo que fluyan de forma entretenida, un arte que muchos contemporáneos parecen haber perdido en épocas de streaming.

Con “After the Storm” llega el momento más alto del disco que se mantiene a lo largo del acto final de tres temas. La presencia de Tyler the Creator y, especialmente, de la leyenda funk Bootsy Collins se hace sentir y Kali comienza a resumir mucho de lo que ha venido diciendo los últimos treinta y cinco minutos. La artista resume buena parte de la filosofía del disco en cuatro líneas: “So if you need a hero / Just look in the mirror / No one’s gonna save you now / So you better sabe yourself”. En la encantadora “Feel Like A Fool” se aprecian más que claramente las necesarias comparaciones a Amy Winehouse, aunque Uchis parece decidida a darnos menos auto-destrucción y mucho más femme fatale.

El difuso reggae “Killer” cierra el disco en una nota altísima y eleva el ethos de Kali Uchis a una suerte de épica urbana outsider. El tema fue compuesto por la cantante cuando tenía diecisiete años y había escapado de su casa, tras una pelea con su padre. En esas épocas, Kali decidió vivir en el Subaru de la familia, durmiendo en estacionamientos durante las noches, donde comenzó a pulirse como compositora, escribiendo poesías adolescentes y soñando con ser directora de cine. Cuando Kali exclama “If you loved me, you wouldn’t put me through it” es imposible no pensar que refiere más a sus conflictos familiares que al amorío púber que la canción parece evocar.

Forever is for dreamers” dice Kali Uchis y nos hace dar cuenta de que el mundo es de las hijas de Amy.

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¿Ya escuchaste el nuevo disco de Robert Plant?

El ex Led Zeppelin no se queda quieto y anunció el lanzamiento de un DVD grabado en vivo en 2016 en el Festival of Disruption de David Lynch. Pero todavía estamos degustando su último trabajo de estudio, Carry Fire, que Nicolás Álvarez critica en esta nota.



El ex Led Zeppelin no se queda quieto y anunció el lanzamiento de un DVD grabado en vivo en 2016 en el Festival of Disruption de David Lynch. Pero todavía estamos degustando su último trabajo de estudio, Carry Fire, que Nicolás Álvarez critica en esta nota.


El cantante dorado tiene su llama interna más viva que nunca.

Uno de los elementos que destacó a la música de Led Zeppelin fue su inclinación por lo retro, una acertada manera de visitar y retomar obras de viejos –y también contemporáneos– artistas, a veces hasta de forma polémica llegando a ser acusados de plagio mediante juicios. Esa vocación por el pasado que los llevó a definir los parámetros del rock más clásico, estableciendo todos los modismos y yeites que podrían aparecer en algún manual escolar –Jack Black lo explicitó en Escuela de Rock–, sería una tentación para cualquier músico, pero no para Robert Plant. A lo largo de su carrera solista, el cantante inglés siempre tuvo en claro el rumbo que debían tomar sus discos y nunca picó el anzuelo de revivir el espíritu de Led Zeppelin, más allá de reversiones de algunos temas en vivo o de aquel famoso concierto de 2007 en el O2 Arena. Plant se dedicó a seguir navegando hacia adelante, especialmente en sus últimos trabajos, Raising Sand (2007), junto a Alison Krauss, Band of Joy (2010), Lullaby and… The Ceaseless Roar (2014) y su flamante Carry Fire (2017).

En esta nueva entrega, otra vez con la compañía de su banda The Sensational Space Shifters, el cantante dorado enfatiza su exploración por sonidos del Medio Oriente y el norte africano, algo que había hecho en su álbum de 2014 y que significó su visita a la Argentina con un memorable show en el Lollapalooza. Aquí lo retro no tiene que ver con su prontuario rockanrolero, sino más bien con su educación y predilección por la música folk. Carry Fire no viene a traer vanguardia o novedad, obviamente Plant no inventa la rueda en este disco pero sí alcanza un nivel de profundización musical que no había experimentado antes. Los arreglos vocales, lejos del registro arrollador zeppeliano, son el gran hallazgo de Plant en la última década, centrándose en la delicadeza de las interpretaciones intimistas, a veces casi susurradas y etéreas. Aunque también hay espacio para la épica medieval en “Bluebirds over the Mountain”, un cover de un viejo tema rockabilly de Ersel Hickey que fue grabado por Ritchie Valens y The Beach Boys. Plant hace un dúo con Chrissie Hynde, de The Pretenders, y demuestra que la compañía de una voz femenina es una fórmula ganadora.

“The May Queen”, tema que abre el álbum, podría ser una referencia con su título a “Stairway to Heaven”, pero musicalmente se diferencia desde el comienzo con un ritmo marchante del Medio Oriente, una especie de adelanto de lo que ofrece el resto del trabajo. “Carving up the World Again… A Wall and Not a Fence” –en alusión a Donald Trump– va por el mismo camino pero, además del trance de penetrantes percusiones, cuenta con rasgueos de guitarra eléctrica que dibujan líneas efímeras de acordes hacia el final. Plant se mete en temas más complejos en este disco, con líricas políticas influidas por el contexto post Brexit, y se pone a discutir tópicos como el nacionalismo, la crisis de los refugiados y el colonialismo, como es el caso de “New World…”, que toca cierto nervio rockero al igual que “Bones of Saints”.

La canción que da nombre al álbum es la que mejor expresa su cruza cultural, con melodías de guitarra oriental y percusiones africanas. Instrumentos como el djembé, el bendir y la tabla se mezclan a lo largo del disco con el violín de Seth Lakeman y el violonchelo de Redi Hasa. El resto de los Sensational Space Shifters (John Baggott, Justin Adams, Liam Tyson, Dave Smith y Billy Fuller) recorren los senderos de la world music e interpretan a la perfección el exotismo que Plant se hizo cargo de llevar a Led Zeppelin en los 70.

“A Way with Words”, una exquisita canción con la voz de Plant en su máxima fragilidad –I’m back again, I know, canta su personaje cansado luego de una larga travesía– y guiada por un piano melancólico que se convierte en la perla del disco y lo parte justo a la mitad. El cierre corre por cuenta de “Heaven Sent”, una sombría canción que se asoma misteriosa como el humo que sale de una alcantarilla, con el cantante de las notas altas encontrando su tono más bajo, reptando en el empedrado de un callejón inglés. El héroe del poster deja ver sus vulnerabilidades y hace de las marcas del tiempo su principal materia prima para traer al escucha historias que podrían ser pasadas pero que siguen siendo actuales, porque ese héroe aventurero ahora es un guardián que se encarga de que el fuego siga más vivo que nunca.

9 puntos.


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Lecturas Obligadas: Especial 2017. Los que serán clásicos y los que pronto olvidaremos

Lo mejor y lo peor del año en la industria musical mainstream e independiente.



Así de autoritarios: lo mejor y lo peor del año en la industria musical mainstream e independiente. A pesar de las predicciones de muerte al rock en función a que otros géneros satisfacen esa necesidad artística y brevedad existencial, aquí estamos. Impertérritos, celebrando nuevas fórmulas y desechando la falta de talento.

Ríos de tinta han corrido en ensayos sobre la cultura rock (lo de la tinta es una alegoría al tecleo furioso de la computadora). Como tal, esto es como elemento formativo dio lugar a otros aunque su función artística sigue delineando personalidades e identidades que no encuentran espejo en otras subculturas (la youtuber, la de la Play, etc.). Como sea, la industria habrá perdido ventas y como tal deja de apostar por nuevas bandas o por las viejas que se repitan, el mundo on line ha revolucionado todo de modo tal que la música no es ajena. Por un lado, en internet el artista ha logrado mostrarse como nunca antes, por otro,el disco físico pasó a ser objeto de culto para coleccionistas. O los valores en términos de discos de oro y/o platino: antes había que vender cientos de miles para ser dignatario, hoy la cifra ha perdido por lo menos dos ceros.

Entonces, en este vaivén que se mece entre la ganancia presupuestaria y la ofrenda artística, el mundo de la música necesita una nueva voz. Que pareciera no existir pero a modo de las brujas, que las hay, las hay. Como las Girl Ray, tres jóvenes, muy jóvenes, Londoners que debutaron con Earl Grey, un popito indie que remonta a lo primero de Pavement. Divinas, hasta vomitan en uno de los videos. O Great Grandpa, que por más naturales de Seattle que sean, se despegan de las telarañas dell viejo grunge y atacan con destacada originalidad en Plastic Cough. Grandes voces sobre armonías muy trabajadas. Los suecos Hater y su You Tried, baterías simples al frente, una voz encantadora y canciones que elevan. No como el escocés Lewis Capaldi que se inicia en estas lides con Bruises, un disco despojado, minimalista, con intenciones de cantautor folk pero queda en el camino. Tiene veintiún años, puede mejorar. Ginger Snaps, otro. Con las mejores intenciones, canta divertido pero sobre fórmulas ya trabajadas hasta el hartazgo. Nos volvemos a recuperar con Pale Waves, dos chicos y dos chicas de Manchester que con New Year’s Eve recrean un pop etéreo que si lo maduran, se despegarán de lo teen y conquistarán públicos más adultos.


Veamos los consagrados: Depeche Mode y Spirit. Enorme, la banda que nunca se repitió a pesar de seguir las mismas pautas desde el día cero: tecno dark, synth pop y hasta una voz que murió y volvió para seguir. O The National que aún más armoniosos y hasta menos oscuros en Sleep Well Beast -no en vano les tomó cuatro años de proceso creativo, traducen un disco de amor y resulta la poesía hecha canción. OK, tienen mejores trabajos pero éste no decepciona, sigue siendo una belleza. El Concrete and Gold de Foo Fighters aburre desde el primer track. Mucho tema y/o intro muy lentas que no tienen que ver con la cara de FF y ni siquiera revientan en un gran estribillo. Solo para fans acérrimos. Quizá sea DAMN el disco sorpresa: Kendrick Lamar le agregó tanta melodía al rap, una sonoridad y una lírica tal que se lleva todos los premios, mucho más genial que Kanye. Sorry, Kim. Katy Perry la rompe con Witness: el pop es difícil de mantener (pregúntenle a Britney) y la inglesa pudo haber naufragado en aguas que le fueron muy turbulentas, hoy está más fuerte que nunca. Después de mil y un reinventos, nos quedamos con esta Katy.

Al revés que Lana del Rey, quien salió a comerse al mundo con su debut con esa boca pero no pudo mantener esa iniciación tan aguerrida. Para empezar, Lust for Life es una canción de Iggy Pop y cuánto mejor tiene que ser tu producto si se ofrece bajo el mismo nombre o cuán alejado de la primera propuesta debe estar. Pero no, Esa pauta suya tan propia (aunque con sello de productores) de casi susurrar los temas y arrastrar las palabras pudo ser un gran inicio, hoy es empalago. Discazo fue Born to Die. Y será Ed Sheeran el artista del año según muchos pero en Divide lo que se ve es que ya se agarra de cualquier ritmo para trascender. Lo que no está mal si se hace bien, pero Ed, ¿rapear? Come on. Después , sí, todo muy producido, muy arreglado, pero remonta a cualquier boys band de los 90 (y que no sea esto un desprecio ya que quien suscribe es fan de Take That que también sacó disco pero mmm).


Björk. Eterna. Siempre con el factor sorpresa, en Utopia nos muestra su mundo ideal entre la naturaleza y la tecnología, apela a una conciencia más femenina y sus claroscuros son más brillantes que nunca. Lorde creció: Melodrama nos devuelve una joven que ha construido una identidad más allá de la melancolía teen. Un disco reflexivo.

Más memorables de este año: The Fall como siempre, esbeltos, oscuros y armónicos en su New Act Emerge, Mogwai y el primer gran post rock ya más que desarrollado en Every Country’s Sun, The Horrors y la neo psicodelia más el flirteo con el industrial que tan bien le sienta de V, St Vincent y el arty pop difícil, provocador de MASSEDUCTION, un disco que conmueve. Arcade Fire (¿la gran banda de los últimos tiempos?) lanzó Everything Now en el 2017 y con tanto bagaje musical que los avala, pueden permitirse algo quizá no tan elaborado pero manteniendo su temperamento. Otro muy (mal) criticado fue el I See You de The XX y como no hay subjetividad que avale ninguna cuestión estética, pues desde acá lo celebramos: la electrónica como la armonía tienen mil y una posibilidad de enlace y es el recurso que mejor interpreta el dúo inglés y con aires novedosos, futuristas. Slowdive sacó disco homónimo por primera vez en veinticinco años y a su indie shoegaze tan delicado con esa impronta de los 90, le agregó nuevos aires frescos. Pulgares arriba para (no-matter-what) Morrissey y Low in High School y Damage and Joy de Jesus & Mary Chain.


Vueltas que no celebramos: Maroon 5 (basta, chicos) cree que Red Pill Blues es distinto porque apelan a más electro que a pop pero no. Eminem (¿vivo?) vuelve para hacer lo mismo de siempre: rapear *cof cof* sus problemas con las drogas, su pareja más un tufillo nacionalista con la tapa de la bandera americana. Para peor, le puso Revival al disco. Un no enorme al Evolve de Imagine Dragons y un meh a Songs of Experience de U2. Linkin Park insiste con más pop en One More Light pero da igual, no llegan. Bush, ¿qué te pasó con Black and White Rainbows? Eras cool. Y el Heaven Upside Down de Marilyn Manson decepciona, no como el The After Love de James Blunt que ya presuponíamos sería malo con ganas.

Como nuestra bendita música nacional merece un reporte solo para sí mismo, la seguimos la próxima. Esperamos un 2018 con material de Franz Ferdinand, Black Rebel Motorcycle Club, Manic Street Preachers, Interpol, The 1975, John Cale y Muse entre otros que prometieron nuevas canciones (Keane y Coldplay pueden seguir descansando). Y seguir apostando por una industria que se ve cada vez más amenazada pero quién más que la música nos envuelve en una elegía insurgente para enfrentar un mundo intenso y virulento.


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