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LONDON EMERGENTE: Rock n’ Roll ain’t dead

New UK bands.

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Lo que está pasando ahora, el underground Inglés en su estado más puro. Repasamos 4 bandas en auge que mantienen activos los escenarios de UK.

TRAMPOLENE #RockAlternativo #LiveAt229TheVenue

Apadrinados desde sus inicios por Peter Doherty y Carl Barât, a este trío Galés, de Swansea, se los puede catalogar aún dentro de las bandas emergentes, pero lo cierto es que a lo largo de estos últimos años su crecimiento ha sido notable, y su acertada base en Londres los tuvo como headliners en varios venues durante 2017 y 2018.

Formado por Jack Jones (voz y guitarra), Wayne Thomas (Bajo y voz) y Rob Steele (Batería y voz), Trampolene  lanzó su disco debut “Swansea to Hornsey” en octubre de  2017 y fue el número 10 en los 30 mejores álbumes de The Independent ese mismo año. También lanzaron varios EP y singles, el último de ellos fue “Hard Times For Dreamers” en marzo 2018. Además de una recopilación de 28 pistas en un álbum doble de sus EP “Pocket Album” 2013-17,  titulada “Pick A Pocket Or Two” en septiembre de 2018, que ingresó en el UK Official Independent Breakers Chart en el número 10.

Además de haber abierto conciertos de The Libertines y de Carl Barât & The Jackals, con quienes han girado en los últimos tiempos, un pequeño guiño Argento con esta banda es que Jack Jones forma parte actualmente y de manera estable, del grupo de Peter Doherty “The Puta Madres”, con quien visitó Argentina en el 2016.  Alguien tuvo el gusto? Es encantador. A esto le sumamos que además han sido banda soporte de Liam Gallagher y Kasabian.

Trampolene viene tocando sin pausa en varios lugares de todo el Reino Unido como Manchester, Leeds, Sheffield, York, Swansea, Dundee, Preston, Plymouth, Stowmarket, Swindon, Cardiff, y  Brighton entre muchos otros. Festivales de verano como el Isle of Wight, Reading y Glastonbury. Otras apariciones en festivales incluyeron Y Not, Kendal Calling y Party in the Pines,  Festival The Biggest Weekend de BBC, Truck, Victorious y Wheels and Fins. Sin lugar a duda, se puede decir que vienen en gran gran expansión.

La faceta poética de su cantante Jack Jones hace que sus conciertos incluyan poemas tanto en vivo como en sus discos. Pueden escucharlos en youtube, pero aquí les dejamos uno de ellos titulado Pound Land .  

La banda cuenta con un importante vínculo con sus seguidores, tanto es así que a principios de 2017, Trampolene comenzó una serie de conciertos llamados “House Party”, tocando en las casas de los fanáticos. Bravo.

Esto es un día en la vida de la banda  A Day in the Life of Trampolene

Aquí nuestro paso por su show en el 229 The Venue. Pueden encontrar mas de la banda en youtube, Spotify y Deezer.

Primer Single ‘You Do Nothing For Me’

Ultimo Single ‘Hard Times For Dreamers’

Float

Float

FLOAT #PostPunk #LiveAtTheLockTavern

 

Bradley, Edmund, Handrew, Joe, y Sandrew, estos 5 muchachos  de diferentes partes de Inglaterra, se han unido con FLOAT hace  poco más de un año y con dos singles en mano vienen forjando su reputación tocando en directo y dejando una memorable marca musical en cada Club que pisan.

El sentimiento de vivenciar el mismísimo underground lo transmiten en autenticidad.

Con declaradas influencias de Echo & The Bunnymen, ​Television​​, ​Neu y ​The Doors quienes fueran también influencia de Ian Curtis, la banda deja también ineludibles reminiscencias a un joven Joy Division y Bauhaus.

Con actitud escénica y ojos bien maquillados, su show en The Lock Tavern (Camden) fue íntimo, plagado de atmósferas Inquietantes, hipnóticas, distorsión y riff penetrantes, producto de 3 guitarras al unísono. Con voz profunda y desgarradora, su frontman destila una intensa espacialidad y expresividad.

Luego de su primer single ‘WATCH’ cuyo video brinda un guiño al film  ‘WarGames’, que fuera lanzado en junio de 2018, no han dejado mucho margen para ya en noviembre de 2018 estrenar su segundo video “MOTHER”, producido por Euan Hinshelwood (Younghusband, Emmy The Great & Wesley Gonzalez).

Con un sonido sonico cuasi onírico,  la banda en vivo cautiva. Echar un vistazo.

Primer single ‘WATCH’

Ultimo Single ‘MOTHER’

Tokyo Taboo

TOKYO TABOO #Rock  #Pop #LiveAtTheLexington

La pareja musical Londinense, sellada luego en matrimonio de Dolly Daggerz (Voz) y Mickey Danger (Guitarra), han presentado su segundo álbum grabado en 2018 en California. Producido por Noah Shain (cuya producción más reciente, ‘Ghost’ de Badflower ocupa actualmente el número 1 en la lista de rock de EE. UU.), la banda se encuentra girando por todo el Reino Unido en su tour iniciado en 2018 con fechas anunciadas hasta agosto de 2019, que incluyen clubes en Edimburgo, Glasgow, Manchester, Sheffield, Bristol, Brighton, Bedford, Nottingham, Southsea y muchos mas, ademas de varias fechas en los principales venues de Londres.

La presencia vocal de Dolly y las caracterizaciones en sus shows le dan a la banda un atractivo que hace de sus concierto un espectáculo único y que hayan sido también aclamados con su nuevo debut por John Kennedy, Huw Stephens, Clash Magazine y Punktastic.,

La carismática Dolly, tiene  Influencias que van de Karen O, Wendy James de Transvision Vamp e incluso la gran Lene Lovich.

El nuevo single No Pleasure Only Pain salio el 30 de noviembre de 2018 a  través de TT Records.

Aquí parte del show que presenciamos en The Lexington Tokyo Taboo – Make It Out Alive (Live at The Lexington, London) y el video oficial de su último single ‘No Pleasure Only Pain’.

 

ULTIMO SINGLE ‘No Pleasure Only Pain’

Autopilot

Autopilot

AUTOPILOT #INDIE #LiveAtProudGalleries #CamdenFest

AutoPilot es un trío Indie-Pop-Rock de West Midlands, región central del Reino Unido.

Conformado por Jack Schofield (Voz principal y Guitarra), Andy Hopkins (Bajo), Chris Lewis (Batería), hace casi  2 años que están juntos  combinando sintetizador, con guitarras distorsionadas, y voces poperas que le han significado un gran número de fieles seguidores y cerrar el 2018 con un show propio en el O2 Academy de Islington en Ángel Central.

A mediados de 2018 tocaron en el Festival de bandas emergentes por excelencia ‘Camden Rocks’, curado por el músico y productor Chris McCormack, además de abrir el show para The Scientist en The  Empire Coventry. Hace poco, Camden Rocks los incluyó nuevamente en la grilla del Festival que este año por primera vez en su historia será de dos días, 1 y 2 de junio de 2019.

En lo que a nosotros respecta, pudimos escucharlos como headliners en el marco del Camden Fest, en el mítico espacio Proud Galleries y comprobar que la banda viene trabajando fuerte para darle forma a su primer álbum que esperamos próximamente vea la luz.

A fines  de 2018 lanzan su primer single, “Can You Feel The Love”, seguido de “Invincible” que ya están disponibles en todas las plataformas digitales y muestran perfectamente la dirección a la que este trío pretende ir.

Una banda completamente nueva que se está posicionando con un sonido diseñado especialmente para ubicarse en la escena Indie.

Hace poco iniciaron su tour 2019 que arranca en mayo y termina en septiembre, con conciertos en Coventry, Brighton, Sheffield, Oxford y London entre otros.

Aqui su single ‘Can you feel the love’ lo pueden escuchar en Spotify ‘Can you Feel the Love’.

La banda aún no posee videos oficiales, pero aquí dejamos un show en vivo de su último single ‘INVISIBLE’  en el Godiva Festival Coventry el 8 de julio de 2017 ULTIMO SINGLE ‘INVISIBLE’

 

 

 

 

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Especiales

6 canciones de Morrissey para festejar su cumpleaños

Hoy Mozz cumple 60 años y desde acá lo celebramos escuchando su música.

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El malhumorado, voluble, talentosísimo cantante y compositor, Steven Patrick Morrissey cumple hoy 60 años. Para festejarlo, la apuesta es desandar un recorrido sesgado y caprichoso por esos estados de ánimo que cruzamos cada vez que se nos ocurre poner alguna canción.

 

Emoción

Esta versión tomada hace casi 10 años, en Octubre de 2008, es la primera elección, la más sencilla de todas. Una canción perfecta que no llega a los 3 minutos y con las “p” húmedas que tanto tratamos de imitar en las clases de inglés.

Cómo la suerte puede convertir a un hombre bueno en uno malo cantaba al borde del llanto y al final nosotros también quebramos un poco con el solo de trompeta con sordina, quizás es sonido más precioso que tiene la música.

 

Bittersweet

Así en inglés, quizás es la palabra más linda del idioma, decir “agridulce” no le pasa cerca, por eso se permite la licencia.

Ojalá la depresión de los domingos a la tardecita tuvieran algo de la belleza que nos canta Morrissey en esta canción que menciona el apocalipsis. De este video de 1988, y salido del primer disco en solista, nos quedamos con todo lo que tiene puesto la protagonista, incluyendo el pelo cortito y levantado. Y bueno, meat is murder, queda lindo bien así puesto.

 

Alegría

Claro, que no es explosiva sino más bien para adentro y lavada como la fotografía del video. A lo inglés, que tan mal negocio no hicieron haciendo canciones así.

Post punk a punto caramelo, con el jopo perfecto, irreverencia, ambigüedad, flores. Todo lo que quieren las chicas.

 

Miedo

Himno del stalker. Consumir con cuidado, moderación y sin literalidad.

 

De pie

La sociedad de Morrissey y Johnny Marr acá rinde como nunca, la voz que lastima, la guitarra que nos interpela y nos pone de pie. Ni siquiera nos importa de qué va la letra. Solo play y disfrutar

 

* Bonus Track

Una canción alegre y pegadiza, aunque lo más triste que se pueda escribir sobre estar dentro del closet, o no es desgarrador eso de “me extrañás más de lo que ella te extraña”.

Probablemente en 2001 no haya sido recibida como merece, pop, bien hecha que se burla de los consumos cool, de lo escondido y que contiene el espíritu Morrissey, si es que hay algo así. Hoy no está de más reivindicarla para este cumpleaños.

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Especiales

“Presentismo” y “retromanía”: La encrucijada del pop y el rock de nuestros tiempos

Desde los años ’70, el punk gestó su identidad alrededor de una premisa fundamental que se desprendió del contexto histórico particular: No future. Este espíritu se proyectó de manera sombría en el desarrollo posterior de la cultura pop y rock en consonancia con la decadencia de la idea de progreso que había predominado en los años centrales del siglo XX.

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El historiador François Hartog acuñó la categoría de “régimen de historicidad” para dar cuenta de la forma en que se articulan pasado, presente y futuro en una sociedad determinada. En ese sentido, sitúa el nacimiento del régimen moderno de historicidad a finales del siglo XVIII, a partir de la Ilustración y la Revolución Francesa. Este régimen está caracterizado por concebir al tiempo como “progreso”, es decir, como una “flecha” que avanza en línea recta de izquierda a derecha y cuya nota principal es la irreversibilidad.

Desde finales de los ‘80, a partir de un acontecimiento trascendental que fue la desintegración de la URSS, se habría vuelto hegemónico en el mundo occidental un nuevo régimen de historicidad caracterizado por la fijación en el presente. Según el autor, el “presentismo” vino a reemplazar al régimen moderno de historicidad. A diferencia de la orientación “futurista” de la modernidad, el régimen presentista ensancha el presente hacia adelante y hacia atrás, es decir, lo extiende hacia el pasado y hacia el futuro.


El pasado como fuente de autenticidad

La segunda mitad de los ’70 fue hegemonizada por la escena postpunk que, a pesar del rótulo recibido, convivió con el movimiento que le imprimió su identidad en una imbricación de ética DIY, autogestión, un oscuro pop electrónico y la simplicidad de la composición punk. Posteriormente, durante los ’80 con la new wave, y los ’90 con las rave, la autenticidad con que el campo del pop y del rock se autodefine encontraba cada vez menos recursos mirando hacia un futuro que se sumía en la incertidumbre.

En este contexto, en que el presentismo implica una articulación del tiempo en la que el presente se torna hegemónico frente al pasado y al futuro, el crítico Simon Reynolds sostiene que los primeros años del siglo XXI resultaron ser una década “re”. Los dos mil estuvieron dominados por los revivals, las reediciones, los remakes, la retrospección. En ese sentido, la palabra “retro” tiene un significado específico: refiere a un fetiche autoconsciente por la esterilización de un período -en cuanto a música, ropa y diseño- que se expresa creativamente a través de la apropiación y la imitación. Pero el uso de la palabra decantó, de una manera mucho más vaga, en todo aquello que está relacionado con el pasado reciente de la cultura pop.


De acuerdo con esos usos y abusos del pasado reciente en la cultura pop, este fenómeno incluye cambios profundos en el consumo de música como consecuencia de la innovación tecnológica y la irrupción de Internet (a través de plataformas como You Tube, Spotify, ITunes, etc.) que no solamente permiten disponer de todo un archivo colectivo, sino que incluso nos permite decidir el orden en que vamos a escucharlo. Por otro lado, la presencia cada vez mayor de artefactos culturales que regresan en forma de moda vintage, como los discos de vinilo, y el retorno de viejas bandas que se reúnen luego de largos años para grabar un nuevo disco o realizar una gira de despedida definitiva parecen dominar la escena actual.

Proyectando un pasado mejor a través del futuro

Esta particular mirada nostálgica habilitó, a su vez, la supervivencia y reformulación de esos elementos estéticos de la mano de músicos jóvenes en un contexto en que la ética DIY, la autogestión y la omnipresencia de Internet democratizaron el acceso a la grabación, circulación y reproducción de la música. Como vimos anteriormente, esta tendencia se proyectó en nuestro país fundamentalmente a través del indie y, posteriormente, el trap. Pero las nuevas escenas, que son propias de la generación millennial criada en los primeros años del siglo XXI, se presentan como un espacio sumamente heterogéneo, en el cual conviven elementos del pop, del rock, del rap y de la electrónica de manera bifurcada ante un futuro que se presenta esquivo.

Efectivamente, el predominio del presente redirecciona hacia atrás las esperanzas que antaño eran depositadas en el futuro, y obliga a los artistas a reformular los elementos éticos y estéticos de un pasado que convive con nosotros. Según el filósofo Giorgio Agamben, se es verdaderamente contemporáneo cuando no se coincide a la perfección con él; esta inadecuación hace que sea más factible percibir el propio tiempo puesto que quienes concuerdan plenamente con su época, en general, no consiguen verla plenamente. De tal modo, los artistas realmente contemporáneos son quienes logran destacarse en la escena actual porque pueden percibir en su tiempo no las luces sino las sombras, las tinieblas. Y para hacerlo se requiere neutralizar los destellos que emanan de él.

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Estrategias Oblicuas o cómo tomar caminos impensados

Con la productividad como imperativo moderno, las Estrategias Oblicuas son un elemento que cada vez tienen más adeptos entre quienes quieren destrabar sus problemas creativos.

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Popularmente conocidas por la difusión que les dio el músico y productor Brian Eno, la historia cuenta que este señor inglés detestaba quedarse sin ideas o atascarse en medio de un proceso de creación, presionado por las inmediateces de la industria. Es así como decidió empezar a anotar frases inspiradoras en papeles que luego devendrían en cartas a las cuales recurrir en caso de bloqueo. Para eso tuvo la ayuda de su amigo Peter Schmidt (pintor, pionero de la multimedia) quien también había tenido ideas parecidas.

La dupla creó entonces las Estrategias Oblicuas y las empezó a utilizar en sus creaciones. A medida que las fueron usando vieron que los resultados eran cada vez más fructíferos, por lo que decidieron difundir este juego entre varios artistas. La demanda fue acrecentándose de tal modo que vieron la veta de empezar a hacer producciones seriadas y comercializadas en ediciones que, originalmente, salieron en los años 1975, 1978 y 1979.

 

¿Qué músicos las usaron?

Muchas de las bandas que trabajaron con Eno de productor utilizaron la metodología de las Estrategias Oblicuas. Nombres como U2, David Bowie, Iggy Pop, Peter Gabriel, REM o Coldplay manifestaron en repetidas veces la utilidad que les dio contar con ellas.

En 1995 la revista londinense Time Out realizó una entrevista conjunta a Bowie y Eno en vísperas del lanzamiento del álbum Outside (al que se promocionó como compuesto en gran parte por los consejos de las Estrategias Oblicuas). En ella el productor declaró: “Hay varios riesgos inmediatos en la improvisación, y uno de ellos es que todo el mundo se fusione de inmediato. Todos empiezan tocando blues, básicamente porque es un lugar donde todos pueden estar de acuerdo y saberse las reglas. De modo que en parte usamos estrategias diseñadas para impedir que todo se vuelva sumamente coherente. El caos no es un lugar interesante en el que estar, y tampoco lo es la coherencia absoluta. Es un punto entre ambas cosas”.

Tal es la marca de “piedra filosofal” que adquirieron las Estrategias Oblicuas entre el mundillo de los músicos, que hay muchos ejemplos de canciones clásicas donde se aplicaron. Pero también hay casos como el de la canción Where the streets have no name de U2, que casi se pierde tal como lo conocemos debido a que Eno consideraba que debían hacer borrón y cuenta nueva cuando se trabaron en su composición y grabación (incluso casi simula un “accidente” para borrar las sesiones). Por suerte en esta ocasión, los irlandeses no siguieron el deseo del ex Roxy Music.

 

Un productor londinense dando cátedra en Buenos Aires

Brian Eno visitó Argentina en el año 2016, donde el 29 de noviembre dio una charla abierta en el Centro Cultural Kirchner contando sobre su vida, su obra y sus métodos de trabajo. No faltó entonces su momento de referencia a las Estrategias Oblicuas y así se expresó al respecto: “Una vez David Bowie sacó una tarjeta que le decía que se tenía que aferrar a una idea interesante para desarrollarla, mientras que yo saqué una que decía que tenía que destruir todo lo que se interponga… así que todo lo que él construía, yo se lo tiraba abajo”.

Cómo utilizar las estrategias

Hay diversas formas de utilizar las cartas. La más interesante, por el esfuerzo creativo que requiere, es la de seleccionar una al azar y aplicar la oración que nos aparezca. Aunque quizás el enunciado en principio no nos sea esclarecedor (por ejemplo: “Una línea tiene dos lados”), es casi obligatorio no cambiar la tarjeta por otra, ya que en nuestro esfuerzo por descifrar su significado estaremos utilizando pensamientos laterales, oblicuos, que pueden despertarnos nuevas aspiraciones creativas.

Dónde encontrarlas en la web

Las Estrategias Oblicuas se venden en formato físico en diversas jugueterías y librerías alrededor del mundo. La inmensa parte son adaptaciones de las pocas ediciones originales que aún se conservan, puesto que estas suelen venderse a precios exorbitantes. Pero actualmente nos queda el recurso de la tecnología que nos permite hallarlas en páginas webs o aplicaciones de celular.

 

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