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El legado de Joy Division: Natalie Curtis, la hija de un oscuro recuerdo

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Cuando Ian Curtis se ahorcó en su casa de Macclesfield dio inicio a una de las leyendas más increíbles del mundo rockero. Su hija tenía tan sólo un año de vida. Nacida bajo un estigma tan pesado, hoy es amiga de casi toda la escena cultural de Manchester, la ciudad maldita de la que nunca se fue. Esta mujer de ojos grandes y pasión por la fotografía se sentó con Francisco Tapia Robles para hablar de todo, desmarcándose de cualquier trauma, en una entrevista exclusiva.  

Natalie es una chica deliciosa de 33 años. De estatura baja y ojos expresivamente enormes, luce en su rostro un parecido indisimulable con el cantante de Macclesfield. No muy afecta a las entrevistas, nos dio el privilegio de conversar un buen rato en el mítico Night & Daydel centro de Manchester. Y abre fuego hablando de su padre Ian, sin complejos.

“Creo que mi mayor problema ha sido que al parecer todo el mundo ha querido buscar una razón al suicidio de mi padre. Pienso que muchas veces la gente se deprime por algo malo que les ocurre, lo que es algo absolutamente normal. Pero también creo que, cuando a las personas que tienen una enfermedad mental les ocurren cosas negativas, esa condición se tiende a exacerbar. Ian no se mató porque le ocurrió esto o aquello, yo creo que él tenia una enfermedad mental y no pudo soportar la serie de cosas que le sucedieron. Lo que quiero decir es que la razón del suicidio de mi padre no se debió a un hecho aislado, como haber conocido a una chica belga o haber querido abandonar Joy Division. El se mató simplemente porque tenía una enfermedad mental. Y es eso lo que yo encuentro frustrante, que en la película Control (del fotógrafo y director holandés Anton Corbijn) en ningún momento se muestra lo seriamente enfermo que estaba Ian, lo inestable que era su estado de ánimo. Pero bueno… al final se trata sólo de una película que quiere mostrar el mito. Pero ojo que no quiero parecer desilusionada con la película ni nada de eso, por el contrario quede muy conforme y aprendí mucho, aunque reconozco que hubo momentos muy estresantes”.

En algunas ocasiones durante la charla, hasta da un poco de miedo mirarla a los ojos. Natalie clava su vista en ti y te pierdes en el blanco y negro de Joy Division, con Ian aferrado al micrófono, sudando y temblando. La mirada cansada del héroe se enciende en su hija como una mágica jugada de la vida que no se va. Nos habíamos visto antes, Jake Evans de los Bad Lieutenant nos presento una vez en un show de rock en Manchester. Mi excusa barata de ser usuario Canon y ella Nikon, el beso en la mejilla y el saludo de su mano de niña con la mía temblorosa marcaron para siempre mi cameo por la escena manchesteriana.

Natalie Curtis es fotografa profesional, de hecho en su sitio web se puede encontrar a una variada fauna mancuniana capturada en los ultimos años: The Charlatans, Durutti Column, James, Doves, incluso un joven y con menos peso y barba Guy Garvey se asoma en blanco y negro. Natalie también trabaja para un sello discografico, heredó de su padre el amor por el Manchester City, funciona mejor cada vez que se da un break para escaparse al campo, contemplar las montañas o ir a tomarse algo a algún pub rockero de pueblo chico. Yo trate de cumplir con las expectativas y ahora la tengo sentada frente a mí en esta humilde mesa de madera de un pub rockero de pueblo grande. Café, galletas, Guinness, rock & roll de fondo.

ESTE ES MI LUGAR EN EL MUNDO

¿Seguís viviendo aquí?

Vivo actualmente en Manchester pero los fines de semana los paso en Cheshire ya que estoy aprendiendo a montar. Además, extraño el campo. 

Estuve en Macclesfield una vez, tu ciudad natal, y la verdad es que me pareció que era un pueblo horrible. No me gusto para nada.

¿En serio? ¿No crees que es lindo?

Es como un lugar sacado de una película antigua, muy aislado, como que la modernidad nunca pasó por ahí.

Macclesfield era así cuando yo era niña, lo notaba cada vez que venia a Manchester a visitar a mis parientes. A mi me gusta, y no creo que esté tan aislado porque esta a veinte minutos de Manchester y a hora y media de Londres.

¿Cuándo comenzó tu fascinación por la fotografía?

Yo siempre tomaba fotos cuando era niña, y según mi abuela eso fue desde los cuatro años. Me volaba la cabeza tener una cámara pero cuando era más mayor recién lo considere como un trabajo. A los 20 años tome un curso de fotografía en el Macclesfield College, en donde tuve que pasar por todo: cerámica, pintura y fotografía. Y fue en ese momento cuando me enamoré aun más de este arte, y además descubrí que tenía la oportunidad de estudiarlo en la universidad, cosa que finalmente hice. 

Y a un nivel informal tenías como referencia a dos íconos de la fotografía, con quienes había una familiaridad como Anton Corbijn y Kevin Cummins, por sus trabajos con Joy Division.

Así es, supongo que eso debió influenciarme. Una de las razones por las cuales me atrajo la fotografía creo que vino por todo lo que habían hecho Anton y Kevin con Joy Division. Y otra cosa interesante que me pasó fue que en la universidad conocí a mucha gente con padres ausentes o fallecidos, y pensé que quizás a muchas personas a quienes se les ha muerto un padre se ponen a estudiar fotografía porque se la han pasado mirando las fotos de esa persona que no está. Y yo tenía muchos compañeros en la misma situación. 

¿Entonces tu interés no venía solo por la estética, sino también por el significado?

No conscientemente, quizás el hecho de haber crecido viendo las fotos de alguien que no está presente te hace interesarte mas por la fotografía… No estoy segura. Pero en general, no fueron sólo los trabajos de Kevin y Anton los que me influenciaron, yo crecí viendo mucho material muy cool como los packs de discos que recibíamos de Factory Records y me acuerdo muy bien de pequeña haber visto todos estos diseños de Peter Saville. Estoy segura que haber conocido todo esos hermosos trabajos desde tan joven fueron una gran influencia. Bueno, y tu sabes que Factory siempre se preocupaba mucho de que todo luciera grandioso, desde sus lápices en la oficina hasta sus tarjetas de presentación. Ese es el ambiente en el cual crecí, y por lo tanto inconscientemente es una influencia.

¿Y cuándo arrancó tu interés por la música?

Cuando era muy pequeña, y quise aprender piano pero nunca pude porque soy terriblemente mala. No tengo talento para nada en la música. Pero crecí viviendo junto a un estudio de grabación ya que ese era el negocio de mi mama, estaba en nuestra misma casa. De hecho, por muchos años mi habitación estaba justo arriba de la sala de grabación, así que podía escuchar a las bandas, y cada vez que bajaba a la cocina me encontraba con músicos sentados aquí y allá. En cambio, mi hermano si tiene talento con la música porque pudo aprender a grabar profesionalmente, yo sólo me quede con observarlos trabajar. Pero creo que fue una buena manera de conocer nuevas personas, ya que cada semana había una banda diferente.

FOTOS, ROCK Y CINE

Volviendo a lo de las fotos, tu hiciste un trabajo para la banda Marion en el show de regreso que dieron en Manchester en diciembre 2011 y luego éstas fueron subastadas. Y me di cuenta que al cuello llevabas una Nikon de rollo y no digital como todo el mundo ¿Estabas experimentando o prefieres ese formato?

¡Es que nunca he tenido la oportunidad de trabajar con una cámara digital! Sólo tengo una en mi smart telephone. Yo uso una mezcla de tecnología antigua y nueva, y esa cámara usa rollo. En casa no tengo un cuarto oscuro, por lo tanto lo que hago es escanear los negativos y para luego trabajarlos con photoshop. Mi computador es mi cuarto oscuro. 

¿Y esas fotos de Marion fueron subastadas con un fin benéfico, no es así?

Tal cual, todo el dinero recaudado en la subasta fue en ayuda del centro de rehabilitación en Londres que ayudo a Jaime Harding, el vocalista, a dejar su adicción a las drogas. Originalmente, esas son las fotos que vienen en el booklet del disco en vivo que los Marion grabaron en ese show de regreso en la Manchester Academy 3. Pensamos que sería buena idea imprimir las mejores, que la banda las autografiara y que fueran subastadas. 

Y aparte de ese, ¿en qué otros proyectos has estado involucrada en el ultimo tiempo?

Algunas de mis fotos fueron incluidas en una exposición en Coventry y Brighton, organizada por Michael Shamberg, un artista visual muy cercano a los Joy Division, y quién además fue el representante de Factory Records en New York, y también produjo muchos videos para New Order. El ahora se encuentra muy enfermo, pero tuvo la idea de reunir en una exposición a toda su red de contactos. 

Self-portrait, Los Angeles

Hablemos un poco de la película Control. Entiendo que tu mama produjo esa película, ¿no? En alguna oportunidad, Stephen Morris (baterista de Joy Division y New Order) me dijo que había varias imprecisiones en ella, al igual que en 24 Hour Party People. Además supe que tu tenías varias aprehensiones con ese film.

Lo que pasa es que yo soy una perfeccionista. Pero bueno… al fin y al cabo esa película es la visión que tiene Anton Corbijn, su director. Y supongo que cada uno de nosotros tiene una idea diferente de cómo debió haber sido hecha. Reconozco haber hecho críticas en su momento, pero pienso que mucho se debió a que yo sentía un gran stress al solo enfocarme en el aspecto negativo de toda la historia. ¿Y sabes qué? Vi la película por primera vez hace sólo un año atrás, y me pareció muy divertida. Hubo mucha gente involucrada: Tony Wilson, la banda. Recuerdo que cuando yo me gradué en la universidad, la pre-producción de la película estaba recién comenzando, así que dejé mis otros proyectos de lado y comencé a ganarme un dinero extra como asistente de los fotógrafos del film, además trabaje recabando información para Matt, quien escribió el guión, por lo tanto termine involucrándome también. Por eso, cuando vi Control me sentí muy orgullosa de todos los que aportamos algo, hicimos un buen trabajo. Por eso, hace un año atrás fue agradable sentarse a verla sin pensar mucho en todo lo estresante que había sido en su momento.

En relación a tu trabajo ¿Te has planteado la idea de presentar una exhibición de tus fotos en otro país, como Argentina, por ejemplo?

Oh, ¡me encantaria! 

Te lo menciono porque ni te imaginas la legión de gente que existe en Sudamérica con admiración especial por la cultura manchesteriana, no sólo musical.

No tengo idea aún como podría darse la producción de alguna exhibición allá. Recién en el 2011 asistí a una en Bélgica por primera vez, en donde presente mis trabajos en un festival de fotografía. Fue alucinante poder viajar y presentar mi obra. 

¿Crees que tu siguiente paso profesional podría ser la filmación?

Sabes que lo he pensado, ya que hice mucha filmación durante mis días de universidad. Incluso en algún momento estuve segura de que me iba a dedicar a ello, pero luego cambie de opinión. Aunque nunca debes decir nunca, no? Quizás cuando tenga 40 o 50, pero no creo que este momento sea el ideal porque siento que me encuentro en un periodo de transición en mi vida, en la búsqueda de lo que realmente quiero hacer en el futuro. En el último año me he dedicado a experimentar mucho, exigiéndome a mi misma. De hecho, tengo que actualizar mi sitio web porque hay muchas cosas nuevas que tengo que mostrar y que nadie ha visto aún, como fotografía de diferentes cosas, experimentando con colores. También he retomado la literatura, ya que solía escribir mucho cuando era mas joven, pensando en que podría combinar palabras con imágenes. 

¿Qué tipo de literatura? ¿Narrativa, poesía?

¡Eso mismo quiero saber yo! Es narrativa, no es poesía. 

NEW ORDER: EL LEGADO EN BUENAS MANOS

Volvemos a la música. ¿Cómo es tu relación con los New Order hoy, tomando en cuenta que Peter Hook ya no está?

Es una pena que Hookie ya no esté en la banda, pero el show debe seguir… La situación actual no es la ideal ya que él esta muy enojado con los New Order. Pero hoy él tiene su propia banda y esta haciendo lo suyo. En todo caso, ese no es asunto mio, yo trato de concentrarme en las cosas positivas. Por ejemplo, vi los shows de New Order en Paris y Londres, y quede muy asombrada por ver otra vez a Gillian Gilbert de regreso en la banda. Siempre me han gustado más las bandas que tienen a alguna mujer en sus filas, creo que les da una dinámica distinta. Y también en este caso siento una cercanía especial con Gillian, y con  Stephen Morris, porque ambos son de Macclesfield. Desde niña los veía cuando andaban de compras por el pueblo y siempre se han visto como una pareja muy cool. Además, Gillian se ve siempre tan serena detrás de sus sintetizadores… Es una lástima que Peter Hook no esté con ellos, pero como te digo, no me puedo entrometer en los asuntos internos de la banda. Prefiero quedarme con lo bueno. Me siento mal por lo triste que debe estar Hookie, pero al mismo tiempo me pone feliz ver que los New Order están bien.

joy-division

¿Qué piensas cuando ves la cara de tu padre en tantas remeras en la calle, o tatuajes alusivos a Joy Division?

Mmm… Supongo que es divertido (se ríe). 

En una oportunidad, Jez Kerr de A Certain Ratio, otra banda de Manchester, me dijo que la pelicula 24 Hour Party People marco un antes y un después para la música de esta ciudad, en términos de reconocimiento a nivel mundial. Y obviamente, ya que fueron protagonistas, los Joy Division explotaron definitivamente como una banda legendaria…

Así es. Pero aunque ya gozaban de cierta popularidad, ésta siempre fue aumentando de manera muy lenta. Y es divertido porque ahora por ejemplo todo parece haberse “normalizado” luego de esa película. Es indudable que atrajeron una inmensa cantidad de nuevos fans, y luego sumále Control, en donde toda esa fama creció aun más. Eso esta muy bien… Yo recuerdo que cuando era muy pequeña Joy Division era una cosa de culto para muy poca gente. Ahora esa condición se ha masificado absolutamente. Y yo tenia tres años cuando empecé a darme cuenta de todas esas cosas a mi alrededor relacionadas con la banda, más que nada por la casa en la que vivíamos. Y en mi adolescencia recuerdo que mi madre trataba de explicarme acerca de ese culto que existía en torno a la banda. También recuerdo a Tony Wilson cuando se desesperaba al no entender como la gente no reconocía a Joy Division como una gran banda, aunque internamente él sabia que con el tiempo eso cambiaría. ¿Pero sabes qué? Yo no creo que las películas hayan sido un shock muy impresionante en ese sentido, porque yo recuerdo que cuando era muy joven creía saber la razón del porqué la gente no escuchaba tanto a Joy Division. Que me perdonen mi padre, Bernard, Hookie y Stephen, pero a la gente le gustaba escuchar mejores grupos… (se rie). Hay cosas muy cool en Joy Division, como sus ropas, su estilo. Mi padre estaba obsesionado en cómo debían lucir las cosas. Incluso mi abuela me cuenta que cuando yo era bebé y ella me regalaba ropa, mi padre tenía que inspeccionarla primero para asegurarse que su hija no llevara puesta ropa pasada de moda. El quería que yo vistiera ropa cool. Ian siempre fue así, muy preocupado de que todo luciera bien, de tener buenos muebles, que la casa fuera un lugar con estilo.

Cuando New Order cierra sus shows con Love Will Tear Us Apart, Bernard agradece al publico el hecho de haber convertido una canción tan triste en algo tan alegre. ¿Cómo ves eso?

Estoy absolutamente de acuerdo. Es fantástico ver a toda la gente tan feliz haciendo los coros de esa canción. En todo caso yo siempre pense que Transmission iba a ser la más popular, porque para mi esa es una de las mejores. Sin embargo creo que LWTUA tiene algo especial que hace que la gente se conecte mejor.

Luego de un segundo café, sus ojos buscan la salida. Es hora de marcharse. Juntos caminamos hasta Piccadilly Gardens, me da un abrazo fuerte y un beso. “Ojala nos volvamos a ver” me susurra, mientras veo como su pequeña y nítida figura desaparece entre la lluvia y la borrosa multitud. La vida que no pudo ser encontró una salida en Natalie. Y su historia recién comienza.

Por Francisco Tapia Robles, desde Manchester UK.

Pueden ver las obras de Natalie Curtis en su sitio web: www.16apr79.com

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4 Comentarios

4 Comments

  1. Caroline

    3 noviembre, 2016 at 10:40 AM

    Excelente nota. Entrevista muy fluida y con datos que dan respuesta a algunas dudas sobre su historia y también información que abre puertas a otras inquietudes. Mi única crítica es que la traducción es muy literal y mezcla algunos modismos regionales con otros argentinos. Por lo demás 10 puntos.

  2. jos

    8 noviembre, 2016 at 11:51 AM

    que suertudo we

  3. Juan Pablo

    10 noviembre, 2016 at 8:15 PM

    Muy buena entrevista, increíble escuchar de la hija de Ian Curtis.

    Pero… es increíblemente rudo comenzar la entrevista diciéndole que no le gusta su ciudad natal, parece que a ella no le importó mucho, pero con otras personas más orgullosas puede costar el tono o la disposición del entrevistado para el resto.

    Y menos mal que no escribió mucho aparte de las preguntas, tiene un grave problema con los adjetivos. Para poner dos ejemplos, la primera línea:
    “Natalie es una chica deliciosa de 33 años. De estatura baja y ojos expresivamente enormes”.

    Si no los ve, es peor. También va para el editor.

  4. Julio

    18 mayo, 2017 at 1:51 AM

    buenazo

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Las principales corrientes de la música popular que sustentaron a la cultura rock I: El folk

De la crítica a la sociedad de consumo, al éxito comercial.

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La cultura folk estadounidense se erigió, a comienzos del siglo XX, como una reacción ante el avance de la modernidad y la sociedad de masas, que traía aparejado un vertiginoso proceso de urbanización e industrialización en detrimento de los lazos y valores comunitarios. A continuación, la primera entrega de tres sobre las principales corrientes de la música popular cuya influencia fue central en la consolidación de la cultura rock a mediados de la década del ’60.

En términos estéticos, podríamos definir brevemente a la música folk -folklore en nuestras tierras- como una música de raíz tradicional, compuesta por artistas anónimos, y transmitida oralmente de generación en generación entre las clases populares. Es decir, se trataba de un género que rechazaba la hipocresía y la superficialidad de las élites, y ensalzaba las costumbres y los vínculos comunitarios. Desde el comienzo, la música comercial era considerada por los artistas y el público adepto al folk como una música sin alma, fabricada por la industria en función de las pautas del mercado, e interpretada por ídolos adolescentes diseñados para la manipulación del gusto juvenil.

This machine kills fascists

La leyenda inscripta en la guitarra de uno de los principales artistas del género, Woody Guthrie, bien podría estar estampada en la remera de algún joven punk de los años ’70. Los artistas adoptaron posiciones políticas que les valieron, en muchos casos, censura y persecución por parte del gobierno: durante los años ’30, las canciones manifestaban un profundo antifascismo y se pronunciaban en contra de las consecuencias económicas y sociales que la crisis financiera descargaba sobre los sectores populares; y en los ’50, esa postura se fue deslizando hacia la izquierda trazando lazos de solidaridad con la lucha por los derechos civiles encarada en los afroamericanos. En aquella ocasión, en el marco de la Guerra Fría, cualquier factor que aumentara las tensiones sociales era blanco del macartismo.

Enfatizando en lo rural, lo comunal y lo tradicional a través del relato de experiencias populares concebidas necesariamente como incorruptas e inalienables, lejos de los placeres masivos, los artistas del folk se percibían como musicalmente genuinos y conectados verdaderamente con la comunidad de origen. En efecto, la música folk buscaba establecerse como una alternativa seria frente a la alegría edulcorada y la demagogia proveniente de la música comercial. Sus preocupaciones estéticas estuvieron estrechamente vinculadas con el compromiso y la cuestión social. De tal modo, los artistas le dieron forma al concepto de autenticidad como un valor fundamental para custodiar sus fronteras, el cual fue, posteriormente, heredado por la cultura rock en su proceso de gestación.

La música como motor para el cambio social

Para entender el proceso a través del cual la cultura rock se alimentó de la crítica de la sociedad de consumo, es preciso considerar que, si bien es cierto que el rock & roll de los años ’50 ya había planteado cierta rebeldía contra los valores tradicionales y conservadores de la sociedad estadounidense a través de los bailes provocativos, sus letras atravesadas por la sexualidad, etc., a partir de la segunda mitad de los años ’60, y fundamentalmente gracias a la influencia recibida por la cultura folk y su revival, esa rebeldía adquirió mayor profundidad, y la cultura rock terminó por confluir con la protesta social. Aquello le permitió abrazar posiciones políticas más concretas que se orientaban hacia el anti belicismo y la no violencia.

La preocupación explícita, por parte de los artistas y el público, por el uso de la música como motor para el cambio social -que comenzó a ser considerada como “música para el pueblo”- se vio atrapada en una encrucijada que le deparaban sus detractores. Se suscitó allí una polémica que, a su vez, se cristalizó como un elemento estructural en la identidad de la emergente cultura rock: logró dar coherencia a una contradicción aparente entre la adopción de aspectos claves de la ideología del folk y los adaptó a la coyuntura en que se desarrolló, imbricando su rebeldía y sus mensajes de protesta con el éxito comercial a través del consumo masivo.

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Paul Weller, el padre del movimiento Mod Británico

El multinstrumentista es el dueño del toque típico, mágico y necesario que define al Brit Pop con la crudeza estética y melodías suaves.

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Definido como padre del movimiento Mod y, técnicamente, como instrumentista, Paul Weller basa su estilo sonoro en guitarras de marcas y modelos cuidadosamente elegidos y absolutamente funcionales a lo que necesita para transmitir musicalmente, sea en estudio como en vivo. El uso de distintas marcas y modelos de guitarras no hace que el sonido de Weller se mueva fuera de una médula estética perfectamente definida, con cada cambio de guitarras dentro de un mismo show logra los matices de diferenciación necesarios o que mas bien se adapten a sus deseos sonoros pero conservando perfectamente una linea sonora acorde y aplastante.

Las elecciones de la guitarras siempre giran en instrumentos que poseen preponderancia sonora notoria en los rangos medios, lo que hace que lo que quiera transmitir Weller a los escuchas tenga una definición absolutamente clara y preponderante en la mezcla, logrando así que cada nota que conforma cada acorde sea definida en un todo e individualmente. Así es como desfilan guitarras de cajas sólidas, de semi caja, y acústicas afianzando la filosa artillería del repertorio.

Muchas canciones podrían considerarse un ejemplo de lo que sonoramente define a Weller. Su energía es trasladada a las cuerdas tocando con púa, o bien mediante el sonido de sus dedos aplicando rasguidos crudos pero envueltos en la calidez que el contacto humano imprime a su Fender Telecaster 1958 usada con cuerdas calibre 0,10, lo que le permite una acción cómoda pero a la vez bien definida en medios, y sobre todo en graves.

Y si hablamos de la elección de los instrumentos usados por el artista, es necesario aclarar también que completan el perfecto combo de sonido, sus amplificadores Marshall y en ocasiones los amplificadores Orange, debiendo destacar el uso de su Marshall 1987XPW-660-80 Paul Weller Signature, ampli que fue diseñado especialmente por Jim Marshall para su marca. Básicamente se trata de un Amplificador de 50 vatios obviamente valvular con Parlantes Green Back de 12, y dos canales de salida, un Super Leed 1987 y otro Super Bass 1986 con un sencillo ecualizador de solo tres bandas, no hace falta más.

También cabe destacar que el repertorio de Weller no solo se recuesta en la potencia y facilidad de escucha de un rock and Soul poderoso y visceral, si no que también Weller logra en formatos acústicos traducir esa misma potencia y calidez en set intimistas donde plasma la categoría de su arte con la misma convicción y resolución artística, esgrimiendo su guitarra acústica Gibson B-45 1964 de doce cuerdas o acústicas de distintas marcas clásicas de 6 cuerdas, tanto como también ejecutando en piano pianos acústicos, y el siempre increíble e inmortal Organo Hammond. Con respecto a su historia musical, finales de los años 70’s y luego de incursionar en bandas de estilo aficionado, Weller junto a Bruce Foxton y Rick Buckler invaden la escena con The Jam, un combo increíble que entremezclaba la potencia de punk y el glam enérgico y popero del estilo New Wave enarbolando la bandera izada en los 60 por el movimiento social y cultural Mod.

The Jam afirmo con categoría y música su posicionamiento en los charts haciendo que su éxito comercial se fundamente en canciones provistas de todos lo detalles necesarios para que sean consideradas un material musical absolutamente rico y perfectamente fundamentado, tanto en lo técnico como en lo artístico, cautivando a públicos y crítica, las letras certeras y muchas veces irónicas jugaban un también un papel fundamental en la banda. En el año 1983 y por el lapso de 6 años surge The Style Council, banda absolutamente purista en su conformación, ejecución y audio, que transitaba una mezcla de estilos mas refinados y menos crudo que The Jam, en The Style Council se fusionaban el Soul el pop, y el R & B de una manera dinámica, exquisita y arrolladora.

Con una producción de un álbum por año promedio, The style desarrolla una carrera preponderante mayormente en Inglaterra, incursionando en sus letras con un sentido comprometido con la política y la critica social, y enfrentados en ideas al accionar de Margaret Thatcher. En el año 1989 su sello discográfico decide no editar su noveno álbum, lo cual hace decidir a lo mentores de la banda su disolución. Tras la disolución de The Style Council en 1989, los 15 álbumes solistas de Weller son la clara muestra indicatoria de por qué él, junto a un grupo selectos de artistas, se encarna como un ícono fundamental en la música y la cultura Británica.

Por último, asumimos que con la llegada del álbum Sonik Kicks, y luego de haber adorado su seguidilla de álbumes rockeros y souleros crudos, se sintió la ausencia de las baterías de acordes de sus guitarras tan admirables, la experimentación con sintetizadores y la incorporación preponderante de la electrónica hizo de este álbum, un disco que calificaría de necesariamente experimental para el mismo Weller en su carrera.

Invitamos a que exploren la discografía solista de este gran artista al que le dedicamos el Ultrabrit Radio de la semana que podés escuchar acá.

 

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Los 19 años de Parachutes: el sufrimiento volcado en hits inoxidables

Se cumple un nuevo aniversario del primer disco de Coldplay.

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Aquello que comenzó en 1996 como un proyecto musical encarado por cuatro estudiantes terminó dando como resultado el nacimiento de una de las bandas más importantes de los últimos tiempos. Y es que Chris Martin, Jon Buckland, Guy Berryman y Will Champion demostraron un talento innegable que, definitivamente, estaba destinado a traspasar los muros de la Universidad de Londres.

Así fue que hace casi dos décadas irrumpía en la escena musical británica Coldplay, agrupación que en sus inicios se caracterizó por una fuerte presencia de letras introspectivas y de melodías calmas para luego ir soltando su personalidad, aunque siempre manteniendo intacta a la sensibilidad como bandera. Su álbum debut, Parachutes, condensa la mezcla justa de melancolía y delicadeza, y funciona como una excelente carta de presentación que le permitió obtener el primer lugar en The Official UK Charts Company, ser galardonada con el Grammy al mejor álbum de música alternativa en 2002 y lograr el puesto número doce en la lista de los veinte discos más vendidos del siglo XXI en el Reino Unido.

Sus cuatro cortes de difusión impactaron con tanto vigor en la audiencia que aún hoy son identificados como sinónimo indiscutible de Coldplay. “Shiver” fue el primer sencillo que se publicó cuatro meses antes del lanzamiento del disco y que la banda ya había tocado en vivo el año anterior. La conjunción de un sonido agradable y de unos lyrics que exponen las dolencias de un corazón roto, hizo que fuera elegido por los fanáticos argentinos para ser interpretado en noviembre de 2017 en el Estadio Único de La Plata.

Yellow”, lanzada pocos días antes de que el LP saliera a la venta, se ha ganado el título de himno. Catalogada como una de las canciones románticas más memorables del nuevo milenio, basta con que suenen sus primeros acordes para asociarlos inmediatamente con la imagen de Chris Martin caminando abrigado sobre la orilla de una playa en pleno amanecer. En los recitales, el público la corea de principio a fin mientras juega con las enormes pelotas amarillas que rebotan sobre el campo.

Trouble” le permitió a Coldplay hacer de la destreza de Chris frente al piano, su marca registrada. El predominio de este instrumento en el tema le otorga un tono depresivo que acompaña perfectamente los sentimientos de culpa y de perdón presentes en la letra. Y si bien “Don’t Panic” no había sido seleccionada como corte, en marzo del año siguiente se editó en algunos países europeos. Al ser el track número uno del disco, anticipa el marcado estilo de las diez canciones que componen el setlist.

Estos jóvenes, que en ese entonces apenas superaban los veinte años de edad, supieron plasmar en “Parachutes” una profundidad notable. Esto logró convertir al álbum en una verdadera joya, despertando grandes expectativas sobre la banda. La tapa del disco es ilustrada por un globo terráqueo de color ámbar, el cual se destaca sobre el fondo negro. Quizás como forma de invocar un deseo o como presagio de un futuro prometedor, esta fotografía sería signo de los millones de admiradores que conquistaría Coldplay alrededor del mundo.

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