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Entre Ríos: “La cultura rock se pasó del lado del entretenimiento”

En un día de lluvia los integrantes de Entre Rios caminan apurados para no mojarse. Acaban de terminar la prueba de sonido en un MALBA muy concurrido. Lolo vuelve hacia la plaza y Sebastián se queda para contar a Ultrabrit el presente de la banda.

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En un día de lluvia los integrantes de Entre Rios caminan apurados para no mojarse. Acaban de terminar la prueba de sonido en un MALBA muy concurrido. Lolo vuelve hacia la plaza y Sebastián se queda para contar a Ultrabrit el presente de la banda.

Sebastián Carreras, fundador de Entre Ríos es, tal vez, una de los personajes más lúcidos de la escena local para conversar sobre el mix de música y tecnología. Entre Ríos presenta la instalación audiovisual SIN en el marco del 16 aniversario del MALBA y esta es una ocasión propicia para encontrarnos con él. Con poco preámbulo, define con claridad el espacio en el que se ubica la banda en el contexto contemporáneo:

Lo que veo es que hoy el valor agregado de hacer algo artístico está ausente. No es algo que se aprecie, toda la cultura del rock se tiró completamente para el lado del entretenimiento. Queda fuera cualquier otra cosa que tenga una inquietud artística. No está mal. No estoy juzgando.

¿Cómo se armó la instalación SIN? ¿Cómo desarrollaron este trabajo en el marco de la carrera de Entre Ríos?

Tomamos toda la información digital de la que disponemos. Trabajamos con archivos de información musical e información de imagen de modo análogo, con esos dos materiales construimos el formato de instalación, lo que intentamos hacer es transmitir un mensaje artístico similar al que transmitíamos cuando el grupo empezó en el año 2000.

¿Por qué lo comparás con esa instancia?

Porque entonces hicimos lo mismo, apareció la forma de trabajar el sonido de alta definición a través de lo digital. Con una computadora en tu casa, con un par de programas, vos podías hacer música. Hasta ese momento no era posible porque la única forma de obtener un trabajo de calidad profesional era ir a un estudio de grabación y un estudio de grabación es caro, para hacer eso necesitás estar dentro de una industria. Lo que hizo esta democratización del audio es que cualquier chico en su casa pudiera hacer una música de buena calidad, de ahísurge la pregunta: bueno, si yo puedo hacer esto solo, ¿para qué necesito esa industria? Puedo tener un master sin necesidad de que nadie lo pague. Entonces, si no necesito alguien que me lo pague, puedo hacer lo que quiero. Eso generó todo un cuestionamiento artístico que empezó a partir del 2000 y cuando aparece la posibilidad de traficar música en las redes, también aparece la posibilidad de bajar música y empieza a haber un conflicto en la industria, la industria empieza a ver algo que se le va de las manos porque uno puede tener música gratis.

-¿Qué cambios detectaste en la música a partir de ese momento?

La música se hizo de derecha, se fue todo a la industria del entretenimiento, por eso hoy cualquier cosa interesante que pasa en la cultura del rock está en los festivales. Los festivales son como un parque de diversiones, creo que al Lollapalooza lo único que le falta es una montaña rusa. No me parece mal porque vas y te divertís y la pasás bien, te distraes. El tema es que para cualquier músico, para cualquier persona que trabajó dentro de la tradición del rock y esté en un momento en el que hacer algo que genere rupturas, hoy no hay lugar para eso.

Cuando empecé a tener inquietudes artísticas fue dentro de la cultura del rock. Yo tenía 13, 14 años y escuchaba The Cure. Veías a Robert Smith y decías: Wow, esta gente, de qué planeta viene, yo quiero hacer algo así, quiero formar parte de algo que sea diferente. Creo que hoy, como la cultura rock se pasó del lado del entretenimiento mucha gente como yo, gente más vinculada a las artes plásticas, a lo visual, descubre que esas inquietudes necesitan otras formas para desarrollarse.

Tu concepto de impresionismo digital ¿Remite a lo pictórico o a la furia creativa de Debussy?

Estos momentos, están marcados por la posibilidad de intercambiar archivos digitales, en diversos formatos, para diversos usos, gracias a internet. Hace unos diez años que tenemos estos aparatos, (señala su smartphone) y recibimos todo por ahí. Es lo que estamos viviendo. Pero creo que ahora empiezan a aparecer estos huecos donde decís: vivimos así, dentro del flujo digital pero: ¿en qué momento me puedo conmover dentro de toda esta maraña de información? ¿En qué momento me puedo conectar con algo espiritual? Porque esto es lo que sucede con el arte.

Yo creo que para disfrutar de lo digital tenemos que encontrar la interfaz. Así como para ver un cuadro la interfaz son los ojos, la vista. Fijate estos teléfonos, son táctiles, los escuchás, los ves y obtenés un montón de información. Ese es el momento en el que estamos todos ahora. Enfatiza para que no olvidemos.

-¿Cómo se sobrevive en el flujo digital?

Me pasó la semana pasada, el algoritmo te sigue y te recomienda cosas. Escucho música, el algoritmo es inteligente, te está escaneando todo el tiempo, te está definiendo y te está brindando información sobre aquello que vos tenés que ser o hacer.

Spotify me recomienda nuevas ediciones, cinco discos el mismo día de bandas que escuché, que me gustan, que quiero escuchar. Pero no voy a tener tiempo para escuchar esos cinco discos porque la semana que viene van a salir otros cinco. Entonces, qué pasa con eso. A la hora de hacer música yo también me lo planteo, ¿voy a poner otro disco más ahí para que otra persona a la que le gusten otros cinco artistas aparte de mí reciba el mismo día la misma información y no pueda asimilarla? Instala el tema en la discusión.

-¿Cómo se inserta SIN en esa marea de data digital?

La instalación dispone un lugar donde vos podés tener una experiencia artística dentro de un timing posible. Esta instalación tiene una duración aproximada de experiencia entre 15 y 20 minutos como máximo. Es el tiempo que vos podés estar mirando un cuadro que te súper conmueve. No mucho tiempo más. Vos hacés una captura y eso después te tiene que provocar algo.

Antes existía la experiencia de escuchar un disco setecientas veces pero ya no. Ponele que decís: escucho este disco cien veces, y lo hacés desde el teléfono que te está notificando cosas y querés saber qué hablan de vos en las redes. Hay un montón de situaciones por las que eso ya no es posible. Creo que esto de las instalaciones tiene que ver con aplicar toda esa carga emotiva que uno podía poner en esa experiencia de repetición constante en otro contexto donde sea posible vivenciarlo. 

¿No te parece que a veces a los espectadores se nos expone a mucho contenido pero terminamos quedando afuera? Me da esa sensación cuando veo espectáculos con elementos digitales.

Leí sobre eso, se llama espectacularización.  En la instalación lo que quisimos hacer es jugar en contra de eso, tenemos un montón de proyectores, un montón de sonido, software y demás pero lo que estamos haciendo es tratar de sustraernos de esa trampa fácil. Los espectadores lo van a ver y van a decidir si se logra o no.

Podés abusar de ese recurso y podés espectacularizar pero perdés la capacidad emotiva. Tenés que encontrar un equilibrio, administrar la cantidad de información que estás brindando en pos de quien la recibe.

El proceso este, como lleva tantos años, ya tampoco te sorprende. Antes los vj te ponían una pantalla y te tiraban de todo, pero ya está, todo tiene su momento en que es novedad, después te acostumbrás y después ya te hartás.

¿Por qué la poesía de Entre Ríos puede funcionar como guion de esta mecánica narrativa?

Cualquier grupo podría trabajar con este formato, uno de danza, de teatro, un director de cine. Entre Ríos puede hacer esto. No sé si Tan Biónica lo puede hacer, en el sentido de que te tiene que acompañar una lírica, te tiene que acompañar una carrera, te tiene que acompañar una forma de interpretar las cosas. Incluso si Babasónicos lo hiciese, sería distinto.

Lo que puede hacer Entre Ríos desde el lugar en que está es proponer algo y que ese algo sea más importante que el grupo pero que el grupo, de alguna forma, lo esté garantizando, de alguna manera artística, a nivel conceptual. Entre Ríos mantuvo un concepto desde que empezó y esto es parte de ese concepto. Cuando empezamos en el año 2000 usamos las nuevas disponibilidades para tratar de hacer algo diferente y ahora estamos haciendo lo mismo.

¿Y todo el montaje, todo el trabajo, cómo se concilia con el carácter efímero de las instalaciones?

Lo efímero también hace que sea más importante. Cuando vos tenías un disco, un objeto, era algo permanente. Yo tenía una colección enorme de discos hasta que decidí deshacerme de ellos y despuésvinieron los dvds. Sigo viendo películas en dvd pero porque estoy encaprichado, podría no hacerlo, tambiénme quedan los libros. Podría vivir en un monoambiente sin nada sin libros, sin discos, está todo acá, (señala de nuevo el smartphone),eso también es algo efímero porque, ¿qué pasa si se te cae al agua? Por unas horas no vas a tener absolutamente nada.

Refiere una anécdota: A mí me pasó, este año fuimos a tocar a Madrid, a una feria de arte, hicimos otra instalación y tenía que ir a una cena e iba con el gps del celular. En un momento se me murió, quedó sin batería y me quedé en medio de Madrid, en una noche de invierno, tampoco sabía la dirección porque estaba dentro del teléfono y pensaba: qué frágiles nos volvimos.

Creo que es un sentimiento colectivo…

El contenido, al ser digital también está dentro de ese universo de discos rígidos y cosas que no tienen valor en absoluto, el único valor es cuando hacés que todo eso funcione en tiempo y espacio, que el espectador venga en un momento y vea eso que sucede pero claro, también es efímero, no es un templo romano que vas y está todavía ahí.

Sebastián completa la idea, la acota: No se busca hacer un cuestionamiento de lo que sucede sino, con lo que sucede tratar de seguir generando hechos artísticos, tampoco es distópico. Se puede decir: vivimos en un mundo de mierda, está todo mal, ya no sentimos, ya no queremos, ya no nos vinculamos. Pero no, yo estoy diciendo: vivimos en un mundo de mierda con miles de artefactos pero podemos intentar seguir vinculándonos, emocionándonos y conmoviéndonos.

La instalación SIN está disponible hasta este viernes a las 22hs en el MALBA de manera gratuita. Para más información entérate acá  http://www.malba.org.ar/evento/entre-rios-sin/

Foto: Martín Yapur

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Lara Pedrosa: “Para grabar mi disco tuve que romper varios límites”

La cantante y bajista Lara Pedrosa presentó “El Bosque del Recuerdo”, su primer álbum solista, y hablamos con ella sobre la creación de éste trabajo que le llevó cinco años.

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La ex No lo Soporto y actual integrante de Zero KIll, presentó en el mes de marzo su álbum debut como solista, obra grabada y editada a través de Twitin Records, el sello discográfico de Tweety González, y masterizada por Andres Mayo.Su obra tiene nueve canciones en los que participaron varios amigos y artistas que lograron retratar un momento de su vida de introspección y melancolía. Hoy Lara se encuentra buscando nuevos horizontes, trasladando su carrera al viejo continente y más segura que nunca. Sobre eso y otras cuestiones hablamos en esta entrevista.

Entrevista Fabiana Solano y Paz Varales.

Fotos: Mia Ferrari

Hace cinco años que venís trabajando en este disco y siempre perteneciste al ambiente de la música, ¿por qué crees que surgió recién ahora?

La idea de lanzarme como solista viene desde la ruptura de No lo soporto, de hecho para eso me alejé de la banda, no por esa razón especifica pero si con esa idea. Ni bien me fui de la banda me puse a trabajar con Ale Sergi de Miranda! en mis canciones solistas, pensamos en tener una banda, grabamos, hicimos un show, pero ellos enseguida sacaron un disco nuevo y ahí Ale me propuso hacer esos temas para mí. Acepté pero no sentía que sea representativo cien por ciento mio, él es un gran músico y ese sonido era muy Miranda!, quedaron ahí. Son canciones que están buenísimas y pienso retomarlas con mi estilo actual. Aparte me pasó que atravesé muchos obstáculos a nivel personal, relacionados con mi confianza en mi misma, me costó mucho encontrar mi voz y mi personalidad musical y me tomó ese tiempo. Después hablé con Tweety Gonzalez, tuvimos una charla que los dos recordaremos por siempre y empezamos a trabajar los temas juntos. A los tiempos lentos del estudio pero se avanzó, y los temas quedaron super bien, superan mis expectativas, estoy teniendo una retribución muy alentadora. Los comentarios de la gente me emocionan a nivel lágrimas. Siento que es una meta cumplida para mi, haber roto ese límite, no fue fácil, menos para una mujer en Argentina.

¿Crees que la cuestión de género funciona como una barrera autoimpuesta o has tenido situaciones puntuales?

Es que Argentina a nivel educación y cultura va lento. Mis amigos y la gente del medio son distintos pero la gran mayoría podría no estar preparada para el cambio que está ocurriendo. Me ha pasado de llegar con los equipos en la mano y que me pregunten “que llevas ahí? ¿tus maquillajes?”. Después nos veían tocar y se sorprendían porque también tocábamos.

Foto por Mia Ferrari

¿Sentís que ahora es menor esa “discriminación”?

Si, un poco. Han pasado cosas importantes y los hombres están cambiando, algunos. Están entendiendo que somos pares. Nos tenemos que ayudar entre todos. Lo mas importante es cuidarnos, respetarnos, no somos competencia y hay lugar para todos en el arte. En todas las profesiones.

El rock particularmente tiene una tendencia machista bastante marcada…

Sin dudas. Pero ahora hay bandas lideradas por mujeres que les está yendo super bien hace rato, como el caso de Eruca Sativa, que puede gustarte o no. Si bien es esperanzador, es deprimente que te pueda nombrar una sola banda porque en realidad hay un montón que no son tan conocidas. Yo siento que es algo del país. En otros países latinoamericanos colegas mujeres se han convertido en íconos internacionales como Mon Laferte, Natalia Lafourcade, o Julieta Venegas. Ahora con todo el ruido que se está haciendo pueden generarse las referencias que faltan.

Y es parte de un proceso cultural.

Sin dudas, es un compromiso social que debemos generar todos los que estamos en el mundo de la música y en general en todas las áreas laborales y de expresión para que la cosa cambie, en el fondo todos sabemos que es mejor para todos, más sano.

¿Cómo nació El bosque del recuerdo que le da el nombre al disco?

Conocí el nombre visitando el Parque del Retiro, en Madrid. Estaba sola caminando, vi un laberinto de callecitas, entré, miré para arriba y me impactó el nombre de ese lugar: “El bosque de el recuerdo”. Me llamó la atención y lo anoté. Me daba a ensueño y melancolía extrema que es un estado que disfruto mucho. Es como un lugar donde me imagino que entro a recordar esa persona que fui mientras compuse todas esas canciones que ya no me representan tanto pero fueron parte de mí y me hacen quien soy. Está lleno de recuerdos y sensaciones que cada tanto entro a recordar.

Da la sensación de que apostás mucho a lo colectivo porque se ve en tu disco un ida y vuelta y cierta generosidad con distintos artistas, ¿puede ser?

Si. Me pasa que cuando conozco gente con la que conecto musicalmente me genera como una sensación de enamoramiento y quiero compartir creatividad con esa persona. Si bien las canciones son composiciones mías y tengo claro lo que quiero, también me gusta aliarme con otros artistas que admiro. Es medio un morbo tenerlos en mi obra.

Foto por Mia Ferrari

Tenés un tema que lo haces con todas mujeres, ¿qué encontrás de diferencial en trabajar con mujeres músicas?

Me encanta la energía femenina. Me siento muy en sintonía, en general, me gusta la suavidad y me gusta la fuerza desde ahí. Me parece que la sensibilidad la entiendo perfecto por ser mujer y es otra vibra. Cada una es distinta, obvio, y no es lo mismo trabajar con una que con otra.

¿Cómo surgió?

Grabé “Melodía de extrañar” con Santiago Motorizado que es un hombre super masculino en apariencia pero tiene un costado super femenino y sensible que me cautiva. Y después se dio que vino Dante Spinetta a tocar la guitarra y estaba trabajando con Tweety y otro productor amigo. De repente me encontré rodeada de tipos y para el tema siguiente pensé que seria divertido hacerlo solo con mujeres y tener un coro de voces femeninas. También para crear alianzas y darme el lujo de cantar con ellas que son todas talentosísimas.

Hablando de Suavidad, contanos de tus covers de Suave y No podrás

¡Me parecen temas geniales! Obras maestras del pop. Yo no tengo ningún tipo de prejuicio y esas por alguna razón todos las sabemos y esos estribillos duelen un poco de lo hermosos que son. Suave me invitaron para un disco de covers de Luis Miguel, elegí ese y fui a Chile a grabarlo, fue increíble trabajarlo y super interesante la experiencia.

¿Vas a hacer más?

Me gustaría sacar un EP de covers, tengo algo en mente.

También hay algo poético en tus letras, ¿te gusta la poesía?

Si, me gusta mucho la poesía. Mas que nada las letras vienen de momentos muy genuinos, de tratar de sacarme de encima algo que me está pasando. Me ha pasado de estar soñando, despertarme y escribir una canción de principio a fin y como que esos momento suelen estar relacionados con penas de amor, he sufrido mucho por amor. Ahora siento que puedo componer desde otro lugar, no necesariamente atravesando el sentimiento, sino recordándolo.

¿Y cuáles crees que fueron tus grandes referentes musicales?

El artista que me despertó la primer gran pasión de mi vida fue Michael Jackson. Acabo de terminar de ver el documental y me quiero morir. Atravesé un fanatismo extremo, discos, posters, pero la verdad que más allá de la pedofilia que claramente no comparto ha sido una gran influencia. Yo no había creído nunca esto de él hasta ahora y estoy desencantada, pero salvo la música. También tuve mi etapa de artistas femeninas que me atraparon mucho como PJ Harvey, Bjork…

¿Algún músico británico que te haya inspirado?

Inglaterra es una meca musical, fuente inagotable de inspiración y talento. Radiohead, The XX y muchísimas más. Consumí mucha música británica, cuando conocí Oasis los escuchaba muchísimo, nunca fui fan de ellos porque no conecto con sus personalidades pero destaco mucho las composiciones de Noel Gallagher . Fui muy fan de Elástica, me sé todos los temas de todo lo que hicieron, les produjo un disco Damon Albarn que me parece otro increíble músico, super creativo que está en todos proyectos interesantes. Bueno, ¡Bowie! Inglaterra es interminable.

Te vas finalmente a vivir a Barcelona… 

¡Ya! Necesito remover todo, quiero nueva inspiración, quiero conocer artistas nuevos. La ciudad me encantó, tiene una escena cultural muy buena y espacios para generar nuevos. Quiero tocar por toda España, quiero vivir cerca del mar, quiero viajar por Europa y ampliar un poco. En Argentina pasan cosas interesantes pero en algunas cosas me choco con el techo y no quiero que detenga mis ganas de crecer. Amo este país, tengo mis afectos, pero me voy a aventurar un poco.

¿y tenés ganas de llegar a UK?

Si, hace poco estuve ahí con Benito, caminamos, fuimos a ver Arca y vimos lugares alucinantes. De chica también fui a estudiar allá, me quedó una sensación hermosa y espero volver pronto. Quizás nos cruzamos en el Ultrabrit Tour.

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Juana La Loca se reinventa y presenta nuevo disco

La historia de Juana La Loca sigue sumando nuevos capítulos. En esta entrevista con Rodrigo Martin y Diego Vieites te contamos lo que se viene.

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Durante el año pasado Juana La Loca celebró sus 30 años, giró por varias provincias y representó en vivo toda su discografía de la banda en cuatro shows memorables en Lucille. Como si eso fuera poco, sus integrantes comenzaron la filmación de un documental, grabaron su nuevo disco y preparan otro en vivo. Además, por primera vez en 25 años volvieron a estar sobre el escenario los tres miembros fundadores de la banda, Rodrigo Martin (voz), Aitor Graña (batería) y Roberto Pasquale (guitarra). La banda se completa con Diego Vieites (guitarra y coros), Javier Lopez (teclados y programaciones) y Andy García (bajo). El sábado 13 de abril a la medianoche en La Tangente la banda de Temperley presentará Resplandece, su nuevo trabajo discográfico.

 

Se viene la presentación de Resplandece. ¿Cómo se prepara la banda para este show tan especial?

 

Rodrigo Martin: Ensayando mucho, sacando versiones de los temas y agregando temas clásicos de la banda.

 

¿Cómo está la energía del grupo para esta fecha que será histórica?

 

Diego Vieites: Bien, bien. Con muchas ganas. Sobre todo de consolidar el trabajo que se hizo el año pasado, donde además de grabar el disco celebramos los 30 años de Juana La Loca.

 

El año pasado giraron por varias provincias, tocaron mucho en el conurbano y representaron toda la discografía de la banda en vivo. ¿Cuál es el saldo positivo de todo eso, el mejor recuerdo?

 

R.M.: El ciclo que hicimos de los cuatro shows en Lucille.

 

D.V.: Sí, el ciclo que hicimos el año pasado en el que se representó toda la discografía de la banda en cuatro shows. Creo que eso fue como… no sé si lo más importante, pero sí lo más simbólico que hicimos el año pasado en cuanto a este relanzamiento de Juana La Loca.

 

¿Y con el público en el interior cómo les fue?

 

R.M.: Bien, muy bien. Y en el conurbano también. Córdoba, por ejemplo, es una plaza fuerte para nosotros.

 

En los shows de Juana siempre hay un fervor importante, un vínculo muy lindo de la banda con el público “juanero”. ¿Cómo lo viven ustedes?

 

R.M.: ¡Muy bien! Eso viene desde siempre, sí.

 

D.V.: Sí, yo creo que Juana desde sus comienzos siempre tuvo un feedback muy especial con la gente. De hecho creo que en los shows hay una comunión tal que llega un punto en que esa división artista-público se fusiona, no?

 

R.M.: Claro.

 

D.V.: Eso lo hace todo muy especial.

 

Para quienes todavía no escucharon Resplandece, ¿qué creen que les pasará cuando lo disfruten por primera vez?

 

R.M.: Se van a sorprender. Es como un cóctel entre Electronauta, Belleza y Vida Modelo.

 

Lo mejor de Juana y en un sólo disco. Y encima nuevo.

 

R.M.: Claro, a estrenar.

 

¿Cómo es ser un clásico y ser novedoso al mismo tiempo?

 

R.M.: Y bueno, es que prefiero reinventarme a reiterarme.

 

El 13 de abril en La Tangente, ¿con qué se va a encontrar el público?

 

D.V.: Se van a encontrar con Juana La Loca en todo su esplendor, básicamente. Estamos con muchas ganas de presentar este disco nuevo, es el puntapié inicial de una nueva etapa de la banda. Y siempre hay algunas sorpresas preparadas para una presentación así. Temas que estaban guardados, diferentes versiones de las canciones. Estamos trabajando para que la presentación tenga el marco adecuado al disco.

 

Por último, luego de presentar Resplandece, ¿cómo sigue el 2019 para Juana La Loca?

 

D.V.: Vamos a hacer otra gira por el conurbano. Vamos a ir a lugares que el año pasado no fuimos. Y estamos trabajando en un disco en vivo. El primer disco en vivo completo en la carrera de Juana. Y el documental, que lo venimos trabajando desde el año pasado y nuestro deseo es que salga este año. Hay muchos proyectos y ganas.

 

 

 

 

 

 

 

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1915 se prepara para Lollapalooza: “Vamos a montar el show más grande en la carrera de la banda”

A días del gran festival, hablamos con la joven banda que se encuentra en el momento más alto de su carrera.

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1915 es el año de la primera edición de La Metamorfosis, de Kafka. 19:15 solía ser el horario de los ensayos de esta banda del conurbano norte. Cruz Hunkeler (20, guitarra y voz) y Federico Penzotti (21, teclados) se conocieron en el colegio en 2013. Ahí nació el germen de lo que sería 1915 poco después.

La banda se completa con Alejo Freixas en bajo y Jeremías Alegre en batería. En los shows los suele acompañar Gonzalo Casalinuovo en guitarra. En 2016 editaron Dual, su disco debut que los acercó más al rock progresivo, o como ellos preferían llamarlo: rock metamórfico. 1915 reúne calidad musical, creatividad, baile, compromiso con el mensaje, crítica social y más. En sus nuevas canciones encontramos un sonido fresco, pop, groovero, funk, los vientos de Morbo y Mambo y una invitación al disfrute pero también al pensamiento. Bandera es el título de su nuevo disco y Dame Una Bandera es el nombre de una de las canciones.

 

¿Por qué ese título y por qué esa letra?

Penzo: Dame Una Bandera es el tema que da más identidad al disco. Más que nada porque en este segundo disco somos más conscientes de lo que estamos viviendo. Tomamos cierta postura y nos hacemos valer por dónde estamos parados, cosa que quizás antes no.

Cruz: Sí, es eso. Justamente abanderarnos. Y también viene de darnos cuenta o empezar a tener noción del lugar que debe tener un músico para nosotros en la actualidad y desde siempre. El rol de un artista hoy en día. Ser impulsores de algo que tiene un significado, que tiene un mensaje y que tiene un objetivo. Y creo que ese mensaje es importante comunicarlo de una forma que nos parezca que está buena, que nos divierte, que te haga mover el cuerpo. Que te den ganas de bailar no es algo que le quite valor a lo otro.

En los recitales se ve más unión que nunca, suelen verse músicos de otras bandas apoyando o colaborando en algún tema, ¿existe esa comunión o es una sensación que uno tiene?

Cruz: La verdad que la movida argentina está muy a flor de piel. Cada vez hay más bandas y de una calidad tremenda. Y por suerte se federaliza cada vez más, hay más conexión entre los músicos. Ya no hay nichos, o los hay, pero no son lo más importante. El versus es algo de antes. Onda si te gustan los Redondos no escuchás Soda, eso no va más. También con el surgimiento de internet se da que bandas que antes no tenían acceso a sacar un disco y tener un movimiento propio ahora sí lo tienen. Entonces se terminan uniendo todas esas personas y se termina formando algo más colectivo.

 

Penzo: Todo el tiempo hay muy buena onda. Y, además, hay un circuito de músicos que laburan mucho. Por ejemplo Guille Salort que es un baterista que produjo nuestro disco. Él grabó este año con Conociendo Rusia, con Marilina Bertoldi, con Chita, con Ca7riel y toca con Emmanuel Horvilleur. Eso también es parte de la unión que se genera entre las bandas. Porque hay buena onda de todos lados, te cruzás con gente conocida que grabó en tal disco, lo llamás para laburar con vos, etc. Hay una unión re zarpada.

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¿Cómo ven hoy el lugar de las mujeres en la música, la lucha por el cupo para festivales, la colaboración de artistas femeninas en la banda?

Cruz: Primero que nada, nombrar a las mujeres que tuvieron participación en el disco: Feli Colina hizo unos coros en Prisma y en Dame Una Bandera. Una genia, la verdad, muy buena onda, muy talentosa. Y Lucila Taba que hizo la tapa, de los temas Policía, Prisma y la del disco. También hace visuales para el vivo. Creo que es importante velar porque cada vez más mujeres pisen los escenarios. Incluir a las mujeres en un ambiente que muchas veces puede ser muy machista. Salen estadísticas todo el tiempo de los festivales en los que el 97% de los artistas son hombres. También el lenguaje inclusivo es algo con lo que hay que estar muy atento y cambiar la forma de hablar. Porque el lenguaje codifica lo que uno piensa, aunque uno no lo crea. La forma en la que uno habla denota una ideología.

 

Penzo: Yo estoy totalmente orgulloso de la etapa que estamos viviendo. Y ni hablar que nuestro primer objetivo y tarea es rever todos los conceptos con los que uno fue criado y ver realmente qué cosas no están bien. Entonces todo el tiempo uno está pensando “che, lo que hice no estuvo tan bien. Debería cambiar tal cosa o tal otra”. Eso para mí es lo más importante

 

Cruz: Es algo que hablamos bastante en el grupo. Porque hay veces que bandas de hombres se abusan del poder que te da estar en una banda. Porque es una situación de poder. Creo que es importante prestarle mucha atención a eso. Nosotros somos cuatro miembros fundadores y es muy difícil cambiar la formación. Pero siempre sumamos mujeres en diferentes roles de laburo. Ya sea para el diseño, la realización de videos, invitadas en vivo, instrumentistas, etc.

 

Este año 1915 se presentará por primera vez en el Lollapalooza, ¿cómo viven este momento?

Cruz: La verdad es que es un gran logro para nosotros llegar a un festival de esa magnitud con una exposición y calidad de artistas tan grande. También es un desafío porque para Lollapalooza vamos a montar el show más grande en la carrera de la banda y eso conlleva mucho esfuerzo y todo un laburo que, obviamente, hacemos con mucho gusto.

 

La entrevista se realizó en conjunto con el programa La Vecindad de RondaMonk (Radio Monk).

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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