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#DiscosFundamentales: Morrissey con YOU ARE THE QUARRY

Golpeando las puertas del mainstream.

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Los fans de The Smiths de la vieja guardia, los que andamos pisando las cinco décadas y escuchábamos a la banda en tiempo real allá por la segunda mitad de los ochentas, luego del forzado por las circunstancias debut de “Morrissey Viva Hate” -una exquisita y sorprendente ópera prima- vimos como en la década siguiente nuestro retorcido antihéroe se debatía entre algunos trabajos irregulares y otros muy contundentes, escándalos mediáticos de grueso calibre (el festival Madstock en Finsbury Park acompañando a Madness, el juicio por regalías a cargo de Mike Joyce), hasta llegar a un largo exilio californiano, acompañado por siete años de silencio discográfico.

El lapso posterior a “Maladjusted” (1997) fue extenso y misterioso, interrumpido por una inesperada gira por Latinoamérica en el 2000 que lo depositó, para nuestra locura y por primera vez en Argentina, en el estadio Luna Park un 30 de Marzo. En ese hiato de siete años, en el que Moz no tuvo un sello discográfico que quisiese editarlo y del cual sólo salía a tocar de manera selectiva con su grupo, algo tiene que haber ocurrido en su mente de nihilista contradictorio, de outsider resentido, de eterno relegado por la humanidad.

En 2004 y para nuestra absoluta perplejidad, la de sus fans más acérrimos, ya acostumbrados a adorar a un artista que se autoboicoteaba con orgullo, no daba entrevistas por su odio a la prensa, detestaba los videoclips, no le gustaba mucho salir de gira o suspendía a sus anchas, el hombre sin nombre anunciaba su vuelta al ruedo con nuevo LP y un operativo de marketing propio del nuevo milenio. Reportajes sonrientes, apariciones televisivas fulgurantes, gira por USA y resto del mundo, y un regreso triunfal a Manchester tras 12 años sin pisar su propio barrio, para un concierto multitudinario justo el día de su cumpleaños número 45. Todo lucía tan febril como irreal, parecía planificado por una mente calculadora y brillante.

¿Qué fue lo que ocurrió para que todo este milagro impensado tomase forma? Casi simple y elemental: su nuevo sello discográfico, Sanctuary Records, inteligentemente no sólo le puso el dinero arriba de la mesa para editarlo, sino que decidió masajear su enorme ego y le planteó una nueva estrategia de posicionamiento como artista. Morrissey debía ocupar un espacio de elegido, de crooner moderno que vuelve renovado y con otro sonido, y con claras intenciones de que las nuevas generaciones también sepan de su leyenda. Y todo eso, sazonado con un jugoso puñado de grandes canciones.

Hubo también una decisión muy importante que fue mérito del propio Moz: este disco de regreso debía sonar distinto a todo lo hecho anteriormente, y ese sello de distinción se lo dio la elección de Jerry Finn como productor (Rancid, Green Day, Blink 182, Offspring, Bad Religion), quien hizo de “You Are The Quarry” una muestra de modernidad sorprendente. El LP suena todavía hoy contemporáneo y poderoso, con su voz pristina bien al frente, las guitarras solventes de sus dos songwriters (el correcto Boz Boorer y un descollante Alain Whyte), bases preseteadas con buen gusto, arreglos sutiles, algunos otros chiches de cosa nueva. La jugada de Finn como productor fue uno de los grandes logros del regreso del mancuniano a las bateas, algo que repitió unos años después, también con éxito, en “Years Of Refusal” (2009).

Todo lo que vino después es historia más o menos conocida. El disco fue un éxito en ventas (puesto #2 en el UK chart) y tuvo muy buenas críticas por parte de la prensa. Morrissey se presentó en televisión a tocarlo en vivo en muchas oportunidades (imperdibles las de Jimmy Kimmel, que terminaron siendo parte del DVD de la edición especial), su concierto en el legendario Earls Court de Londres fue disco oficial al año siguiente, su show de regreso a Manchester se transformó en “Who Put The M in Manchester?”, su enorme DVD testimonial. Además, el LP tuvo una edición extra De Luxe sin desperdicios (vaya paradoja con una nueva gran contradicción, para quien lea la vieja letra de “Paint a Vulgar Picture”), fue headliner en Glastonbury de ese año y en casi todos los festivales de Europa, su gira latinoamericana lo depositó como máxima estrella en la primera edición del Personal Fest argentino, el 5 de noviembre de 2004.

El discazo “You Are The Quarry” transformó a “Irish Blood”, “English Heart”, “The First Of The Gang To Die”, “Let Me Kiss You”, “I Have Forgiven Jesus”, y “I Like You” en himnos totales, canciones que siempre estarán entre las elegidas por sus fans como de las mejores de su carrera solista. Desde lo lírico, Moz atiende sin turno a todos y todas: a USA y su avidez por tierras y recursos, a los políticos británicos y la Realeza (por supuesto), a la iglesia católica y sus manipulaciones de mentes, a las discográficas y la prensa escrita (no podía fallar), a Dios y María Santísima. Como un adelantado en la materia, insta a las mujeres a dejar de ser esclavas de sus hombres y liberarse del patriarcado, se flagela con ironía y se autovenera, homenajea a su barrio preferido de Londres con una hermosa viñeta urbana. Un trabajo apuntado a penetrar en el mainstream pero desde el camino más empinado, desde la polémica y la incomodidad, como no podía ser de otro modo viniendo de un artista tan complejo y difícil de llevar.

Esto ocurrió de forma inesperada en Mayo de 2004, planificado puntillosamente por artista y sello, para sorpresa y beneplácito de los amantes de la música. “You Are The Quarry”, con su arte de tapa amenazante y su título autorreferencialmente mordaz, transformó a Moz en una figura mundial que siempre es noticia, le sumó millones de nuevos fans en todos los rincones del planeta. Pero antes de este Disco Fundamental, nosotros, sus extremos seguidores de la vieja época, la teníamos bastante compleja y parafraseando el título del LP, éramos una presa fácil. Ya no parecía ser necesario explicar porqué escuchabas a Morrissey. Este fue el camino de la resurrección definitiva de un artista tan obstinado como irrepetible.

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Dua Lipa y The Weeknd encuentran nuevos horizontes

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Dua Lipa – Future Nostalgia

El crítico musical Simon Reynolds desarrolló el concepto de Retromanía en su libro del año 2010. Allí cuestionó lo novedoso, o no, de los grupos musicales del siglo XXI. Cuánto hay de original, cuánto hay de influencia por parte de artistas del pasado, por qué como consumidores nos volvimos adictos a lo retro.

El último LP de Dua Lipa quiere jugar indirectamente con eso. La elección del título, audaz y ambicioso, propone no sólo despegarse a sí misma de la época de New Rules (2017) sino allanar el camino para un nuevo sonido.
El arranque es prometedor. Future Nostalgia coquetea con el primer Daft Punk y con la más incisiva Lady Gaga. Lipa la anunció como una oda a aquellas mujeres alfa que la inspiraron para ser quien es. Un auténtico banger.

La misma suerte corre el disco, constante en su afán energético y up-tempo. Otros de los momentos más interesantes son Physical, conocido por haber sido el segundo single del álbum y por la referencia al clásico de Olivia Newton-John (1981); Levitating Break My Heart. Estas últimas dos, aunque bien distintas una de otra, por acción u omisión abordan el dance crying. Dua Lipa se refirió a Levitating como el lugar donde “exploró hacer canciones felices sin caer en el dance crying”.

Por el contrario, Break My Heart (sample de INXS incluído) es donde Lipa anticipó en una entrevista: “acá es donde vuelve lo de dance crying”. Hasta la categorizó como el ejemplo perfecto para una canción de ese estilo.
El track no deja de ser una reflexión sobre la romántica vulnerabilidad de envolverse en una relación amorosa.

Hablando de reflexión, la canción que cierra el disco, Boys Will Be Boysvuelve sobre la cuestión de género y cómo se perpetra el status-quo de las desigualdades. El intento de abordar la cuestión fue más arriesgado que la ejecución en sí. Lipa parece haber agotado los recursos a esta altura del disco: un redoblante corta la vibra pop de un ya de por sí apagado estribillo. Sin embargo se valora la intención.

The Weeknd – After Hours

Otro que parece haberse juntado con la gente correcta es Abel Tesfaye, mejor conocido como The Weeknd. Para embarcarse en el mundo del synthpop experimental recurrió a Daniel Lopatin, nombre propio del proyecto Oneohtrix Point Never y guía turístico del canadiense durante After Hours, su cuarto álbum.

After Hours es el lanzamiento comercial (mixtapes aparte) más arriesgado de The Weeknd. Si bien todos sus discos tuvieron puntos interesantes, en mayor o menor medida, la búsqueda esta vez va por un lado futurista, en contraposición al sonido ochentoso de sus predecesores.

Alone Again, primer track, es una canción que sirve como catalizador de lo que vendrá en el resto del disco. Los primeros acordes tienen la huella dactilar de Illangelo, responsable de la solidez de la canción.
Scared to Live es una balada sincera, menos audaz pero más cercana al sonido radial que mejor le sienta al canadiense. Elton John, acreditado en la canción por el coro “I hope you know that, I hope you know that” (ver Your Song, 1970), dio el visto bueno y lo celebró.

After Hours tiene un quiebre en la novena canción, Blinding Lights. A partir de allí, la proposición de The Weeknd parece ser otra: una más pop, menos nocturna y lejos de drogas y autoflagelación. Es la zona de confort de Abel y la que mejor sabe hacer. Allí donde buscaba nuevos horizontes a comienzo del disco, en esta parte cambia la fórmula. Max Martin, histórico productor sueco, corre por un rato a Illangelo y a Lopatin para dar lugar a teclados energéticos.

After Hours es la búsqueda de nuevos resultados, aunque no necesariamente The Weeknd los encuentre durante los 55 minutos de duración de After Hours. Los picos de calidad se dan siempre que el canadiense repite fórmulas pasadas.

 

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I Am Not a Dog On a Chain, lo nuevo de Morrissey

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Menos de un año tardó Morrissey en lanzar un nuevo álbum. El último había sido California Son (2019), producido por el norteamericano Joe Chicarelli (White Stripes, Spoon, Broken Social Scene), donde hubo una clara intención de dar un giro a los últimos trabajos que venía publicando el astro inglés. El álbum, integrado por covers y reversiones, tiene una selección de canciones muy personal y de un gusto muy fino.
La intención fue tan o más interesante que la ejecución.

La vara de la producción se elevó y encontramos a un artista como Morrissey volviendo, por momentos, a aquellas épocas de solista que tanto añoramos.

La propuesta de I Am Not a Dog On a Chain es similar pero no idéntica. A priori, se presenta no como un retorno hacia la época dorada de Morrissey (la seguidilla Viva Hate, Kill Uncle, Your Arsenal, Vauxhall and I, etc) sino hacia la reinvención de una nueva. Tarea difícil para un artista cuyas noticias más leídas en los últimos tiempos no fueron por su obra en sí, sino por obtusas declaraciones respecto a la inmigración o la culpabilidad de Kevin Spacey, por citar algunas. Por momentos, Moz parecía cerrarse cada vez más en su propia coraza.

De lleno en este nuevo lanzamiento, el track elegido como single fue “Bobby, Don’t You Think They Know?”, una cruza, por momentos interesante y por momentos confusa entre R&B y rock alternativo. Una empática interpelación un pobre Bobby sobre su abuso de drogas.

La encargada de abrir el disco es Jim Jim Falls, donde Morrissey no se muestra tan amable. Por el contrario, “Si te vas a matar, entonces por el amor de Dios, hacelo de una buena vez” es la frase definitiva de esta canción que promete nuevas cosas.

Otros puntos interesantes son I Am Not a Dog on a Chain, la canción que da nombre al disco, y luego Darling, I Hug a Pillow.
La primera es una auténtica explicación de por qué Moz se comporta como se comporta. Sirve a modo de respuesta en primera persona a todas aquellas críticas que buscan abatirlo, aunque él demuestra cómo es capaz de evitarlas.
La segunda es una balada en tiempos de distanciamiento social: el “amor físico” y la incapacidad de ejercerlo. Su efectiva letra recurre a imágenes muy visuales sin ser grandilocuente.

I Am Not a Dog On a Chain es el disco más Morrissey que Morrissey lanzó en el último tiempo. La cuidada producción acompaña al inglés a no caer en lugares comunes y lo logra empujando los límites de lo esperado. La capacidad vocal y performática de Morrissey es siempre espectacular y por eso está fuera de discusión, pero siempre es bueno encontrarlo en proyectos más sólidos y audaces.

 

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Presentan temas inéditos del “Flaco”

El día que Luis Alberto Spinetta hubiera cumplido 70 años se presentó “Ya No Mires Atrás”, álbum compuesto por siete temas inéditos grabados entre 2008 y 2009.

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El mismo día que se conmemoró en Argentina un nuevo aniversario del nacimiento de Luis Alberto Spinetta, que hubiera cumplido 70 años, por el que se celebra el Día Nacional del Musicx, su familia lanzó un disco con temas inéditos del icónico musical.

Según lo explicitó Sony Music, “Ya No Mires Atrás” esta constituido por siete temas grabados por el Flaco entre 2008 y 2009, que fueron encontrados de forma casual en su ámbito privado a principios de 2012.

“Lo encontré hace casi ocho años, a los pocos días de que él se fue”, relató su hija Catarina Spinetta, en una nota con el diario La Nación, donde contó que la familia decidió hacer la mezcla y masterización para luego compartirlo con los fans.

El álbum incluye tracks como “Veinte ciudades”, “Luces y sombras”, “Nuevo Mundo, Luna Arjo”, “Diadema” , “Agua del Río”, el sencillo que le da el nombre y aparece en el capítulo de “Bios: Vidas que marcaron la tuya”, serie producida por National Geographic que se estrenó en septiembre de 2019, dedicado a Spinetta. “Merecer”, por otro lado, cuenta con la participación de sus hijos Valentino y Dante.

Además el dibujo del arte es obra de Spinetta y el diseño del artista argentino Alejandro Ros. El disco próximamente se editará en versión vinilo.

Escuchalo completo acá:

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