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Entre Ríos: “La cultura rock se pasó del lado del entretenimiento”

En un día de lluvia los integrantes de Entre Rios caminan apurados para no mojarse. Acaban de terminar la prueba de sonido en un MALBA muy concurrido. Lolo vuelve hacia la plaza y Sebastián se queda para contar a Ultrabrit el presente de la banda.

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En un día de lluvia los integrantes de Entre Rios caminan apurados para no mojarse. Acaban de terminar la prueba de sonido en un MALBA muy concurrido. Lolo vuelve hacia la plaza y Sebastián se queda para contar a Ultrabrit el presente de la banda.

Sebastián Carreras, fundador de Entre Ríos es, tal vez, una de los personajes más lúcidos de la escena local para conversar sobre el mix de música y tecnología. Entre Ríos presenta la instalación audiovisual SIN en el marco del 16 aniversario del MALBA y esta es una ocasión propicia para encontrarnos con él. Con poco preámbulo, define con claridad el espacio en el que se ubica la banda en el contexto contemporáneo:

Lo que veo es que hoy el valor agregado de hacer algo artístico está ausente. No es algo que se aprecie, toda la cultura del rock se tiró completamente para el lado del entretenimiento. Queda fuera cualquier otra cosa que tenga una inquietud artística. No está mal. No estoy juzgando.

¿Cómo se armó la instalación SIN? ¿Cómo desarrollaron este trabajo en el marco de la carrera de Entre Ríos?

Tomamos toda la información digital de la que disponemos. Trabajamos con archivos de información musical e información de imagen de modo análogo, con esos dos materiales construimos el formato de instalación, lo que intentamos hacer es transmitir un mensaje artístico similar al que transmitíamos cuando el grupo empezó en el año 2000.

¿Por qué lo comparás con esa instancia?

Porque entonces hicimos lo mismo, apareció la forma de trabajar el sonido de alta definición a través de lo digital. Con una computadora en tu casa, con un par de programas, vos podías hacer música. Hasta ese momento no era posible porque la única forma de obtener un trabajo de calidad profesional era ir a un estudio de grabación y un estudio de grabación es caro, para hacer eso necesitás estar dentro de una industria. Lo que hizo esta democratización del audio es que cualquier chico en su casa pudiera hacer una música de buena calidad, de ahísurge la pregunta: bueno, si yo puedo hacer esto solo, ¿para qué necesito esa industria? Puedo tener un master sin necesidad de que nadie lo pague. Entonces, si no necesito alguien que me lo pague, puedo hacer lo que quiero. Eso generó todo un cuestionamiento artístico que empezó a partir del 2000 y cuando aparece la posibilidad de traficar música en las redes, también aparece la posibilidad de bajar música y empieza a haber un conflicto en la industria, la industria empieza a ver algo que se le va de las manos porque uno puede tener música gratis.

-¿Qué cambios detectaste en la música a partir de ese momento?

La música se hizo de derecha, se fue todo a la industria del entretenimiento, por eso hoy cualquier cosa interesante que pasa en la cultura del rock está en los festivales. Los festivales son como un parque de diversiones, creo que al Lollapalooza lo único que le falta es una montaña rusa. No me parece mal porque vas y te divertís y la pasás bien, te distraes. El tema es que para cualquier músico, para cualquier persona que trabajó dentro de la tradición del rock y esté en un momento en el que hacer algo que genere rupturas, hoy no hay lugar para eso.

Cuando empecé a tener inquietudes artísticas fue dentro de la cultura del rock. Yo tenía 13, 14 años y escuchaba The Cure. Veías a Robert Smith y decías: Wow, esta gente, de qué planeta viene, yo quiero hacer algo así, quiero formar parte de algo que sea diferente. Creo que hoy, como la cultura rock se pasó del lado del entretenimiento mucha gente como yo, gente más vinculada a las artes plásticas, a lo visual, descubre que esas inquietudes necesitan otras formas para desarrollarse.

Tu concepto de impresionismo digital ¿Remite a lo pictórico o a la furia creativa de Debussy?

Estos momentos, están marcados por la posibilidad de intercambiar archivos digitales, en diversos formatos, para diversos usos, gracias a internet. Hace unos diez años que tenemos estos aparatos, (señala su smartphone) y recibimos todo por ahí. Es lo que estamos viviendo. Pero creo que ahora empiezan a aparecer estos huecos donde decís: vivimos así, dentro del flujo digital pero: ¿en qué momento me puedo conmover dentro de toda esta maraña de información? ¿En qué momento me puedo conectar con algo espiritual? Porque esto es lo que sucede con el arte.

Yo creo que para disfrutar de lo digital tenemos que encontrar la interfaz. Así como para ver un cuadro la interfaz son los ojos, la vista. Fijate estos teléfonos, son táctiles, los escuchás, los ves y obtenés un montón de información. Ese es el momento en el que estamos todos ahora. Enfatiza para que no olvidemos.

-¿Cómo se sobrevive en el flujo digital?

Me pasó la semana pasada, el algoritmo te sigue y te recomienda cosas. Escucho música, el algoritmo es inteligente, te está escaneando todo el tiempo, te está definiendo y te está brindando información sobre aquello que vos tenés que ser o hacer.

Spotify me recomienda nuevas ediciones, cinco discos el mismo día de bandas que escuché, que me gustan, que quiero escuchar. Pero no voy a tener tiempo para escuchar esos cinco discos porque la semana que viene van a salir otros cinco. Entonces, qué pasa con eso. A la hora de hacer música yo también me lo planteo, ¿voy a poner otro disco más ahí para que otra persona a la que le gusten otros cinco artistas aparte de mí reciba el mismo día la misma información y no pueda asimilarla? Instala el tema en la discusión.

-¿Cómo se inserta SIN en esa marea de data digital?

La instalación dispone un lugar donde vos podés tener una experiencia artística dentro de un timing posible. Esta instalación tiene una duración aproximada de experiencia entre 15 y 20 minutos como máximo. Es el tiempo que vos podés estar mirando un cuadro que te súper conmueve. No mucho tiempo más. Vos hacés una captura y eso después te tiene que provocar algo.

Antes existía la experiencia de escuchar un disco setecientas veces pero ya no. Ponele que decís: escucho este disco cien veces, y lo hacés desde el teléfono que te está notificando cosas y querés saber qué hablan de vos en las redes. Hay un montón de situaciones por las que eso ya no es posible. Creo que esto de las instalaciones tiene que ver con aplicar toda esa carga emotiva que uno podía poner en esa experiencia de repetición constante en otro contexto donde sea posible vivenciarlo. 

¿No te parece que a veces a los espectadores se nos expone a mucho contenido pero terminamos quedando afuera? Me da esa sensación cuando veo espectáculos con elementos digitales.

Leí sobre eso, se llama espectacularización.  En la instalación lo que quisimos hacer es jugar en contra de eso, tenemos un montón de proyectores, un montón de sonido, software y demás pero lo que estamos haciendo es tratar de sustraernos de esa trampa fácil. Los espectadores lo van a ver y van a decidir si se logra o no.

Podés abusar de ese recurso y podés espectacularizar pero perdés la capacidad emotiva. Tenés que encontrar un equilibrio, administrar la cantidad de información que estás brindando en pos de quien la recibe.

El proceso este, como lleva tantos años, ya tampoco te sorprende. Antes los vj te ponían una pantalla y te tiraban de todo, pero ya está, todo tiene su momento en que es novedad, después te acostumbrás y después ya te hartás.

¿Por qué la poesía de Entre Ríos puede funcionar como guion de esta mecánica narrativa?

Cualquier grupo podría trabajar con este formato, uno de danza, de teatro, un director de cine. Entre Ríos puede hacer esto. No sé si Tan Biónica lo puede hacer, en el sentido de que te tiene que acompañar una lírica, te tiene que acompañar una carrera, te tiene que acompañar una forma de interpretar las cosas. Incluso si Babasónicos lo hiciese, sería distinto.

Lo que puede hacer Entre Ríos desde el lugar en que está es proponer algo y que ese algo sea más importante que el grupo pero que el grupo, de alguna forma, lo esté garantizando, de alguna manera artística, a nivel conceptual. Entre Ríos mantuvo un concepto desde que empezó y esto es parte de ese concepto. Cuando empezamos en el año 2000 usamos las nuevas disponibilidades para tratar de hacer algo diferente y ahora estamos haciendo lo mismo.

¿Y todo el montaje, todo el trabajo, cómo se concilia con el carácter efímero de las instalaciones?

Lo efímero también hace que sea más importante. Cuando vos tenías un disco, un objeto, era algo permanente. Yo tenía una colección enorme de discos hasta que decidí deshacerme de ellos y despuésvinieron los dvds. Sigo viendo películas en dvd pero porque estoy encaprichado, podría no hacerlo, tambiénme quedan los libros. Podría vivir en un monoambiente sin nada sin libros, sin discos, está todo acá, (señala de nuevo el smartphone),eso también es algo efímero porque, ¿qué pasa si se te cae al agua? Por unas horas no vas a tener absolutamente nada.

Refiere una anécdota: A mí me pasó, este año fuimos a tocar a Madrid, a una feria de arte, hicimos otra instalación y tenía que ir a una cena e iba con el gps del celular. En un momento se me murió, quedó sin batería y me quedé en medio de Madrid, en una noche de invierno, tampoco sabía la dirección porque estaba dentro del teléfono y pensaba: qué frágiles nos volvimos.

Creo que es un sentimiento colectivo…

El contenido, al ser digital también está dentro de ese universo de discos rígidos y cosas que no tienen valor en absoluto, el único valor es cuando hacés que todo eso funcione en tiempo y espacio, que el espectador venga en un momento y vea eso que sucede pero claro, también es efímero, no es un templo romano que vas y está todavía ahí.

Sebastián completa la idea, la acota: No se busca hacer un cuestionamiento de lo que sucede sino, con lo que sucede tratar de seguir generando hechos artísticos, tampoco es distópico. Se puede decir: vivimos en un mundo de mierda, está todo mal, ya no sentimos, ya no queremos, ya no nos vinculamos. Pero no, yo estoy diciendo: vivimos en un mundo de mierda con miles de artefactos pero podemos intentar seguir vinculándonos, emocionándonos y conmoviéndonos.

La instalación SIN está disponible hasta este viernes a las 22hs en el MALBA de manera gratuita. Para más información entérate acá  http://www.malba.org.ar/evento/entre-rios-sin/

Foto: Martín Yapur

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Valle de Muñecas: “Lo importante es hacer las canciones que tenemos ganas de hacer, nunca nos guiamos por el mercado”

La banda que este año está cumpliendo una década y media de existencia se planta de manera honesta y fiel a sus convicciones dentro del universo del rock local.

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Shoegazing, punk, melodías pop y muchas cosas más conviven dentro del universo Valle de Muñecas. “Hay muchas bandas que influencian a Valle de Muñecas, Television, R.E.M., Smiths, Sonic Youth, Dream Syndicate, Jesus and Mary Chain, Pixies, Husker Dü por citar algunas pero también cosas más actuales como Arctic Monkeys, Strokes, Raveonettes, DIIV, Parquet Courts, etc. Nosotros empezamos todos tocando en bandas Punk, así que eso también es algo que está muy presente en el sonido y en la actitud”, dice Fernando Blanco para explicar un poco el ADN de la banda.

Valle de Muñecas fue, de alguna manera, la continuación y evolución de Menos que Cero, donde Manza ya componía cosas como “Cartas” y “Kodak 74”,  dos canciones que podrían tranquilamente formar parte del repertorio actual de Valle de Muñecas.  “La diferencia entre Valle de Muñecas y Menos que Cero es que es otra gente la que me acompaña, y cada uno aporta su bagaje personal de música escuchada. Y si bien yo sigo escuchando música que escuchaba hace 20 años cuando tocaba en MQC, pasaron muchas cosas desde entonces, y uno va descubriendo cosas nuevas todo el tiempo”, aclara Manza.

Cuando Valle de muñecas habla de influencias, no solo se centra en el plano internacional, también  recuerda a sus contemporáneos y hasta elogian a las nuevas generaciones del indie nacional.  “Yo miro todo el tiempo qué es lo que pasa acá, pero obviamente no nos ha marcado demasiado el clásico rock nacional. Encuentro más empatía con algunos músicos de mi generación (Francisco Bochaton, Rosario Blefari, Boom Boom Kid), y veo en El Mató y toda las bandas que vienen detrás al fin una escena que tiene que ver con la música que siempre escuché”, cuenta Manza.

A lo largo de los años, Manza y los suyos tuvieron una relación un poco distante y hasta extraña con la popularidad, pero fue con la publicidad de la Campagnola que apareció la elegante canción con aires folk “Tormentas”, para que hasta al más distraído se le peguen las primeras y poéticas líneas: “Soy el aire entre tus dedo, una más de mil maneras de fingir la primavera…”.

“Uno no hace las canciones sin esperar nada a cambio, nos gustaría ser más populares pero no estamos dispuestos a ceder nada para que eso suceda”, aclara Fernando. “Obvio que nos gustaría que nuestras canciones lleguen a la mayor cantidad de gente posible, pero no es una decisión solo nuestra, pesa mucho más lo que opinen el público y los medios para que esto ocurra. De todos modos, para nosotros lo más importante es hacer las canciones y discos que tenemos ganas de hacer, nunca nos guiamos por el mercado”, suma Manza para explicar un poco más la postura que Valle de Muñecas tiene con respecto al tema desde que están en la carretera haciendo canciones.

Los Valle de Muñecas siguen haciendo su camino sin mirar a los costados, haciendo lo que mejor saben hacer: Canciones.

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Simon Raymonde, ex Cocteau Twins, sobre su nuevo proyecto: “Nuestro álbum demuestra igualdad”

Años después de la disolución definitiva de Cocteau Twins y con la construcción de su propio sello discográfico, Simon Raymonde se unió al baterista Richie Thomas para crear Lost Horizons.

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Años después de la disolución definitiva de Cocteau Twins y con la construcción de su propio sello discográfico, Simon Raymonde se unió al baterista Richie Thomas para crear Lost Horizons. Su álbum debut, Ojalá (en español en el original), nos regala eso que a veces se pierde despacio entre murmullos y ruido, tan sanador y vital que algunos niegan y otros pueden confirmar, que se llama música.

Esta fue la charla que Raymonde mantuvo con Ultrabrit.

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Ultrabrit: Formaste parte de los legendarios Cocteau Twins, y cuando se separaron definitivamente le diste forma a tu propio sello, Bella Union… ¿Qué crees que le hacia falta a la industria para crear una discográfica como ésta?

Simon: Es una buena pregunta, creo que tuvimos muy malas experiencias con nuestros primeros sellos discográficos, relaciones malas, donde no había amistad, y finalmente en 1997 creamos nuestro propio sello con la idea de hacer nuestra propia música.

U: Suena a que crear tu propio sello discográfico es crear tus propias reglas…

S: Bueno sí, exacto, no tenés que preguntarle a nadie si lo que estás haciendo está bien. Simplemente lo hacés. Tomás las decisiones que querés, hacés los videos que querés, sólo lo charlas con tus compañeros. Obviamente es una teoría, la realidad es un poco diferente.

U: ¿Cuáles son los factores que la gente no puede ni imaginarse sobre tener un sello propio? ¿Qué es lo más difícil y qué es lo más divertido?

S: Lo más divertido o lindo es ver cómo las pequeñas bandas que llegan con sus demos comienzan a evolucionar y a crecer de nuestra mano, ganándose su público. Es un ejercicio a largo plazo. No se trata de los charts ni billboards, se trata de volverse la mejor versión de uno mismo como artista. Es algo que es más duradero que un hit, significa mucho más, es ser parte de algo con propósito.

U: ¿Creés que los álbumes físicos van a desaparecer?

S: Creo que soy de una generación en la que eso no va a pasar. Pero es cierto que hay una generación, la generación track, generación Spotify, que no saben lo que es escuchar un álbum completo. Si bien todo puede cambiar ya que esa misma generación está comenzando a revalorizar los vinilos como objetos vintage, pero quién sabe.

U: El nuevo disco de Lost Horizons se llama “Ojalá”. ¿Por qué el título en castellano?

S: Porque es una palabra muy importante, es una palabra hermosa, con un significado especial, no sólo para mí sino para el planeta en el que vivimos los ciudadanos del mundo en el presente. Tenemos muchas cosas por las que preocuparnos hoy, y ‘Ojalá’ es una expresión de optimismo y es tener un marco de positividad sobre que todo va a funcionar mejor no sólo para uno mismo si no para el mundo entero. Incluso haciendo algo pequeño, como un gesto para otra persona, una sonrisa, abrir la puerta a alguien mayor, eso le puede cambiar el día a alguien.

U: En su música hay muchas voces femeninas, ¿por qué tantas variaciones?

S: Supongo que porque me gustan las voces femeninas; ojo, igual que las masculinas, creo en un 50/50. Tal vez por cómo me criaron que el álbum demuestra igualdad. Creo que en el mundo hay muy pocas mujeres en puestos en los predominan los hombres, tanto en la radio, en la música, en los festivales, etc. Creo también que las acciones valen más que las palabras, tal vez por eso hay tantas voces femeninas en Ojalá.

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Greg Gonzalez de Cigarettes After Sex: “Es muy especial comprar un disco, es como una pieza de arte”

A días de su primera visita a la Argentina hablamos con la mente detrás de Cigarrettes After Sex, el grupo pop de Brooklyn que se enfoca en música ambiente y tiene seguidores por todo el mundo.

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A días de su primera visita a la Argentina hablamos con la mente detrás de Cigarrettes After Sex, el grupo pop de Brooklyn que se enfoca en música ambiente y tiene seguidores por todo el mundo.

Cuando hablamos con Greg Gonzalez, compositor de CAS, no estaba en Nueva York, donde vive hace años. Tampoco estaba de visita en El Paso, su ciudad natal. Greg nos contesta desde Bruselas, donde esa noche darán con su banda uno de los shows más convocantes de la gira europea que terminó recientemente. Desde que Cigarrettes After Sex cultivó visitas en su canal de Youtube que no paró de crecer, transformando singles en un EP y más tarde en su primer álbum de estudio, de hombre homónimo al grupo. Y entonces llegó el momento de que los seguidores los vean en vivo y así será en la próxima edición del Festival BUE.

Ultrabrit: ¿Cuál era el propósito de grabar un álbum tradicional cuando el medio que los hizo conocidos fueron las redes sociales y Youtube?

Greg Gonzalez: Creo que es algo que siempre estuvo en mi cabeza, solo que fue difícil decidirme en cómo hacerlo y cómo debía sonar. Hicimos el EP y pensé que estaba muy bien pero me costó un tiempo recapturar esa magia. Lo que pasó es que fui a Nueva York, encontré nuevas cosas y finalmente encontré el sonido que me gustaba. Con la canción Affection pensé “ok, esto suena bastante bien, es hora de armar un disco” y usamos el sonido de Affection como el sonido del álbum y basamos todo lo demás alrededor de ese sonido que me gustaba tanto. Eso tomó un tiempo.

Pero era algo que siempre quise hacer y creo que cualquier artista que importe quiere completar su trabajo. Ya sea un compositor clásico como Mozart o una banda como los Beatles, todos tienen una versión extendida de su trabajo que quieren sacar y mostrar cómo suena.

U: Habiendo generado un público a través de Internet, ¿qué valor tiene vender copias para vos?

G: Es interesante porque las cosas cambiaron con el streaming y eso es genial, o sea hay gente escuchando música y siempre ha sido así a través de los años ya sea con vinilos, CDs o MP3s y ahora streaming así que creo que es una cuestión de conveniencia, lo que es bueno. La gente debería tener fácil acceso a la música.

Cuando la gente compra discos significa que son fans, que hay algo que quieren coleccionar de la banda. Es muy especial que la gente quiera comprarlo, es como una pieza de arte en una casa. Son dos cosas diferentes, la gente que escucha por streaming y la disfruta hasta ahí y el coleccionista que quiere tener el vinilo. Son los dos válidos, los dos son buenos.

U: ¿Sos coleccionista?

G: Cuando era más joven solía tener una gran colección de vinilos y CDs pero cuando empecé a moverme tanto descubrí que no podía cargar todo eso conmigo así dejé de ser un coleccionista y ahora escucho música por streaming. Lo que sí quiero hacer es tener mis 10 discos preferidos en vinilo, eso es lo que principalmente quiero coleccionar, solo en caso que quiera poner uno, son álbumes muy especiales para mi.

U: Las giras son largas, ¿tenés la capacidad de componer y mantener el ritmo de viaje al mismo tiempo?

G: Sí. Vivo y respiro música, es todo espontáneo. Estoy tirado en la cama y una canción entra en mi mente y la grabo con mi teléfono y solo aparece de la nada. A veces estoy tocando la guitarra, invento una canción aunque no esté tratando de escribir una canción, es una cosa muy natural en mi, es como funciona mi mente.

U: No tenés ningún ritual especial…

G: Escribo cuando llega el momento. A veces tengo que estar a solas para trabajar en la letra. A veces, si quiero relajarme un poco, prendo una vela o me sirvo un trago de scotch. Pero son cosas que no puedo hacer muy seguido así que escribo donde sea.

U: ¿Cómo es el proceso creativo con el resto de la banda?

G: Soy un freak del control así que yo llevo las letras, las melodías y los acordes a la banda y ellos lo que hacen con todo eso es crearle un ambiente particular. A veces improviso con ellos pero la banda no escribe letras sino que le da un sentimiento de base al tema.

U: Tu música es especial para hacer de banda sonora de un film. ¿Con qué director te gustaría trabajar en algo así?

G: Me encantaría hacer una banda sonora, algunos de mis álbumes preferidos son soundtracks, son muy mágicos e influyen mucho en mi. Si hiciéramos una para una película creo que el director con el que me gustaría trabajar es Thomas Anderson. Ha hecho cosas muy buenas y creo que podríamos lograr algo juntos, si alguna vez tengo la chance.

U: ¿Qué esperás de tu paso por Sudamérica?

G: Estoy emocionado por ver cómo todo es, cómo es la gente. Parece que tenemos fans muy apasionados en Argentina, cuando hablo con ellos están emocionados por mi música. Creo que va a ser un buen show y va a ser divertido conocer a todos los fans.

Cigarettes After Sex son Greg Gonzalez, Jacob Tomsky, Phillip Tubbs, Randall Miller. Se presentarán por primera vez en Buenos Aires el 15 de diciembre, en el Día 1 del Festival BUE.

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