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La exitosa alianza de Radiohead con Paul Thomas Anderson

Hace más de una década que comenzó la relación entre Radiohead y el director de cine Paul Thomas Anderson, quienes no hacen más que potenciarse en cada paso que dan y satisfacer a todos sus adeptos.

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Hace más de una década que comenzó la relación entre Radiohead y el director de cine Paul Thomas Anderson, quienes no hacen más que potenciarse en cada paso que dan y satisfacer a todos sus adeptos.

La historia comienza en el 2003, cuando Jonny Greenwood compuso el soundtrack para el documental “Bodysong”. Paul Thomas Anderson (que un año antes había estrenado Punch Drunk Love, protagonizada por Adam Sandler, su film menos aclamado) vio la premiere del documental en el Festival de Rotterdam. “Cuando vi ‘Bodysong’ sentí que estaba en un trance. Era una colección maravillosa de las dos cosas más simples con las que una película puede trabajar: imágenes y música. Es un popurrí de imágenes conmovedor, atemorizante e hipnótico y una experiencia que se vuelve más lúcida cuanto más la observas”.

Anderson pasó los siguientes años intentando escribir el guion de “There Will Be Blood”, que comenzó como una historia sobre dos familias en conflicto y fue evolucionando hacia una épica sobre la industria petrolera californiana. El film no convencía a las grandes productoras y pasó dos años intentando conseguir financiamiento. Anderson es un fan declarado de Radiohead (recientemente mencionó a In Rainbows y Kid A como sus discos favoritos) y se contactó con Jonny Greenwood para trabajar con él en la película. El director estaba fascinado con “Popcorn Superhet Receiver”, una pieza orquestal que el multiinstrumentista de Radiohead había compuesto para la BBC. Greenwood tuvo dudas sobre si aceptar el trabajo o no, pero Anderson logró convencerlo, iniciando lo que Greenwood ha llamado un “bromance nauseoso”, y tres semanas después el tecladista se presentó con dos horas de música grabadas en los Estudios Abbey Road. Las composiciones fueron editadas hasta llegar al soundtrack final de treinta y tres minutos, que contenía elementos de “Popcorn” y “Convergence” (un track de Bodysong) así como elementos de la obra de Arvo Pärt y Johannes Brahms. Esto hizo que el soundtrack, considerado revolucionario y uno de los mejores de la década, no fuese elegible para los Oscars.

Hablando con Los Angeles Times, Greenwood explico: “Creo que no se trataba necesariamente solo sobre hacer música de época, que es lo que tradicionalmente se buscaría hacer. Pero debido a que eran sonidos de orquesta tradicionales, supongo que lo que esperábamos era un poco perturbador, incluso cuando sabes que todos los sonidos que estás escuchando vienen de tecnología muy antigua. Con una orquesta clásica se pueden hacer cosas que te perturban, que se sienten ligeramente mal, que tienen una suerte de corriente subyacente que es un poco siniestra”.

There Will Be Blood se siente más disciplina y solitario que nada que (Greenwood) haya hecho antes” escribió un crítico en Pitchfork. Esto mismo podría decirse de los siguientes soundtracks que el músico realizó para el director. The Master, Inherent Vice, Junun y Phantom Thread, los siguientes filmes de Thomas Anderson, recibieron sus respectivas bandas sonoras marca Greenwood. En Agosto del 2014, Greenwood tocó sus composiciones en conjunto con la London Contemporary Orquesta por primera vez. Y en 2018 debutó como nominado al Oscar, por su excelente soundtrack para Phantom Thread.

En Phantom Thread, Jonny no es solo la mente maestra detrás del sonido, sino que también es quien inspiró la historia desde un primer momento. Durante una entrevista conjunta sobre las canciones de Junun, ambos comenzaron a hablar sobre el “cuidado personal masculino” y el músico le contó sobre Beau Brummell, el dandy inglés del siglo XIX que serviría como inspiración originaria para el protagonista de Phantom Thread interpretado por Daniel Day Lewis.

A él básicamente le gusta tomarme el pelo” explicó Greenwood a NME en febrero de este año. “Y me hace chistes sobre lo poco romántico que es Radiohead. Entonces me dijo: ‘Vamos, tiene que haber algo de romance en vos. Dame mas cuerdas’. Y él quería que la música fuese muy inglesa y muy romántica y estuviese escrita por mí, lo cual se siente como una contradicción triple ahora que lo digo”. Sobre los Oscars, el músico declaró que a su esposa (la artista visual Sharona Katan) le resultaba ridículo y que no pensaba ir a la ceremonia porque “Nadie quiere ver una versión sudorosa de mi (…) luciendo avergonzado. Entretener a Paul, creo, es el objetivo principal. Lo que sea que lo entretenga”.

Por su parte, promocionando la nueva película, Thomas Anderson dijo que Greenwood “solo luce como si no supiese lo que está haciendo” y alabó sus habilidades como compositor. Describiéndose como una persona “no muy musical”, el director explicó que Jonny encuentra la forma de transcribir lo que él “vagamente escucha en su cabeza” en forma de composiciones que siempre logran sorprenderlo. “Me cuesta un poco ponerme al día con lo que él piensa y crea y eso es parte de la diversión” explicó el americano.

La alianza musical entre ambos llevó a que Anderson dirigiese el vídeo musical para “Daydreaming”, el segundo single de A Moon Shaped Pool (el aclamado noveno álbum de Radiohead). Durante los seis minutos del videoclip, un Thom Yorke envejecido camina en un halo onírico, seguido por la cámara, atravesando un hospital, casas, un lavadero, negocios, bosques… Yorke abre puerta tras puerta, caminando sin observar con demasiada atención, mientras personas comunes y corrientes se mueven a su alrededor, sin notar su presencia. “Half of my life, half of my love” dice Yorke al final del vídeo, cuando encuentra reparo en una cueva. El trabajo ha sido leído tanto como una metáfora sobre la constante búsqueda de sentido como una narrativa simbólica sobre balancear la vida doméstica con ser parte de una famosa banda de rock.

El vídeo fue seguido por dos presentaciones mucho más minimalistas. Titulados “Jonny, Thom & a CR78”, en los videoclips se puede ver a York y Greenwood interpretando “Present Tense” y “The Numbers”, acompañados por una batería eléctrica Roland CR78 en la casa de Paul, en Tarzana, California. Thomas Anderson los ha llamado sus favoritos: “Tengo grandes memorias de estar grabando en mi patio trasero cuando ellos pasaron por el pueblo durante el tour. Solo un par de cámaras, un par de tomas mientras el atardecía. El único motivo fue la posteridad, y divertirnos. Quizá deberíamos hacer más” dijo el director al respecto el año pasado.

¿Quizá deberían hacer más? Creo que todos coincidimos en que sí.

Por Mariano Pugliese y Pablo Américo

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WHERE THE FUCK ARE ARCTIC MONKEYS?

Mientras esperamos nuevo material de los chicos de Sheffield repasamos sus numerosas colaboraciones que van desde Iggy Pop y Johnny Marr hasta Lana del Rey y Miles Kane.

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A la mitad de agosto del 2014, en medio de su tour más exitoso, los Arctic Monkeys desembarcaron en Tokio. En una entrevista, Matt Helders, mientras señalaba que “eran la banda más grande del mundo” y que Humbug les “había dado confianza para hacer algo diferente”, deslizó un comentario poco esperado: “De momento no hay apuros para hacer algo más. Este disco parece un buen lugar donde dejar las cosas por un tiempo”. Los meses pasaron y la banda cerró su gira con multitudinarios conciertos en Argentina, Chile y Brasil. La noche del 15 de noviembre, los Monkeys terminaron su setlist con una versión extendida de “R U Mine” y comenzaron su más largo silencio.

La siguiente reaparición de Turner fue en marzo del 2015, cuando colaboró en “Vertigo”, un tema del disco “The Great Pretenders” de Mini Mansions. Turner ya había colaborado previamente con Michael Shuman, el frontman de esta banda y bajista de Queens of the Stone Age. La relación constante entre los Arctic y QotSA parecía seguirse fortaleciendo. En junio del mismo año, Turner colaboró con Alexandra Savior en la canción “Risk” que cerró el capitulo quinto de la infame segunda temporada de True Detective. “Alex Turner es un excelente músico y está trabajando con esta chica Alex Semitone [Savior] que tiene un sentido de melodía, tono y arte muy interesante. Vinieron un día con esta canción en la que estaban trabajando y sonaba exactamente como esta temporada de True Detective” contó Bone Burnett, el encargado de la música de la serie, a la revista NME. Esto era solo el comienzo de una alianza que marcaría los siguientes años del artista.

En octubre se confirmó la salida de un nuevo disco de The Last Shadow Puppets, el side project de Turner y Miles Kane. En diciembre aparecieron una serie de trailers que incluían un segmento con Kane imitando al boxeador Ric Flair. El siguiente enero apareció el primer single: Bad Habbits. La canción incorporaba elementos de pop barroco, arreglos de cuerdas disonantes y toques de flamenco. Se anunció que el álbum se titularía Everything You’ve Come To Expect y que incluiría a Zach Dawes (Mini Mansions) sumado a los tres miembros originales. Además, pronto se supo que Matt Helders había prestado su voz para tres canciones del disco. Al tiempo apareció el video del tema homónimo que presentaba a los líderes de la banda enterrados en la arena de una playa, siendo atormentados por una mujer.

Turner expandía cada vez más sus horizontes musicales y parecía decidido a no volver con los chicos de Sheffield. Alexandra Savior, mientras tanto, germinaba como telonera de los shows de la banda. Para junio de 2016, el músico dijo que no había planes para otro disco de los Monkeys. “No los hay, realmente. No aún. Pero los habrá en algún punto. Quiero decir, vamos a ver. No hay apuro” declaró. En mayo Turner se unió a Alexandra Savior en el Hotel Café de Hollywood, tocando para menos de cien personas. En julio, los cuatro Arctic Monkeys aparecieron en público para promocionar una exhibición de arte en el Hospital de Niños de Sheffield. Durante el mismo mes Last Shadow Puppets realizó una presentación junto a Johnny Marr en Manchester. En agosto del 2016 Turner cerró su gira con Miles Kane y volvió al silencio.

Durante este período, Matt Helders, el mítico baterista de los Monkeys, también se mantuvo ocupado. Participó en el álbum “Joanne” de Lady Gaga, tocando la batería en el primer tema del disco, “Diamond Heart”, que fue co-escrito por Josh Homme. Una vez más los caminos de los Arctic Monkeys y los miembros de QotSA parecían no dejar de cruzarse nunca. En ese mismo año Helders contrajo matrimonio en Roma, con Breanna McDow. Pero posiblemente la aventura que más marco esta etapa del baterista fue su colaboración con Iggy Pop en el álbum “Post Pop Depression”. Helders se unió a la Iguana del Rock en conjunto con Josh Homme y Dean Fertita (QotSA, The Dead Weather). Acoplándose perfectamente a la guitarra de Homme, los teclados de Fertita y la voz rasgada de Iggy, Helders recorrió el mundo mostrando nuevas facetas de su talento musical.

Para diciembre del 2016 ya circulaban fotos del cuarteto deambulando por Sheffield y los rumores de un disco crecían. Ese mismo mes apareció un EP nuevo de The Last Shadow Puppets, “The Dream Synopsis”, que incluía reversiones de dos temas del disco nuevo y cuatro covers, destacando una versión de “Is This What You Wanted?” de Leonard Cohen. Alex Turner comenzó a mostrarse con barba a principios del año siguiente y generó la histeria de sus fanáticos. También se filtraron dos videos de él cantando karaoke con Lana Del Rey y Miles Kane que inundaron las redes sociales. Mientras los fans se distraían con esto, Turner se dedicó a producir y lanzar el disco debut de Alexandra Savior, “Belladonna of Sadness”, en conjunto con James Ford, el productor que acompaña la mayoría de los lanzamientos de los Arctic Monkeys. Savior ya había sacado tres singles en anticipación al disco el año anterior al mismo tiempo que Alex había incluido “Miracle Aligner”, un tema que compuso con ella, en el LP con Miles Kane. El álbum, que originalmente se titulaba “Strange Portrait”, recibió una producción sencilla siendo la mayoría de los instrumentos tocados por Turner y Ford, con algunas colaboraciones de Zach Dawes, mientras que Alexandra prestaba su voz en todos los demás.

Toda esta actividad opaca la vida de bajo perfil de Jamie Cook y Nick O’Malley, quienes completan el cuarteto indie. Cook se casó y fue padre mientras que O’Malley tuvo poco protagonismo hasta que a fines de septiembre del año pasado, hablando con la web sobre motocicletas For the Ride (O’Malley es un aficionado de las motos), confirmó que ese mes los Arctic Monkeys habían vuelto a grabar. En sus palabras, si el disco no salía para el 2018, la banda iba “a tener problemas”. Previamente, en abril, los cuatro miembros de la banda habían sido avistados en Los Angeles.

Y, después de cuatro años de inactividad, el doce de enero los ingleses anunciaron sus primeras fechas. No pasó mucho tiempo hasta que comenzó a repartirse la invitación al Casino y Hotel.

Texto por Pablo Americo y Mariano Pugliese

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Joy Division y la apuesta por un oscuro minimalismo

Tras la muerte de Ian Curtis, los integrantes de la banda decidieron, no casualmente, ir más allá y zambullirse en la New Wave y la nueva escena alternativa de los ’80.

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Tal y como se sostuvo en el artículo anterior acerca de la vanguardia postpunk y su voluntad por encarar una renovación estética del proyecto contestatario, Joy Division refleja un caso particular en ese proceso no solo por lo efímero de su duración en relación con las potencialidades que demostraba, sino también porque, tras la muerte de Ian Curtis, el resto de los integrantes decidieron, no casualmente, ir más allá y zambullirse en la New Wave y la nueva escena alternativa de los ’80.

Efectivamente, Joy Division incluyó en su propuesta novedosas líneas melódicas, inusuales conceptos rítmicos (incluyendo elementos normalmente asociados a la música de baile), el intercambio de los roles tradicionales del rock entre la guitarra y el bajo, el uso de sintetizadores y cajas de ritmos, dando como resultado un sonido premeditadamente minimalista capaz de crear una atmósfera densa y oscura en sus oyentes. Una energía desafiante que se presiente como una sombra en el pulso de la canción, pero que nunca se manifiesta explícitamente.

Probablemente, esa atmósfera sea producto también de una emocionalidad contenida, algo tan extremo y desesperado como en el grito que no se oye en el cuadro de Munch. Allí se encuentra parte de la identidad de Joy Division: Ian Curtis, con voz de barítono, manifestando toda su expresividad pero alejado del histrionismo que caracterizaba a los rock stars del período anterior. Los instrumentos, tocados sin demasiados arreglos pero con cierta intensidad, compartían la sencillez propia de las primeras bandas punk aunque sin esa estridencia.

Por otro lado, el uso de los teclados con algunas reminiscencias del krautrock facilitaba la sugerencia de ritmos bailables que abrieron paso a repeticiones obsesivas de dos o tres acordes, al modo de una versión tímbricamente más austera y electrónica de los Velvet Underground, una influencia crucial para la banda. De tal modo, no era inocente que en su estética abundaran los tonos grises con invocaciones a la moda en tiempos de la Segunda Guerra Mundial.

Asimismo, la manera de presentarse en vivo ofrecía una puesta en escena que rehuía cualquier artificio común en otras bandas de la época. Con la excepción del extravagante modo de bailar de Curtis (que se asimilaba a los movimientos convulsivos propios de la enfermedad que padecía), Joy Division prescindía de cualquier teatralidad que distrajera de la atmósfera oscura que construía: la inexistencia de juegos de luces, de humo y de diálogos con la audiencia daban cuenta de ello. Aunque pareciera una improvisación, se trataba de una cuidadosa actuación que buscaba manifestar la inexistencia de cualquier elemento de performance.

En cuanto a sus crípticas letras, las temáticas versan entre referencias marginales que Ian Curtis hace de su enfermedad (por ejemplo en “She’s Lost Control”) y cierta poesía urbana. Sin dudas, Joy Division se alejó de la denuncia social para dar lugar a referencias literarias, y es posible rastrear allí ese elemento identitario del rock que es la autenticidad: de acuerdo con la definición de las relaciones del arte con la modernidad que establecen autores como Gautier y Baudelaire en el siglo XIX, el «artista moderno» debe atender a lo que sucede a su alrededor para ser capaz de captar el espíritu de su tiempo.

Así, el postpunk en general y Joy Division en particular, rescataron esa herencia legada por los Beatles –quienes forjaron el proyecto estético del rock sesentista a partir de la articulación de elementos de la cultura popular y de la “alta cultura”– a partir de una nueva apuesta que, si bien adoptó el minimalismo que el movimiento punk le imprimió a la música rock, permitió el ingreso de sonidos e instrumentos novedosos representando, de tal manera, la oscuridad y la decadencia que predominaron en la Europa de finales de los ’70 y comienzos de los ’80.

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Johnny Marr ataca de nuevo

Desde que Johnny abandonó The Smiths allá por 1987 y abrió una enorme zanja en el mundo del rock independiente mundial, hasta ahora todavía abierta, no paró nunca de edificar pacientemente su propia carrera.

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Es que esa fue la razón por la cual decidió resignar una larga gloria asegurada y arrojar por la borda semejante banda: ya vivir debajo de las polleras del abrasivo Morrissey no sólo se estaba volviendo sofocante y hasta nocivo para su salud (en los últimos meses de vida del cuarteto de Manchester  el pequeño John se tenía que clavar una botella de Bourbon cada vez que debía salir a escena), sino que sentía internamente que al lado -o mejor dicho, detrás – de un personaje de tamaño calibre nunca iba a ser él mismo, siempre iba a ser el eterno segundón en The Smiths.

Tras participar de discos de The TheTalking HeadsPretendersPet Shop Boys y Bryan Ferry, y de darle forma al irregular combo Made In Manchester Electronic, con el cerebro de New Order Bernard Sumner, ya entrados los 2000 Johnny hizo escuela garagera con su propia iniciática banda Johnny Marr & The Healers (Boomslang, 2003, con Zack Starkey en bateria), con los estadounidenses Modest Mouse (We Were Dead Before The Ship Ever Sank, 2007), y el furioso y jovencísimo trio de Yorkshire The Cribs, con quienes grabó Ignore The Ignorant (2009). Todo este derrotero, en algunos aspectos y con el producto realizado en mano algo carente de sentido para lo que nos tenía acostumbrados el brillante guitarrista, compositor y productor, sirvió para quedarse con la razón de su lado y poder construir un presente minuciosamente edificado.
Es que Johnny, a partir de 2013, luego de tantos años de haber acuñado el sueño del nombre propio al que todo el mundo quiere y desea contar como invitado en su próximo disco, destapó una sorpresa solista que tan bien suena, que lleva ya dos discos de estudio, más uno en vivo por demás contundente, y a las puertas de lanzar el tercero con un adelanto a la altura de su leyenda. Con The Messenger (Febrero de 2013, que contiene uno de los más hermosos temas post-Smiths compuestos por Johnny, New Town Velocity) rompió el molde con un sonido brillante y prístino, y hasta cantando sorprendentemente. Playland (6 de Octubre de 2014) confirmó que el debut no había sido una excepción; y el contundente LP en directo Adrenaline Baby (Octubre de 2015) asintiendo su gran momento.
 Y ahora en pleno 2018 lo tenemos al guitar hero comunicando la salida de su nuevo trabajo Call The Comet, que verá la luz el próximo 15 de Junio y que cuenta ya con un seductor single adelanto (The Tracers). Con gira confirmada de 12 shows que arranca en Dublin a principios de Mayo, esperamos con ansias que vuelva a Argentina a consolidar el romance con el público local tras dos cálidas visitas previas.
 

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