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Dougie Payne de Travis: “Nunca voy a entender a los que se cansan de tocar sus hits”

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Tuvimos una divertida charla de casi media hora con un bajista que sabe algo de melodía. A su banda, Travis, las mismas se le caen como si fueran manzanas maduras y nos habló acerca de si eso está bien o si hay que ser más experimental y sónico. Y eso nos llevó a Radiohead, y Radiohead nos llevó a Nigel Godrich y Nigel a Paul McCartney. Y la paleta se amplió llevándonos incluso, hasta el clásico de Glasgow.

El 7 de noviembre, Travis toca en el Gran Rex y nosotros te contamos con qué te vas a encontrar. Quizá con un bajista con la camiseta de Racing.

—Travis vuelve a la Argentina, y será su visita número tres. La primera fue cuando Goog Feeling cumplía 10 años, y están volviendo cuando ese disco debut está a punto de cumplir 20. ¿En qué lugar está hoy la banda y su nuevo álbum Everything at Once comparando aquellos momentos con éste? ¿Es una banda relajada y cómoda con cómo se desarolló su música a través del tiempo?

—Es gracioso, sabés, observar que la banda ya hace 20 años que está grabando. Es increíble (risas), extraordinario. Pero lo que me parece inusual es que somos los mismos cuatro tipos porque suele pasar que la banda se separa, o que un miembro se fue, o que el baterista desaparece, pero es que como banda hace 20 años que grabamos, pero somos amigos desde hace 26. Y eso es lo que cuenta. La banda puede haber cambiado en los últimos 10 años, pero la amistad es lo que lo que más nos importa. El grupo fue inmensamente exitoso, pero la amistad sobrevivirá al grupo. Así es como funcionamos.

—Es algo de lo cual estar más que orgulloso…

—Sí, absolutamente. Es algo de lo que estamos orgullosos. La amistad. Te vas poniendo más viejo, a veces más ancho (risas) pero eso permanece y de paso se nota en la música. Creo que este disco es de los más sólidos de nuestra carrera, canción por canción queda firme, ¿sabés? Se la banca. Es uno de los discos más optimistas que hicimos.

—Justamente, te estaba por decir que varias de las canciones de EAO te energizan, te ponen contento. Tienen ese espíritu melancólico y potencia melódica. ¿Cuántas canciones del álbum piensan que tocarán para nosotros en el Gran Rex?

—Bueno, ojalá podamos tocar todo el disco, pero seguro vamos a tocar varias. Las canciones son cortas por lo que vamos a tratar de tocar la mayor cantidad posible. Y así y todo tendremos tiempo para tocar los hits. Seguro entre seis y ocho tocaremos entre hit y hit.

—¿Cuál es la historia detrás de “Animals”, la canción que escribiste para el nuevo álbum?

—Es una especie de… la verdad no sé muy bien cómo explicarte… cuando escribís una canción… a ver… creo que es una especie de relato de cómo se relacionan los animales con los seres humanos. Es decir, todos somos animales, hay un cordón emocional, aunque tratemos de simular que no lo hay. A pesar de todo nuestro desarrollo, por ejemplo… tecnológico, todo eso que inventamos, es decir, es de un inteligencia enorme, pero en el fondo, o en nuestro núcleo, somos animales, vulnerables, en todo lo que sea básico, en lo intrínseco, en la vulnerabilidad…

—O sea, no hay un mensaje político. No es algo político como podrían ser otras obras musicales a los que nos remite el nombre Animals. Se me vienen a la mente el disco de Pink Floyd o la canción de Muse del mismo nombre…

—No, no hay nada político en este disco, de hecho, puede que haya algo de política en 12 Memories (2003). Pienso que escribimos más desde lo personal, hacia amigos, novias, hijos, esposas, escribimos desde lo personal más que desde lo político. Sí, político es “Peace The Fuck Out” de aquel disco, pero siempre desde un punto de vista personal. Siempre.

—Cambiando de tema, ¿nos metemos con tu instrumento principal? Como el bajista de la banda, ¿cuáles fueron tus influencias principales?

—Mi bajista favorito es Paul McCartney. Me parece que su sentido de lo melódico cuando es momento de tocar el bajo es de no creer. Es grooving as fuck (risas)…

—Y vos lo conociste. Grabaste con él, ¿no?

—Sí, un tipo adorable. Cool. Gran bajista. Otro que me gusta mucho es James Jamerson. ¡Y Lemmy! Lemmy es increíble.

—Cuando tocaron en Buenos Aires en 2007 fue en un estadio de fútbol grande, con (curiosamente) no tanta gente, y su show fue una verdadera sorpresa, ya que fue una fiesta, pero podría haber sido un concierto bastante más frío debido a los espacios vacíos de las tribunas. Esta vez los veremos en el teatro Gran Rex, que es un sitio fantástico, mucho más intimista y estará seguramente lleno: ¿preparan ustedes la lista de canciones según cómo sea el lugar?

—No, mirá, nosotros tenemos una gran cantidad de canciones que sabemos que tenemos que tocar. Nunca voy a entender esa postura que tienen algunos al decir: “Basta, no voy a tocar los hits nunca más” o “estoy aburrido de tocar los hits”. Nunca voy a entender a los que se cansan de tocar sus hits. Tocar las canciones que conoce la gente, son el lazo entre la audiencia y la banda. Lo mejor de un show, independientemente de cuál sea el lugar donde toquemos, es que es algo comunal. Es cantar en grupo, no importa cuán masivo sea, puede ser un partido de futbol, o un concierto, la gente canta en grupo. Y cantan en grupo porque individualmente, la gente suele ser tímida. Es tímida para cantar. Y cuando entregás tu voz, te entregás vos por completo. Cuando estás en medio de una multitud, cantás a lo que te dé la voz. Es una cosa mágica, es lo mejor.

—Y así es como construís una fiesta…

—Exactamente! Es una cosa de “comunidad”. Sabés, en nuestros shows, no importa cuál sea el listado de temas que toquemos, es 10% Travis, 90% la audiencia.

—Hablaste de fútbol y como sabrás, los argentinos somos una comunidad futbolera. Siendo de Glasgow, supongo que serás o del Celtic o de los Rangers…

—¡Soy de los Rangers!

—Bueno, entonces te alegrará saber que yo soy hincha de Racing Club y a lo mejor no recordás que en 1967 le ganamos al Celtic la Copa Intercontinental… ¡somos como amigos!

—(Risas) Excelente, entonces escuchame, cuando vayas a nuestro show, llevame una camiseta de Racing, ¡yo te llevo una de Rangers!

—Ok, es un trato entonces. Volviendo a la música: Creo que The Man Who (1990) es un disco ideal para momentos románticos, ¿estás de acuerdo?

—Sí, es un disco muy romántico. Y eso un disco de ruptura. Cuenta la historia de una ruptura pero no deja de ser increíblemente romántico. Es triste…

—Es tierno…

—Es tierno, sí. Muy tierno y romántico. Tiene nuestro espíritu pero también el de Nigel Godrich. Nigel creó paisajes sónicos que llevó las canciones a otro nivel más alto, pero siempre muy romántico. Y siempre me acuerdo, vos sabés, cuando salió ese disco, nosotros veníamos de lanzar Good Feeling, un disco bastante más rockero, o sea, éramos una banda de rock, entendés…

—Absolutamente.

—Y bueno, éramos “All I Want To Do Is Rock”, viste? (habla de su hit del álbum debut). Pero cuando lanzamos The Man Who, todo el mundo, la prensa, fue increíble, las revistas, diarios, en sus reseñas se preguntaban “adónde se fue esta banda? Este disco es terrible!”. Oh, mi Dios, qué vamos a hacer ahora?(Risas)

—¡Mentes cerradas, presentes!

—Sí, mi Dios! Que nos den una chance de pasar el single por la radio, pedíamos. Hasta que un muchacho nos dio una oportunidad en Radio One y todo cambió, pero es así, una cosa es la prensa y otra el público.

—Totalmente. Nigel Godrich es un productor muy relacionado con Radiohead, una banda que es etiquetada como revolucionaria y muy experimental pero –y esta es mi opinión- que hace décadas que prioriza a menudo el sonido por sobre la melodía. A veces la crítica dijo sobre Travis justo lo contrario, que es una banda que se siente “cómoda” pero medio despectivamente, debido a la riqueza de sus melodías. ¿Qué piensas sobre eso y cómo es el enfoque de Godrich cuando empiezan a grabar con él? ¿Es prepotente o más bien relajado en el estudio?

—Estoy de acuerdo. Para nosotros, melodías. No vamos a presionar para empujar límites desde lo sónico. No somos una banda que vaya a empezar a hacer un álbum de dubstep. Nosotros traemos canciones con melodía, lo más melódico posible, somos pasionales sobre eso. Y con respecto a Radiohead, Thom tiene grandes melodías, claro, pero creo que se aburrió de ellas. Quiere testear lo sónico. Se cansó de las lindas melodías, me parece. Debe ser un tema de hartazgo. Y eso está bien con Nigel. Y nosotros, trabajamos con Nigel escribiendo realmente lindas canciones y él estaba justo en la cima, pero las dos partes se complementaron a la perfección para The Man Who. Él puso lo suyo, pero las melodías seguían siendo accesibles, fue un matrimonio perfecto.

—Bueno, justamente, hablando un poco de ese “matrimonio”, y retornando a McCartney, Nigel produjo Chaos And Creation In The Backyard y es notable cómo realza aún más las grandes melodías allí…

—Mirá, ¡sí! Es gracioso pero prácticamente nadie, ni siquiera los fans de McCartney saben mucho de ese disco. Estoy de acuerdo con vos, es mi disco favorito de Paul McCartney, es un álbum brillante. Y me acuerdo que una vez me encontré con Nigel, creo que en Paris, estábamos por tocar en un show y terminamos hablando acerca de Paul y me acerqué y le dije “Nigel, te acordás de ese disco Chaos And Creation? Es un disco de putísima madre, brillante!” Y me dice “¡¿Qué?! En serio?”, y yo “sí, man, es mi disco preferido de McCartney”, y -recordá que él se volvió masivo con Radiohead- y se me pone todo emotivo (risas) “pero si a nadie le gustó!” (risas) Vamos, a la gente correcta le encantó ese disco. Mi dios, Jenny Wren, esa canción es impresionante.

Travis se presenta este lunes 7 de diciembre a las 20:30 horas en el Teatro Gran Rex. Las entradas anticipadas cuestan $350 y se pueden conseguir acá.

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Valle de Muñecas: “Lo importante es hacer las canciones que tenemos ganas de hacer, nunca nos guiamos por el mercado”

La banda que este año está cumpliendo una década y media de existencia se planta de manera honesta y fiel a sus convicciones dentro del universo del rock local.

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Shoegazing, punk, melodías pop y muchas cosas más conviven dentro del universo Valle de Muñecas. “Hay muchas bandas que influencian a Valle de Muñecas, Television, R.E.M., Smiths, Sonic Youth, Dream Syndicate, Jesus and Mary Chain, Pixies, Husker Dü por citar algunas pero también cosas más actuales como Arctic Monkeys, Strokes, Raveonettes, DIIV, Parquet Courts, etc. Nosotros empezamos todos tocando en bandas Punk, así que eso también es algo que está muy presente en el sonido y en la actitud”, dice Fernando Blanco para explicar un poco el ADN de la banda.

Valle de Muñecas fue, de alguna manera, la continuación y evolución de Menos que Cero, donde Manza ya componía cosas como “Cartas” y “Kodak 74”,  dos canciones que podrían tranquilamente formar parte del repertorio actual de Valle de Muñecas.  “La diferencia entre Valle de Muñecas y Menos que Cero es que es otra gente la que me acompaña, y cada uno aporta su bagaje personal de música escuchada. Y si bien yo sigo escuchando música que escuchaba hace 20 años cuando tocaba en MQC, pasaron muchas cosas desde entonces, y uno va descubriendo cosas nuevas todo el tiempo”, aclara Manza.

Cuando Valle de muñecas habla de influencias, no solo se centra en el plano internacional, también  recuerda a sus contemporáneos y hasta elogian a las nuevas generaciones del indie nacional.  “Yo miro todo el tiempo qué es lo que pasa acá, pero obviamente no nos ha marcado demasiado el clásico rock nacional. Encuentro más empatía con algunos músicos de mi generación (Francisco Bochaton, Rosario Blefari, Boom Boom Kid), y veo en El Mató y toda las bandas que vienen detrás al fin una escena que tiene que ver con la música que siempre escuché”, cuenta Manza.

A lo largo de los años, Manza y los suyos tuvieron una relación un poco distante y hasta extraña con la popularidad, pero fue con la publicidad de la Campagnola que apareció la elegante canción con aires folk “Tormentas”, para que hasta al más distraído se le peguen las primeras y poéticas líneas: “Soy el aire entre tus dedo, una más de mil maneras de fingir la primavera…”.

“Uno no hace las canciones sin esperar nada a cambio, nos gustaría ser más populares pero no estamos dispuestos a ceder nada para que eso suceda”, aclara Fernando. “Obvio que nos gustaría que nuestras canciones lleguen a la mayor cantidad de gente posible, pero no es una decisión solo nuestra, pesa mucho más lo que opinen el público y los medios para que esto ocurra. De todos modos, para nosotros lo más importante es hacer las canciones y discos que tenemos ganas de hacer, nunca nos guiamos por el mercado”, suma Manza para explicar un poco más la postura que Valle de Muñecas tiene con respecto al tema desde que están en la carretera haciendo canciones.

Los Valle de Muñecas siguen haciendo su camino sin mirar a los costados, haciendo lo que mejor saben hacer: Canciones.

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Simon Raymonde, ex Cocteau Twins, sobre su nuevo proyecto: “Nuestro álbum demuestra igualdad”

Años después de la disolución definitiva de Cocteau Twins y con la construcción de su propio sello discográfico, Simon Raymonde se unió al baterista Richie Thomas para crear Lost Horizons.

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Años después de la disolución definitiva de Cocteau Twins y con la construcción de su propio sello discográfico, Simon Raymonde se unió al baterista Richie Thomas para crear Lost Horizons. Su álbum debut, Ojalá (en español en el original), nos regala eso que a veces se pierde despacio entre murmullos y ruido, tan sanador y vital que algunos niegan y otros pueden confirmar, que se llama música.

Esta fue la charla que Raymonde mantuvo con Ultrabrit.

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Ultrabrit: Formaste parte de los legendarios Cocteau Twins, y cuando se separaron definitivamente le diste forma a tu propio sello, Bella Union… ¿Qué crees que le hacia falta a la industria para crear una discográfica como ésta?

Simon: Es una buena pregunta, creo que tuvimos muy malas experiencias con nuestros primeros sellos discográficos, relaciones malas, donde no había amistad, y finalmente en 1997 creamos nuestro propio sello con la idea de hacer nuestra propia música.

U: Suena a que crear tu propio sello discográfico es crear tus propias reglas…

S: Bueno sí, exacto, no tenés que preguntarle a nadie si lo que estás haciendo está bien. Simplemente lo hacés. Tomás las decisiones que querés, hacés los videos que querés, sólo lo charlas con tus compañeros. Obviamente es una teoría, la realidad es un poco diferente.

U: ¿Cuáles son los factores que la gente no puede ni imaginarse sobre tener un sello propio? ¿Qué es lo más difícil y qué es lo más divertido?

S: Lo más divertido o lindo es ver cómo las pequeñas bandas que llegan con sus demos comienzan a evolucionar y a crecer de nuestra mano, ganándose su público. Es un ejercicio a largo plazo. No se trata de los charts ni billboards, se trata de volverse la mejor versión de uno mismo como artista. Es algo que es más duradero que un hit, significa mucho más, es ser parte de algo con propósito.

U: ¿Creés que los álbumes físicos van a desaparecer?

S: Creo que soy de una generación en la que eso no va a pasar. Pero es cierto que hay una generación, la generación track, generación Spotify, que no saben lo que es escuchar un álbum completo. Si bien todo puede cambiar ya que esa misma generación está comenzando a revalorizar los vinilos como objetos vintage, pero quién sabe.

U: El nuevo disco de Lost Horizons se llama “Ojalá”. ¿Por qué el título en castellano?

S: Porque es una palabra muy importante, es una palabra hermosa, con un significado especial, no sólo para mí sino para el planeta en el que vivimos los ciudadanos del mundo en el presente. Tenemos muchas cosas por las que preocuparnos hoy, y ‘Ojalá’ es una expresión de optimismo y es tener un marco de positividad sobre que todo va a funcionar mejor no sólo para uno mismo si no para el mundo entero. Incluso haciendo algo pequeño, como un gesto para otra persona, una sonrisa, abrir la puerta a alguien mayor, eso le puede cambiar el día a alguien.

U: En su música hay muchas voces femeninas, ¿por qué tantas variaciones?

S: Supongo que porque me gustan las voces femeninas; ojo, igual que las masculinas, creo en un 50/50. Tal vez por cómo me criaron que el álbum demuestra igualdad. Creo que en el mundo hay muy pocas mujeres en puestos en los predominan los hombres, tanto en la radio, en la música, en los festivales, etc. Creo también que las acciones valen más que las palabras, tal vez por eso hay tantas voces femeninas en Ojalá.

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Greg Gonzalez de Cigarettes After Sex: “Es muy especial comprar un disco, es como una pieza de arte”

A días de su primera visita a la Argentina hablamos con la mente detrás de Cigarrettes After Sex, el grupo pop de Brooklyn que se enfoca en música ambiente y tiene seguidores por todo el mundo.

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A días de su primera visita a la Argentina hablamos con la mente detrás de Cigarrettes After Sex, el grupo pop de Brooklyn que se enfoca en música ambiente y tiene seguidores por todo el mundo.

Cuando hablamos con Greg Gonzalez, compositor de CAS, no estaba en Nueva York, donde vive hace años. Tampoco estaba de visita en El Paso, su ciudad natal. Greg nos contesta desde Bruselas, donde esa noche darán con su banda uno de los shows más convocantes de la gira europea que terminó recientemente. Desde que Cigarrettes After Sex cultivó visitas en su canal de Youtube que no paró de crecer, transformando singles en un EP y más tarde en su primer álbum de estudio, de hombre homónimo al grupo. Y entonces llegó el momento de que los seguidores los vean en vivo y así será en la próxima edición del Festival BUE.

Ultrabrit: ¿Cuál era el propósito de grabar un álbum tradicional cuando el medio que los hizo conocidos fueron las redes sociales y Youtube?

Greg Gonzalez: Creo que es algo que siempre estuvo en mi cabeza, solo que fue difícil decidirme en cómo hacerlo y cómo debía sonar. Hicimos el EP y pensé que estaba muy bien pero me costó un tiempo recapturar esa magia. Lo que pasó es que fui a Nueva York, encontré nuevas cosas y finalmente encontré el sonido que me gustaba. Con la canción Affection pensé “ok, esto suena bastante bien, es hora de armar un disco” y usamos el sonido de Affection como el sonido del álbum y basamos todo lo demás alrededor de ese sonido que me gustaba tanto. Eso tomó un tiempo.

Pero era algo que siempre quise hacer y creo que cualquier artista que importe quiere completar su trabajo. Ya sea un compositor clásico como Mozart o una banda como los Beatles, todos tienen una versión extendida de su trabajo que quieren sacar y mostrar cómo suena.

U: Habiendo generado un público a través de Internet, ¿qué valor tiene vender copias para vos?

G: Es interesante porque las cosas cambiaron con el streaming y eso es genial, o sea hay gente escuchando música y siempre ha sido así a través de los años ya sea con vinilos, CDs o MP3s y ahora streaming así que creo que es una cuestión de conveniencia, lo que es bueno. La gente debería tener fácil acceso a la música.

Cuando la gente compra discos significa que son fans, que hay algo que quieren coleccionar de la banda. Es muy especial que la gente quiera comprarlo, es como una pieza de arte en una casa. Son dos cosas diferentes, la gente que escucha por streaming y la disfruta hasta ahí y el coleccionista que quiere tener el vinilo. Son los dos válidos, los dos son buenos.

U: ¿Sos coleccionista?

G: Cuando era más joven solía tener una gran colección de vinilos y CDs pero cuando empecé a moverme tanto descubrí que no podía cargar todo eso conmigo así dejé de ser un coleccionista y ahora escucho música por streaming. Lo que sí quiero hacer es tener mis 10 discos preferidos en vinilo, eso es lo que principalmente quiero coleccionar, solo en caso que quiera poner uno, son álbumes muy especiales para mi.

U: Las giras son largas, ¿tenés la capacidad de componer y mantener el ritmo de viaje al mismo tiempo?

G: Sí. Vivo y respiro música, es todo espontáneo. Estoy tirado en la cama y una canción entra en mi mente y la grabo con mi teléfono y solo aparece de la nada. A veces estoy tocando la guitarra, invento una canción aunque no esté tratando de escribir una canción, es una cosa muy natural en mi, es como funciona mi mente.

U: No tenés ningún ritual especial…

G: Escribo cuando llega el momento. A veces tengo que estar a solas para trabajar en la letra. A veces, si quiero relajarme un poco, prendo una vela o me sirvo un trago de scotch. Pero son cosas que no puedo hacer muy seguido así que escribo donde sea.

U: ¿Cómo es el proceso creativo con el resto de la banda?

G: Soy un freak del control así que yo llevo las letras, las melodías y los acordes a la banda y ellos lo que hacen con todo eso es crearle un ambiente particular. A veces improviso con ellos pero la banda no escribe letras sino que le da un sentimiento de base al tema.

U: Tu música es especial para hacer de banda sonora de un film. ¿Con qué director te gustaría trabajar en algo así?

G: Me encantaría hacer una banda sonora, algunos de mis álbumes preferidos son soundtracks, son muy mágicos e influyen mucho en mi. Si hiciéramos una para una película creo que el director con el que me gustaría trabajar es Thomas Anderson. Ha hecho cosas muy buenas y creo que podríamos lograr algo juntos, si alguna vez tengo la chance.

U: ¿Qué esperás de tu paso por Sudamérica?

G: Estoy emocionado por ver cómo todo es, cómo es la gente. Parece que tenemos fans muy apasionados en Argentina, cuando hablo con ellos están emocionados por mi música. Creo que va a ser un buen show y va a ser divertido conocer a todos los fans.

Cigarettes After Sex son Greg Gonzalez, Jacob Tomsky, Phillip Tubbs, Randall Miller. Se presentarán por primera vez en Buenos Aires el 15 de diciembre, en el Día 1 del Festival BUE.

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