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El mundo antes del rock

¿Qué escuchaban los adolescentes antes del nacimiento del rock? ¿Quiénes eran los principales exponentes de la música popular y comercial? ¿Qué significaba escuchar música? A continuación, revisamos algunas cuestiones que nos dará la pauta de por qué la irrupción del rock and roll en los años ’50 significó un terremoto que agrietó la rígida moral de los adultos, sacudió los cuerpos y las mentes juveniles, y derrumbó ciertos estereotipos de la sociedad estadounidense.

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Sin lugar a duda, Frank Sinatra, apodado “la Voz”, fue uno de los máximos exponentes de la música popular anterior a la irrupción de rock and roll, cuya mayor virtud descansaba en su capacidad interpretativa para transmitir las emociones y sentimientos implícitos en las letras de las canciones. Letras que aludían constantemente a emociones, formas de pensar y de sentir fuertemente vinculadas con una moral conservadora y protestante bien cuidada, que establecía rigurosamente las pautas de conducta que regían una sociedad basada en los mandatos del capitalismo industrial y el patriarcado.

En un país en plena expansión económica, con altos niveles de represión y censura estatal producto de la paranoia que causaba la amenaza soviética, y una profunda segregación racial alentada por la opulencia de la clase media blanca, los hijos fueron criados necesariamente en esos valores hasta alcanzar la madurez y poder vestir los pantalones largos.

Eddie Howard alcanzó el puesto número 1 de los charts norteamericanos en noviembre y diciembre de 1951 con su canción titulada “Pecado”. Si atendemos a la letra (“quitar el aliento de las flores seguramente sería un pecado, tomar duchas de la lluvia de abril es un pecado […] ¿es un pecado amarte tanto, para abrazarte fuerte y saber que estás cerca de mí?”) se puede identificar con facilidad, una concepción del pecado muy distinta a las que brotaron posteriormente a través del rock. El sesgo conservador y protestante en la música popular era tan profundo como sutil. Esos valores morales sirvieron de sostén al American dream, reflejado en la relación entre las señales providenciales y el éxito individual.

El disciplinamiento social, sin embargo, no solamente se construyó de abajo hacia arriba, sino también desde el Estado y los medios de comunicación masiva. Era descabellado encontrar algún atisbo de rebeldía, de transgresión en las letras de la música comercial de los años cincuenta. En efecto, el surgimiento del rock and roll quebró la paradoja plasmada en la incongruencia entre la solemnidad y complacencia transmitida por esa música y los altos niveles de histeria colectiva que imperaban en la sociedad como consecuencia de la tensión creciente con la Unión Soviética (que alcanzó momentos críticos de amenaza nuclear), inflamada por la prensa y la propaganda oficial. En ese sentido, el senador Joseph McCarthy desencadenó una caza de brujas sobre la base de un extendido proceso de acusaciones infundadas, denuncias, procesos irregulares y confección de listas negras contra personas sospechadas de ser comunistas.

La prosperidad económica que atravesaron los Estados Unidos durante la década del ‘50 le permitió acomodarse como potencia hegemónica al final de la Segunda Guerra Mundial. Dentro de una serie de pactos firmados por los países occidentales, el más destacado fue el Plan Marshall, un programa creado en 1947 destinado a promover y financiar una recuperación económica rápida y sostenida de una Europa devastada por la guerra y, a su vez, contener el avance del comunismo.

Ese proceso de expansión económica, apuntalado por la intervención del Estado, permitió una ampliación del acceso al consumo para las clases populares, mayores niveles de confort y mejores condiciones de vida. En ese contexto crecieron los jóvenes que posteriormente fueron atravesados por el fenómeno del rock and roll, que pudieron adquirir discos y otras señales culturales propias que les permitieron diferenciarse de sus padres.

Pero antes de que eso suceda, de que los jóvenes comiencen a interpretar que están viviendo una etapa de su vida en la cual han dejado de ser niños, pero que decididamente no son (ni quieren ser) adultos a través de la escucha y el baile de la música rock, esta música comercial en la cual se destacaron los crooners, se escuchaba en familia. Es decir, que la música comercial, independientemente de apelar a la emotividad y al fortalecimiento de una sensibilidad acorde a las pautas de conducta, alentaba la observación de los valores morales a través de la escucha en familia: Padres e hijos se sentaban alrededor de la radio a compartir un momento íntimo escuchando estos artistas.

Efectivamente, la irrupción del rock and roll significó el derrumbe de una serie de costumbres tradicionales que no resistieron la modernización que se avecinó en las distintas esferas de la vida cotidiana, y en ese sentido, revolucionó la forma de escuchar música por parte de una juventud que comenzaba a subjetivarse y a identificarse en clave etaria.

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The Struts: el revival del glam rock

La banda ha llegado a telonear a The Rolling Stones y The Who.

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Una banda que trae el rock de los 80´ a la escena musical actual. Con influencias como Aerosmith, Queen, Led Zeppelin y AC/DC, The Struts inyecta desde el momento en suenan en Spotify una dosis de energía ganadora que emula momentos de victoria. Lejos del rock depresivo, del grunge y del bajón, esta banda se describe a sí misma en sus propias canciones, como en “Could Have Been Me”, donde enarbolan la bandera de rockstars por excelencia y transmiten que no van a dejan pasar la vida sin vivirla al máximo.

Al haber estado en contacto con el arte desde chicos estos cuatro jóvenes originarios de Derbyshire se fueron desarrollando como artistas hasta llegar a telonear en 2014 a los mismísimos Rolling Stones o a The Who, y ser calificados como los sucesores de sus majestades satánicas y Freddie Mercury.

Al día de la fecha tienen dos álbumes en el mercado, han participado de un Victoria´s Secret Fashion Show e hicieron una divertida colaboración con la cantante pop californiana Kesha, en formato single y video, en el que sobran glitter, baile y desenfreno, además de ser el soundtrack de varias publicidades de nuestro país.

Si bien aun no han pisado la Argentina, nuestras puertas están abiertas y nuestros corazones expectantes para que nos llenen de ese glamour ganador que sólo ellos tienen.

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Cómo es la experiencia de Parlantes Holofónicos

Un invento argentino que propone música en la oscuridad y supera todo lo conocido en el mundo del sonido.

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Utilizando descubrimientos en física y percepción sonora, Hugo Zuccarelli aprendió a manipular el cerebro humano, primero con la Holofonia, en 1980, y después con la invención del Parlante Holofonico Tm.

Mientras el mundo se ocupaba de crear costosos sistemas de reproducción multicanal y reproductores con cada vez menos distorsión, Parlantes Holofónicos apuntó a descubrir los misterios del porque un sonido es percibido en el espacio y de qué manera una voz es reconocida entre tantas otras.
Una vez completado el desarrollo de la técnica de grabación Holográfica conocida como Holophonics Tm, y utilizada por gigantes del entretenimiento, como Pink Floyd, Roger Waters, Michael Jackson etc. Zuccarelli tuvo que abordar el problema de las grandes distorsiones provocadas por los sistemas de altoparlantes tradicionales para lograr el EFECTO tridimensional de la Holofonia TM en una sala de cine, sin necesidad de auriculares para la audiencia.
Obviamente las distorsiones generadas por los parlantes convencionales estaban disfrazadas con alegorías de carácter místico, y algunas veces con decepciones tramposas, que hacían del AUDIO una disciplina poco confiable y peligrosamente empapada de caracteres políticos. En definitiva las tendencias del audio sufrían de los atavismos de las modas y las religiones, sin que se lograra consenso entre lo veraz y lo folclórico.
Zuccarelli entendió que las señales guardadas en las grabaciones Holofonics Tm solo podían ser percibidas si los altavoces no introducían distorsiones que arruinaran la información COGNITIVA que las hacia espaciales. Por lo tanto se dedico a construir sistemas de sonido cada vez mas perfectos y finalmente logro la perfección cuando el efecto Holofonico Tm pudo ser percibido por una gran audiencia.
La primera presentación oficial fue para la NASA, que contrató a Zuccarelli, pera una demostración de Holofonia para varios ingenieros que se negaban a utilizar auriculares.
Luego de ser bautizados como los mejores altoparlantes del mundo por la NASA, Zuccarelli comprendió que lo que permitía transmitir sin distorsiones el mensaje tridimensional de la Holofonia Tm, también podría reproducir la Música de un disco convencional de una manera única.
Sumados al silencio  y a la oscuridad de una sala en un segundo subsuelo, la percepción de la música reproducida por los parlantes Holofónicos Tm de 5 metros de altura y una potencia acústica tremenda, logran atraer la atención de expertos aficionados y amantes de la música que se convocan para lograr una escucha ÚNICA de las bandas favoritas con la sensación VISCERAL de estar en un recinto donde el artista está presente.

El proyecto de música en la oscuridad con Parlantes Holofónicos TM comenzó hace 8 años. Estuvieron en  diversos lugares siempre en en la zona de microcentro. Hoy en día podes encontrar este show único en el mundo en el Auditorio Kraft: Florida 681 2do Subsuelo, C.A.B.A.

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Resurrección picante: A 20 años de Californication

El 8 de junio de 1999 los Red Hot Chili Peppers lanzaron su disco más importante: Californication. Una historia de rescates, cicatrices expuestas y una amistad gozada alrededor del mundo.

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Pocos grupos de rock han tenido una historia turbulenta como la de los Red Hot Chili Peppers, signada por excesos, muerte, muchas deserciones y las idas y vueltas del estrellato. Pero ¿Qué es peor que una vida de rockstar llena de vaivenes? La nada. Y la Nada fue la palabra que el bajista Flea utiliza para denominar su año 1997: “El año de la nada”.

En ese año los Chili Peppers parecían acabados, con sólo dos shows dados; uno en la TV yanqui y otro muy corto en Japón con un tifón en las inmediaciones. Poco, para una banda que seis años atrás tenía un futuro inmenso gracias al éxito de su disco Blood Sugar Sex Magik (1991). Pero en este período parecían venirse a pique y para colmo a inicios de 1998 echaron a Dave Navarro, su guitarrista de entonces. Con lo cual, una vez más en su trayectoria, se encontraban sin alguien a cargo de las seis cuerdas.

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Malos augurios se avecinaban. Pero fue justo en ese momento cuando Flea propuso la acción que sentaría la base de la regeneración de Red Hot Chili Peppers: “No creo que pueda seguir haciéndolo. La única manera que podría imaginar preocuparme por esto es si conseguimos que John vuelva a la banda”. Así comentó el vocalista Anthony Kiedis en su biografía (Scar Tissue, 2004) las palabras que su compañero sentenció en ese instante crucial de su historia.

El tal John al que hacían referencia no era otro más que Frusciante, el antiguo violero Chili Pepper. Quien ya los había salvado del abismo en 1988, cuando los Peppers se encontraban en un pozo depresivo a causa de la reciente muerte de Hillel Slovak, guitarrista fundador. Con Frusciante construyeron su primer estrellato mundial, cimentado en discos como Mother’s Milk (1989) y fundamentalmente el ya citado Blood Sugar Sex Magik. Pero a inicios de 1998 él se encontraba en un proceso de rehabilitación debido a su drogadicción producto del escape a los mareos de la fama. Mareos que lo habían llevado a dejar Red Hot Chili Peppers en 1992.

Así las cosas, la banda necesitaba la vieja dinámica que les dio sus mejores frutos; al igual que John Frusciante necesitaba un grupo de amigos que le alimentaran la creatividad para alejarse de los recientes caminos sinuosos que había recorrido.

Una banda picante reencendiendo la chispa

El aspecto visual de John Frusciante en aquella época bien podía ser interpretado como un indicio de la nueva vida que Red Hot Chili Peppers tomaría. Con un aspecto similar a un Jesús resucitado, el músico portaba pelo largo, barba tupida o ropas holgadas en la línea de lo hippie. Pues bien; metáfora cristiana de por medio, la banda resurgía y se abría a un nuevo torrente de ideas creativas. Una refundación que marcó definitivamente el sello del sonido chili pepper que identificaría, de ahora en más, gran parte de las canciones que compusieran a futuro.

Después de década y media el grupo californiano dosificaba su particular manera de tratar la mixtura del funk y el punk, para incorporar pinceladas pop y corales que Frusciante adoraba. Un sector duro de los fans nunca perdonó esa movida, pero la nueva dirección les brindó nuevos matices que permitieron crear himnos como Californication, Otherside o Scar Tissue. Igualmente, los Peppers ya contaban en álbumes anteriores con temas que pisaban firme en ese terreno, como Under The Bridge. Y el aspecto coral fue el gesto que reconocía el legado de los Beach Boys, otras de las grandes bandas que California dio al mundo. Faceta que los RHCP explorarían a fondo en sus siguientes trabajos.

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Otra premisa con la que volvió Frusciante fue la de despojar a los Red Hot Chili Peppers de lo grandilocuente que traían de One Hot Minute (1995), el CD anterior que habían grabado junto a Dave Navarro y que tenía influencias obvias de Jane’s Addiction y hasta pinceladas heavy metal a lo Black Sabbath. El guitarrista retornado aborrecía el estilo de esas canciones, a tal punto que se negó de lleno a tocar esos temas en la gira mundial que posteriormente emprendieron.

A cambio, la mayoría de las canciones partieron de melodías sencillas, tarareables por cualquier oyente y que fueron estiletazos precisos que quedaron grabados en la memoria de gran parte del público rockero. Es verdad también que, si bien se estaba recuperando de su adicción a la heroína, Frusciante aún no tenía las fuerzas al 100% en sus manos para tocar líneas demasiado virtuosas en la guitarra, por lo que antepuso la inteligencia de las notas precisas y exactas. Es sabido: menos es más.

Las sesiones de composición y grabación del que sería el séptimo disco de Red Hot Chili Peppers fueron por demás prolíficas, dando a Californication 15 canciones y quedando descartados varios temas interesantes como Quixoticelixer. La felicidad por el renacimiento de una banda que estaba al borde de la desintegración es manifiesta ya desde Around The World, el track que arranca el álbum con un bajo distorsionado y el resto de los instrumentos entrando a pura energía, con un Kiedis que recita su estado de ánimo: “La vida es hermosa alrededor del mundo”.

Pero si hay una canción que sintonizó el espíritu de época y que el mundo recogió de este trabajo; esa canción es la que le da título al CD: Californication. Un tema que es un viraje raro a los estilos que la banda manejaba. No es funk, mucho menos punk, tiene un ritmo tranquilo, pero tampoco es una balada que toque cuestiones amorosas. Más bien, tiene algún aire oriental en la melodía principal, pero aun así se erige con identidad propia.

Contó Anthony Kiedis que la letra la tenía desde antes que compusieran cualquier canción del disco, que la inspiración le vino en unas vacaciones en Tailandia donde vio los rastros de la cultura estadounidense inundando parajes tan remotos. Esas meditaciones, cuestiones como la anécdota de un encuentro con una mujer en Auckland que le habló de espías psíquicos, más alguna alegoría a Kurt Cobain; hicieron del resto de la letra una especie de reflexión paródica y crítica de la globalización hollywoodense.

Lo cierto es que la creación de la música del tema no fue nada sencilla. En un primer demo le dieron ciertos aires de reggae que bien podría haber firmado un grupo como The Police. Tanto le costó cerrar esta canción, que en los tramos finales de la grabación aún no estaba resuelta y muchos quisieron descartarla ya que tenían más de veinte para trabajar. Pero Kiedis y Frusciante le tenían fe e insistían con ella. Fue este último quien finalmente un día se inspiró para estructurar el arpegio definitivo al escuchar un tramo de la canción Carnage Visors de The Cure.

El guitarrista además compuso las partes de batería y bajo. A partir de ahí todo cuadró: Nacía uno de los máximos hits de la banda, acompañado luego por un clip que quedó en el recuerdo al emular un video game. De todos modos, primero se decidió (junto a los mánagers) elegir al corte Scar Tissue como sencillo de difusión anticipo al lanzamiento del álbum.

 

Around The World

La gira de promoción de Californication los llevó a tocar en recitales que quedaron en lo destacado de la biografía peppera. Conciertos como el Woodstock ’99 o la Plaza Roja de Moscú muestran la química rejuvenecida que los Red Hot Chili Peppers tenían. Sumado a las nuevas canciones, la banda rescató grandes temas que no estaban tocando seguido como Soul to Squeeze, Search & Destroy (cover de The Stooges) o el medley Yertle Trilogy que recuperaba lo mejor que habían creado en los ’80. Además, en esta época ofrecieron los mejores jams de su historia, con improvisaciones cargadas de groove nacidas de la conexión hermanada de Flea (quien de niño fue criado a puro jazz), Frusciante y el baterista Chad Smith.

También Argentina tuvo una prueba de los “nuevos” Red Hot Chili Peppers cuando vinieron a tocar en el Luna Park en octubre de 1999. Fue la primera vez que el público local pudo ver en vivo a John Frusciante quien le sacaba varios cuerpos de ventaja a Arik Marshall, el guitarrista que los acompañó en 1993 para su primera visita al país. La del ‘99 fue la primera de una tríada de arribos habituales con Vélez 2001 y River 2002 (este último en una época donde nadie de afuera quería venir por la tremenda crisis local) que cimentaron de lleno la idolatría que muchos jóvenes argentinos de fin y principio de siglo adquirieron por la banda oriunda de Los Ángeles.

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