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Forever Changes, de Love: cuando el tiempo da la razón

Hace cincuenta años la banda de Arthur Lee editaba su tercer álbum, un disco ignorado por sus contemporáneos cuando fue lanzado y que luego la historia se encargó de colocarlo en su merecido lugar, entre las grandes obras maestras de la historia del rock.

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Hace cincuenta años la banda de Arthur Lee editaba su tercer álbum, un disco ignorado por sus contemporáneos cuando fue lanzado y que luego la historia se encargó de colocarlo en su merecido lugar, entre las grandes obras maestras de la historia del rock.

El Verano del Amor había concluido recientemente y en su cosecha contaba con discos que de inmediato generaron gran impacto y se metieron en la historia dorada del rock. The Doors, Younger Than Yesterday, Are You Experienced, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band y The Piper at the Gates of Dawn son algunos de los pesos pesados de aquel período, que tuvo a la cultura hippie en su apogeo y a la ciudad de San Francisco como epicentro. Muchos no lograron sobrevivir a aquellos meses intensos de 1967 y otros pagaron las consecuencias tiempo después. Oriundos de Los Angeles, Arthur Lee y los suyos no se sentían identificados con el optimismo y la voluntad de cambiar el mundo que promovía el movimiento flower power. Se encontraban en la mansión de Bela Lugosi, en pleno Hollywood, metidos en un pozo profundo de LSD y heroína del que parecía que nunca más saldrían. Para Lee, un joven de 22 años a quien los pensamientos fatalistas atormentaban y hacían creer que su muerte estaba cerca, la grabación de Forever Changes significaba su último gesto artístico en el mundo.

El principal atractivo de Love era su sensibilidad pop expresada a través de composiciones barrocas, con sutiles arreglos vocales y dulces melodías que revestían la poesía melancólica y ácida de Arthur Lee. Su figura generaba gran magnetismo arriba del escenario y varios colegas, como Jimi Hendrix o Jim Morrison, lo tenían de referente. Si bien musicalmente estaban más cerca de The Byrds, la actitud de Love era tan rockera como la de The Rolling Stones o The Doors, estos últimos recomendados por el mismo Lee para ser fichados por el sello Elektra Records.

Muchos sostienen que el escaso éxito comercial de Love en comparación con sus contemporáneos se debió a la negativa de Arthur Lee de salir de Los Angeles para girar, como también a la falta de apoyo de Elektra. La discográfica paulatinamente fue destinando buena parte de su estructura al incipiente ascenso de la banda de Morrison y compañía, que lanzó su segundo álbum, Strange Days, un mes antes de la salida de Forever Changes. La competencia dentro del sello entre las dos bandas terminó siendo desigual, dado que el tercer disco de Love alcanzó el puesto 154 de la Revista Billboard, mientras que el segundo trabajo de The Doors llegó al número 3.

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El disco comienza con “Alone Again Or”, su tema más conocido y una de las dos canciones que no compuso Arthur Lee, sino Bryan MacLean. Es sabido que gran parte de las internas de Love se debieron a la lucha compositiva entre los dos guitarristas, lo que terminó provocando que sólo Lee continuara con la banda luego de Forever Changes. “Alone Again Or”, una especie de flamenco psicodélico, representa a la perfección el espíritu del álbum, con su poesía desencantada recitada por MacLean y Lee, entre guitarras españolas y trompetas de mariachis que trazan suaves olas y llevan aire fresco a las playas californianas. “A House Is Not a Motel”, guiño a “A House Is Not a Home”, de Burt Bacharach, relata, en tiempos de Guerra de Vietnam, cómo el agua se convierte en sangre y las noticias en películas, a través de un nervio más rockero con una marcada presencia de la batería de Michael Stuart y un solo de guitarra eléctrica que finaliza la canción en fade out y da paso a la acústica de “Andmoreagain”, dulce balada con delicadas cuerdas que acompañan el lamento de Arthur Lee y permite intuir que se está en presencia de un disco notable.

“Old Man” es la otra canción escrita y cantada en solitario por MacLean, que con una voz temblorosa parece resquebrajarse en cada verso. “The Red Telephone” funcionaba como un manifiesto para Arthur Lee, que sentía la muerte a su acecho; una dama peligrosa pero a la vez seductora que se había llevado la vida de gran parte de su generación: “Sitting on the hillside / Watching all the people die / I’ll feel much better on the other side / I’ll thumb a ride” (“Sentado en la colina / Mirando a  todas las personas morir / Me sentiré mucho mejor en el otro lado / Voy a dar un paseo”). “Maybe the People Would Be the Times or Between Clark and Hilldale” continúa con el sabor hispano de la guitarra acústica, pero ahora en un tempo más arriba, con las trompetas y la ajustada batería marcando el paso.

“Live and Let Live” es uno de los pocos temas que tiene a la guitarra eléctrica al frente, siempre secundada por la base acústica de rock folk. Su primera línea, “Oh, el moco se ha endurecido contra mis pantalones / Se ha convertido en cristal”, destaca el humor surrealista de Lee, que sabía cómo esquivarle con irónicas letras a la solemnidad por momentos panfletaria de la época, al igual que en “The Good Humor Man He Sees Everything Like This”, una burla hacia el Verano del Amor y el flower power mediante el simplismo deliberado de su lírica. “Bummer in the Summer” también va por esa misma lógica, pero en este caso para narrar una comedia de amor libre y mundano en clave country rock. La canción que cierra el disco es la majestuosa “You Set the Scene”, una suite de casi siete minutos en la que Lee da rienda suelta a su poesía lisérgica para pintar un gran mural con los colores más bellos de la Tierra, demostrando que el rock y lo sublime del arte iban de la mano (no fue casual que la mítica portada psicodélica la haya creado un artista de culto como Bob Pepper). Un final soñado, perfecto.

Aunque en el Reino Unido tuvo mejor aceptación que en Estados Unidos, alcanzando el puesto 24 del chart británico, Forever Changes no recibió el crédito que le correspondía en su momento. Sólo el paso del tiempo acomodó las cosas y lo puso en el lugar que se merece, entre las grandes obras maestras del rock. Un disco que, mediante de la desesperanza y crítica pesimista de Arthur Lee, se adelantó a su época al vislumbrar el final de la utopía hippie y la inocencia del flower power –algo que ocurriría dos años después con la tragedia del Festival de Altamont–. Lee no murió antes de los 30 años cómo presagiaba y mantuvo con vida a Love después de Forever Changes, prescindiendo del resto de la formación clásica para sacar discos irregulares y con el éxito esquivo de siempre. Atravesó épocas muy oscuras sumido en las adicciones y en 1995 cayó en prisión, donde pasó seis largos años por uso de armas de fuego. Antes de su muerte, en 2006, vio cómo le llegó el reconocimiento a su obra cuando las principales revistas y portales de música colocaron a Forever Changes en las listas de los mejores discos de la historia. Quizás algo tarde para un músico tan influyente y para un álbum que cooperó a que el rock sea una de las máximas expresiones artísticas del siglo XX.

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Blossoms – “Cool Like You “

La banda de Manchester lanzó su segundo trabajo discográfico luego de presentar por casi dos años su disco debut, desde el los pubs de su Stockport natal hasta los grandes festivales del verano europeo.

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El segundo disco del quinteto generó una gran expectativa. Suele pasar cuando un debut es tan sólido como lo fue el disco homónimo lanzado en 2015. Ese primer trabajo contenía una catarata de hits que posicionó a la banda como la nueva gran cosa salida del semillero de Manchester. Fieles a la tradición de esa ciudad tan musical, la espera para sus shows fluía con una lista con lo mejor de su tierra: The Stone Roses, Electronic, New Order, The Smiths.

Cool Like You, el nuevo disco, tiene una colección de canciones igual de llamativas con un sonido más definido, la banda va encontrando su propio lenguaje y deja de ser un entramado de referencias para encontrar su identidad.

“There’s A Reason Why (I Never Retuned Your Calls) y “I Can’t Stand It” abren el disco con ganas de sonar en las radios y seguir construyendo su carrera a base de canciones producidas para llamar la atención. El video de la primera nos muestra a los jóvenes integrantes de Blossoms de gira por oriente, viviendo todo ese encantamiento de cada banda británica que va a Japón. El tema que da título al disco es el más electrónico y completa la paleta de lo que pueden ofrecer: algo indie, algo más clásico y algo que coquetea con la pista de baile.

“Unfaithful” suma groove, “How Long Will This Last?”, tercer corte del disco, vuelve a la balada de temática amorosa y el tempo bailable vuelve a subir con “I Just Imagined You”.

La edición deluxe que se puede escuchar en Spotify y otras plataformas de streaming tiene una segunda versión del disco con la misma cantidad de canciones, en el mismo orden, pero en formato acústico. Este bonus permite disfrutar las canciones desnudas y comprobar que ninguna se sostuvo en la parafernalia de la producción pop para justificar su lugar en el tracklist. Destaca la canción de cierre del disco: “Love Talk”, un momento que potencia su intimidad en esta versión despojada.

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Uno Dos Tres 14: El disco argentino tributo a U2

Se trata de un homenaje realizado por distintos artistas a los casi cuarenta años de carrera de U2.

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Se presentó el tercer álbum homenaje realizado por Discos Perfectos y está conformado por 12 artistas de diversos puntos de la Argentina que hacen covers de algunas de las canciones más celebres del cuarteto irlandés con la premisa de jugar, de adueñarse de una obra profundamente arraigada en el inconsciente colectivo para animarse a reformularla utilizando y maximiznado los recursos disponibles.

Uno, dos, tres, 14 va de grabaciones en estudio y perfil alto como la versión de Ramiro Abrevaya a registros casi caseros, íntimos, rozando el low fi, como el que ejecuta Shura Multivac. Una apasionante muestra de amor hacia los autores del conteo en español más bizarro de la historia.

No hay texto alternativo automático disponible.

Discos Perfectos nació como un blog en agosto de 2010 ideado por el periodista Fernando Cárdenas. Un intento por descubrir, difundir y compartir música, desde el mainstream hasta todas aquellas propuestas alejadas de los grandes radares. Ese trabajo de búsqueda constante derivó en la publicación de varios compilados que contienen las canciones de los más diversos artistas independientes y en la producción de dos discos tributo de íconos como lo son David Bowie y Gustavo Cerati.

La lista de canciones

  1. Ramiro Abrevaya – Lo que busco (I still haven’t found what i’m looking for)
  2. Azcurra – With or without you
  3. The Kavanaghs – Stuck In A Moment You Can’t Get Out Of
  4. Full Chamba – Running to Stand Still
  5. Leo Acevedo – Desire
  6. Fede Cabral – All I want is you
  7. Idílica – Where the streets have no name
  8. Shura Multivac – One tree hill
  9. Quinta – Stay (faraway, so close)
  10. Apolo Beat – La cosa más dulce
  11. Lautremont – Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me
  12. Rudy – With or without you
  13. Leo Acevedo – Until the end of the world

El disco completo puede escucharse acá.

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THE NOW NOW: El nuevo disco de Gorillaz

Gorillaz presentó su sexto disco sin grandes novedades, con la clara intención de conformar a los oyentes. ¿Lo logra?

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El sexto disco de Gorillaz fue, desde un principio, presentado como una especie de bonus track extendido de Humanz y, al mismo tiempo, como un consuelo para aquellos fans que se sentían decepcionados por la poca presencia de Damon Albarn en el último lanzamiento. Y en ese sentido, Gorillaz cumplió. Sí, 2D canta todo el tiempo y suena mucho más al Gorillaz clásico. Si, se nota esta mas trabajado que The Fall y ya lo sabíamos hace tiempo. Ahora viendo el resultado afirmamos que The Now Now es un disco sin mucho que decir.

Humanz, con todos sus excesos y carencias, es un disco con personalidad. Y, al igual que los anteriores de la banda, presenta algún tipo de historia o concepto (en el caso de Humanz, una fiesta pre-apocalíptica). A excepción de algunas tímidas referencias a política internacional en “Humility”, The Now Now carece de la crítica social de Plastic Beach y Humanz, pero tampoco tiene la mitología del primer disco y Demon Dayz. Las únicas temáticas que recorren las canciones (sensaciones de soledad y alienación, mezcladas con una vaga esperanza) representan una introspección mas esperable de un disco solista de Albarn. Al final del día, el nuevo longplay se alinea junto a The Fall, un disco compuesto durante una gira que, en este caso, sirve como excusa para seguir de gira durante un año más. Una mirada pesimista lo vería como un cash-grab de Damon.

A pesar de las temáticas ya nombradas, The Now Now es mucho más optimista que Humanz. El apocalipsis quedó atrás, y ahora 2D canta sobre el “nuevo mundo” y “sobre dejar el aislamiento” (hablando específicamente a las letras de “One Percent” y “Humility”). El disco tiene un sonido mucho más coherente y continuo que los anteriores LPs de la banda, sin demasiado espacio para la experimentación y para la mezcla de géneros. La música se reduce a sintetizadores y beats eléctricos (y la divertida guitarra de George Benson en el primer tema), pareciendo en muchos sentidos una versión minimalista de Plastic Beach.

A grandes rasgos, las canciones son buenas.  “Humility”, “Hollywood”, “Sorcererz” y “Magic City” son las estrellas del disco. “Idaho” suena muy a algo salido de The Fall. “Fire Flies” y “One Percent” recuerdan a “Andromeda” y “Busted and Blue” (de Humanz). “Lake Zurich” es un bonito intervalo que por momentos suena a LCD Soundsystem. Aunque no me parece justo hablar de relleno, sí se puede señalar a “Tranz”, “Kansas” y “Souk Eye” como los temas menos destacables del disco.

The Now Now es un disco entretenido que no va a ganar nuevos adeptos a Gorillaz ni tampoco tiene grandes novedades que ofrecer a sus fanáticos. A decir verdad, parece el primer disco de Gorillaz dirigido hacia los “fans nostálgicos”, e incluso puede pasar como un disco demagogo. Es divertido, alegre y muy fácil de digerir, estando marcado por la presencia central de Damon y una producción prolija. Aquellos que no disfrutaron de Humanz, posiblemente encuentren en The Now Now lo que les faltó el año pasado.

A dieciocho años de la salida de “Tomorrow Comes Today”, Damon Albarn tiene derecho a hacer lo que quiera con su proyecto más preciado y The Now Now es una buena noticia para cualquier amante de Gorillaz (o para cualquier melómano con ganas de escuchar algo bueno).

Eso sí,  todos vamos a esperar que el inevitable octavo disco sea más sorprendente y ambicioso, después de este agradable trip nostálgico que representa The Now Now.

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