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Belle And Sebastian: “Grabamos un disco optimista pero con trasfondo político”

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La banda escocesa liderada por Stuart Murdoch se encuentra presentando Girls In Peacetime Want To Dance, su noveno disco de estudio después de cinco años de inactividad discográfica. A poco de cumplir 20 años sobre los escenarios, los Belle And Sebastian desafiaron su propia historia y sorprendieron con un disco tan innovador como fiel a la esencia de la banda.

Cuando se piensa en Belle And Sebastian, lo que tiende a evocarse en la memoria son aquellas infalibles melodías clásicas de “Get Me Away From Here I’m Dying” o” I’m A Cuckoo”, la voz tenue y aterciopelada de Murdoch (o Stevie Jackson o Sarah Martin), esa amabilidad predominante en su sonido, canciones introspectivas y letras ingeniosas. Difícilmente asociemos al sexteto escocés con un beat bailable apto para boliches y una línea de estribillo que diga “Jump to the beat of the party line!”. Pero los mismos que durante casi dos décadas conquistaron con su pop tan alegre como melancólico, hoy apuestan a mantener su vigencia experimentando con géneros upbeat y temáticas menos unipersonales y más amplias. El propio Colburn atribuye el primer viraje al haber trabajado con el productor Ben H. Allen (Bombay Bicycle Club, Deerhunter) que los acercó al dance, el disco y el funk; y el segundo, al proceso del voto de independencia que atravesó Escocia el año pasado, con el que la banda estuvo muy comprometida (a favor de la separación del Reino Unido) y que los obligó a salir de sus cuartos y ponerse en contacto estrecho con la realidad que los rodeaba.

Lo fascinante de Girls In Peacetime… es que, detrás de los novedosos sintetizadores que guían varias –por no decir la mayoría– de las melodías o los inesperados solos de guitarra eléctrica (“The Book Of You”), la impronta de la banda se mantiene intacta. Y si bien esa presencia puede detectarse a veces en la superficie a nivel sonoro (“Ever Had A Little Faith?”, uno de los temas más refrescantemente Belle And Sebastian del disco) o lírico (“Nobody’sEmpire”, personal y confesional al mejor estilo Murdoch), tiene un anclaje más profundo, menos evidente. Belle And Sebastian hace cambios en varios niveles, incluso rompe estéticamente con sus clásicas tapas monocromáticas al estilo The Smiths, pero conserva su voz. La voz narrativa, la voz enunciativa, que los define y autorreferencia de manera inconfundible. La banda conserva su identidad inalterada, y ese es el logro más definitivo del noveno disco de los de Glasgow: animarse valientemente al cambio sin perder todo eso que los hace lo que son. Girls In Peacetime es una proclama de vigencia.

Richard Colburn es el baterista de Belle And Sebastian desde que ésta es una banda propiamente dicha. Es decir, desde el momento en que Murdoch y Stuart David decidieron ensanchar sus filas después de haber grabado a dúo aquel inaugural Tigermilk en 1996. Colburn ha estado detrás de esas tantas veces tímidas (pero acertadas) bases rítmicas que acompañaban las canciones gentiles de la banda, y que ahora, ante el atrevimiento sonoro, adquieren protagonismo y volumen en la mezcla. Al teléfono, con un fuertísimo acento escocés, tan simpático como indescifrable, habla animada y amablemente sobre un presente que los encuentra animándose a hacer bailar y que los traerá por Argentina el martes 20 de octubre en el escenario del Teatro Gran Rex.

-Girls In Peacetime es su primer disco después de cuatro, casi cinco años desde su último lanzamiento. ¿Qué rol les parece que cumple este álbum en su discografía?
-Es decididamente diferente. Es bastante diferente que cualquier cosa que hayamos hecho antes. La mayor parte del disco se siente así porque nos volvimos un poco más electrónicos en muchas de las canciones. Nuevo productor, nueva forma de trabajar. Es definitivamente una especie de partida desde nuestro disco anterior.

-¿Qué te parece que es diferente?
-En principio es sólo la forma en que fue grabado. Estilísticamente también. Quiero decir, la mitad del álbum es más electrónico. Tuvimos canciones raras y electrónicas como “Electronic Renaissance” pero en este caso es más amplio, hay toda una sección del disco, todo un concepto alrededor de eso. En ese sentido es diferente la propuesta.

-Siempre elijen títulos muy interesantes para todo lo que hacen. ¿Qué podés decir de este?
-Básicamente, Stuart tiene un libro lleno de títulos para discos y canciones. Cada vez que alguien dice algo interesante o ve un grafiti o lo que sea, lo anota. Tenemos un libro gigante lleno de frases e ideas. Palabras. Dichos. Así que creo que simplemente va extrayendo cosas de ahí. No creo ni estoy seguro de que tenga algún significado real.

-Parecería que siempre hay ciertos estados de ánimo que atraviesan cada uno de sus discos, como un humor determinado que emana de ellos. ¿Qué estado de ánimo te parece que se relaciona con este disco?
-Lo siento bastante optimista. Aunque me parece que hay un poco de trasfondo político en ciertos lugares. Particularmente porque en el momento de escribir el disco, ensayarlo y demás, Escocia estaba atravesando el voto de independencia. Así que probablemente eso tuvo alguna influencia en lo que pasaba durante el proceso de creación del disco. Pero, generalmente hablando, creo que hay una idea de optimismo y de seguir adelante.

-Grabaron el disco en Atlanta, luego lo masterizaron en el Abbey Road Studios y después lo remezclaron en Glasgow. Hay todo un recorrido, literal y conceptual, detrás del mismo. ¿Por qué decidieron hacer esto?
-En realidad terminamos remezclando solo un par de canciones en Glasgow, no todo el disco. Hay algunas canciones que no pudimos terminar de cerrarlas en Atlanta así que decidimos traerlas de vuelta y trabajarlas nosotros mismos en algunos estudios de Glasgow. Pero la mayoría fue mezclada por Ben en Atlanta, así que no hay tanta remezcla. Esta última instancia tuvo que ver con que había algunas canciones de Stuart con las que él no estaba del todo feliz. Quería buscarles un ángulo diferente desde lo sonoro. Lo mismo pasó con una canción de Steve. Pero resultó interesante porque terminamos teniendo varias versiones de las canciones, lo cual creo que enriqueció bastante el producto final. La posibilidad de elegir hizo que afináramos un poco la calidad de lo que estábamos haciendo y de lo que decidimos mostrar.

-Para el video de Nobody’s Empire pidieron material a los fans. ¿Qué los sigue motivando a realizar este tipo de experiencias?-Creo que es básicamente para involucrar a los fans y a la gente en las cosas que estamos haciendo. También la idea es usarlo para los shows en vivo, porque tenemos una nueva producción, con proyecciones y videos. Me parece que siempre es una buena idea invitar a los fans a participar. Porque hace que la gente se mantenga entusiasmada con la banda y está bueno hacer algo con las personas que compran tus discos. Solíamos hacerlo mucho en los primeros años, así que creo que es positivo retomarlo cada tanto y seguir pidiendo la opinión y la participación de los fans. Darles un lugar en lo que hacemos.

-Recientemente reeditaron toda su discografía en vinilo desde Matador. Estos procesos de cierta manera obligan a mirar atrás y observar los últimos 18 años. Si tuvieras que elegir tres momentos clave de su carrera, ¿cuáles serían?
-Vamos a ver si me puedo acordar de tres. Diría que ganar el Brit Award en 1999. Eso fue un momento increíble. Porque, bueno, es nuestra versión del Grammy, digamos. Y generalmente una banda como la nuestra no estaría ni cerca de eso. Pero por alguna razón nos nominaron en una de las categorías (Banda Revelación) y terminamos ganando. Fue una locura. Después, la incorporación de Bob a la banda en el 2000. ¿O 2001? Eso cambió muchísimo las cosas. Modificó la dinámica de la banda. Inauguró una segunda etapa, cerrando la primera, que sería desde 1996 hasta ese momento. Cuando Bob se unió empezamos a pensar y a hacer las cosas de manera diferente. Y por último, diría que trabajar con Trevor Horn. Trabajar con un productor diferente por primera vez. Desde ese momento, trabajamos con un productor distinto en cada disco. Así que ese momento también marcó un quiebre, un punto importante en nuestra historia.

-Han curado algunos festivales a lo largo de su carrera. La última vez fue en 2010 para All Tomorrow’s Parties. Si tuvieran que curar un festival hoy, ¿cuál sería el line up?
– No estoy seguro, ¡no sé! Es divertido porque siempre que hicimos esas cosas, tuvimos que pensar en nuestros gustos personales pero también tener en cuenta a las personas que van a ir al festival, así que no se puede ser demasiado egoísta. Si lo tuviera que hacer yo, invitaría a gente como Derek May y Ron Atkins y gente del techno. También a gente que hace un estilo dance más loco, pero no sé si a todo el mundo le gustaría eso. Sin dudas pondría a Derek May. Después creo que pondría mucho de electrónica, eso seguro. Pero bueno, siempre hay que pensar más en la audiencia que en uno mismo… a mí me parece que las cosas que yo elegiría, aburrirían a todo el mundo.

-Estuvieron en Argentina sólo una vez en 2010, como parte del tour de Write About Love. ¿Qué recuerdos tienen de esa visita?

-Me acuerdo que en ese momento fue el Clásico, así que tengo muchos recuerdos de todo el revuelo y el entusiasmo alrededor de eso. Y cuán hermosa es Buenos Aires. Es muy europea. Casi que me recuerda a Madrid o ciudades por el estilo. Tuvimos un día libre así que pudimos investigar y recorrer la ciudad un poco, lo cual hace una gran diferencia. Uno recuerda más las ciudades cuando tiene la oportunidad de salir a recorrerlas en vez de llegar e irse habiendo conocido sólo el aeropuerto y el lugar del show. La arquitectura me pareció deslumbrante. Es una ciudad muy caminable así que paseamos mucho y vimos cosas geniales. ¡Muy buena comida también! Pero sobre todo me acuerdo de que tuvimos un show increíble y un público maravilloso. Tienen una energía increíble en Sudamérica.
Belle And Sebastian se presentará en Argentina el 20 de octubre en el Teatro Gran Rex. Entradas en venta por sistema Tickektek o en boletería del teatro.

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Juana La Loca se reinventa y presenta nuevo disco

La historia de Juana La Loca sigue sumando nuevos capítulos. En esta entrevista con Rodrigo Martin y Diego Vieites te contamos lo que se viene.

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Durante el año pasado Juana La Loca celebró sus 30 años, giró por varias provincias y representó en vivo toda su discografía de la banda en cuatro shows memorables en Lucille. Como si eso fuera poco, sus integrantes comenzaron la filmación de un documental, grabaron su nuevo disco y preparan otro en vivo. Además, por primera vez en 25 años volvieron a estar sobre el escenario los tres miembros fundadores de la banda, Rodrigo Martin (voz), Aitor Graña (batería) y Roberto Pasquale (guitarra). La banda se completa con Diego Vieites (guitarra y coros), Javier Lopez (teclados y programaciones) y Andy García (bajo). El sábado 13 de abril a la medianoche en La Tangente la banda de Temperley presentará Resplandece, su nuevo trabajo discográfico.

 

Se viene la presentación de Resplandece. ¿Cómo se prepara la banda para este show tan especial?

 

Rodrigo Martin: Ensayando mucho, sacando versiones de los temas y agregando temas clásicos de la banda.

 

¿Cómo está la energía del grupo para esta fecha que será histórica?

 

Diego Vieites: Bien, bien. Con muchas ganas. Sobre todo de consolidar el trabajo que se hizo el año pasado, donde además de grabar el disco celebramos los 30 años de Juana La Loca.

 

El año pasado giraron por varias provincias, tocaron mucho en el conurbano y representaron toda la discografía de la banda en vivo. ¿Cuál es el saldo positivo de todo eso, el mejor recuerdo?

 

R.M.: El ciclo que hicimos de los cuatro shows en Lucille.

 

D.V.: Sí, el ciclo que hicimos el año pasado en el que se representó toda la discografía de la banda en cuatro shows. Creo que eso fue como… no sé si lo más importante, pero sí lo más simbólico que hicimos el año pasado en cuanto a este relanzamiento de Juana La Loca.

 

¿Y con el público en el interior cómo les fue?

 

R.M.: Bien, muy bien. Y en el conurbano también. Córdoba, por ejemplo, es una plaza fuerte para nosotros.

 

En los shows de Juana siempre hay un fervor importante, un vínculo muy lindo de la banda con el público “juanero”. ¿Cómo lo viven ustedes?

 

R.M.: ¡Muy bien! Eso viene desde siempre, sí.

 

D.V.: Sí, yo creo que Juana desde sus comienzos siempre tuvo un feedback muy especial con la gente. De hecho creo que en los shows hay una comunión tal que llega un punto en que esa división artista-público se fusiona, no?

 

R.M.: Claro.

 

D.V.: Eso lo hace todo muy especial.

 

Para quienes todavía no escucharon Resplandece, ¿qué creen que les pasará cuando lo disfruten por primera vez?

 

R.M.: Se van a sorprender. Es como un cóctel entre Electronauta, Belleza y Vida Modelo.

 

Lo mejor de Juana y en un sólo disco. Y encima nuevo.

 

R.M.: Claro, a estrenar.

 

¿Cómo es ser un clásico y ser novedoso al mismo tiempo?

 

R.M.: Y bueno, es que prefiero reinventarme a reiterarme.

 

El 13 de abril en La Tangente, ¿con qué se va a encontrar el público?

 

D.V.: Se van a encontrar con Juana La Loca en todo su esplendor, básicamente. Estamos con muchas ganas de presentar este disco nuevo, es el puntapié inicial de una nueva etapa de la banda. Y siempre hay algunas sorpresas preparadas para una presentación así. Temas que estaban guardados, diferentes versiones de las canciones. Estamos trabajando para que la presentación tenga el marco adecuado al disco.

 

Por último, luego de presentar Resplandece, ¿cómo sigue el 2019 para Juana La Loca?

 

D.V.: Vamos a hacer otra gira por el conurbano. Vamos a ir a lugares que el año pasado no fuimos. Y estamos trabajando en un disco en vivo. El primer disco en vivo completo en la carrera de Juana. Y el documental, que lo venimos trabajando desde el año pasado y nuestro deseo es que salga este año. Hay muchos proyectos y ganas.

 

 

 

 

 

 

 

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1915 se prepara para Lollapalooza: “Vamos a montar el show más grande en la carrera de la banda”

A días del gran festival, hablamos con la joven banda que se encuentra en el momento más alto de su carrera.

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1915 es el año de la primera edición de La Metamorfosis, de Kafka. 19:15 solía ser el horario de los ensayos de esta banda del conurbano norte. Cruz Hunkeler (20, guitarra y voz) y Federico Penzotti (21, teclados) se conocieron en el colegio en 2013. Ahí nació el germen de lo que sería 1915 poco después.

La banda se completa con Alejo Freixas en bajo y Jeremías Alegre en batería. En los shows los suele acompañar Gonzalo Casalinuovo en guitarra. En 2016 editaron Dual, su disco debut que los acercó más al rock progresivo, o como ellos preferían llamarlo: rock metamórfico. 1915 reúne calidad musical, creatividad, baile, compromiso con el mensaje, crítica social y más. En sus nuevas canciones encontramos un sonido fresco, pop, groovero, funk, los vientos de Morbo y Mambo y una invitación al disfrute pero también al pensamiento. Bandera es el título de su nuevo disco y Dame Una Bandera es el nombre de una de las canciones.

 

¿Por qué ese título y por qué esa letra?

Penzo: Dame Una Bandera es el tema que da más identidad al disco. Más que nada porque en este segundo disco somos más conscientes de lo que estamos viviendo. Tomamos cierta postura y nos hacemos valer por dónde estamos parados, cosa que quizás antes no.

Cruz: Sí, es eso. Justamente abanderarnos. Y también viene de darnos cuenta o empezar a tener noción del lugar que debe tener un músico para nosotros en la actualidad y desde siempre. El rol de un artista hoy en día. Ser impulsores de algo que tiene un significado, que tiene un mensaje y que tiene un objetivo. Y creo que ese mensaje es importante comunicarlo de una forma que nos parezca que está buena, que nos divierte, que te haga mover el cuerpo. Que te den ganas de bailar no es algo que le quite valor a lo otro.

En los recitales se ve más unión que nunca, suelen verse músicos de otras bandas apoyando o colaborando en algún tema, ¿existe esa comunión o es una sensación que uno tiene?

Cruz: La verdad que la movida argentina está muy a flor de piel. Cada vez hay más bandas y de una calidad tremenda. Y por suerte se federaliza cada vez más, hay más conexión entre los músicos. Ya no hay nichos, o los hay, pero no son lo más importante. El versus es algo de antes. Onda si te gustan los Redondos no escuchás Soda, eso no va más. También con el surgimiento de internet se da que bandas que antes no tenían acceso a sacar un disco y tener un movimiento propio ahora sí lo tienen. Entonces se terminan uniendo todas esas personas y se termina formando algo más colectivo.

 

Penzo: Todo el tiempo hay muy buena onda. Y, además, hay un circuito de músicos que laburan mucho. Por ejemplo Guille Salort que es un baterista que produjo nuestro disco. Él grabó este año con Conociendo Rusia, con Marilina Bertoldi, con Chita, con Ca7riel y toca con Emmanuel Horvilleur. Eso también es parte de la unión que se genera entre las bandas. Porque hay buena onda de todos lados, te cruzás con gente conocida que grabó en tal disco, lo llamás para laburar con vos, etc. Hay una unión re zarpada.

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¿Cómo ven hoy el lugar de las mujeres en la música, la lucha por el cupo para festivales, la colaboración de artistas femeninas en la banda?

Cruz: Primero que nada, nombrar a las mujeres que tuvieron participación en el disco: Feli Colina hizo unos coros en Prisma y en Dame Una Bandera. Una genia, la verdad, muy buena onda, muy talentosa. Y Lucila Taba que hizo la tapa, de los temas Policía, Prisma y la del disco. También hace visuales para el vivo. Creo que es importante velar porque cada vez más mujeres pisen los escenarios. Incluir a las mujeres en un ambiente que muchas veces puede ser muy machista. Salen estadísticas todo el tiempo de los festivales en los que el 97% de los artistas son hombres. También el lenguaje inclusivo es algo con lo que hay que estar muy atento y cambiar la forma de hablar. Porque el lenguaje codifica lo que uno piensa, aunque uno no lo crea. La forma en la que uno habla denota una ideología.

 

Penzo: Yo estoy totalmente orgulloso de la etapa que estamos viviendo. Y ni hablar que nuestro primer objetivo y tarea es rever todos los conceptos con los que uno fue criado y ver realmente qué cosas no están bien. Entonces todo el tiempo uno está pensando “che, lo que hice no estuvo tan bien. Debería cambiar tal cosa o tal otra”. Eso para mí es lo más importante

 

Cruz: Es algo que hablamos bastante en el grupo. Porque hay veces que bandas de hombres se abusan del poder que te da estar en una banda. Porque es una situación de poder. Creo que es importante prestarle mucha atención a eso. Nosotros somos cuatro miembros fundadores y es muy difícil cambiar la formación. Pero siempre sumamos mujeres en diferentes roles de laburo. Ya sea para el diseño, la realización de videos, invitadas en vivo, instrumentistas, etc.

 

Este año 1915 se presentará por primera vez en el Lollapalooza, ¿cómo viven este momento?

Cruz: La verdad es que es un gran logro para nosotros llegar a un festival de esa magnitud con una exposición y calidad de artistas tan grande. También es un desafío porque para Lollapalooza vamos a montar el show más grande en la carrera de la banda y eso conlleva mucho esfuerzo y todo un laburo que, obviamente, hacemos con mucho gusto.

 

La entrevista se realizó en conjunto con el programa La Vecindad de RondaMonk (Radio Monk).

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Louta: “Si no cambiamos las reglas de juego, ¿para qué vinimos?”

La nueva escena musical en el país podría dividirse en dos géneros: el trap y el rock indie. Pero un joven artista vino a sumar e innovar con un estilo nuevo en todo sentido. El es Louta y hablamos con él sobre su extraño y atractivo género.

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Louta es indefinible. Tanto que ni él puede decir con precisión qué tipo de música hace: “No sé. Mezclita”, responde sonriente. Y agrega: “Lo que me fue saliendo lo fui mandando. Mi decisión fue hacer un disco pero los temas fueron saliendo como fueron saliendo”.

Su música la acompaña con un look sobrio e inusual si pensamos en esta nueva escena de la música. Su chomba de polo medio aterciopelada y sus zapatos relucientes demuestran claramente, quien es.

Pero si hay que habla verdaderamente de Louta son sus shows: son muy performaticos, y bailan chicos vestidos igual a él, para pasar como una suerte de clones mientras hacen la coreografía. “Para preparar los shows ensayo bastante y le meto a eso. Y el disco, le doy lugar a la composición, me obligo a mi mismo a sentarme para poder escribir y generar algo copado. Me obligo a hacer eso”. “No se bien como se me ocurren las cosas, me encantaría saberlo porque lo haría más seguido”, expresa con un tono muy honesto.

¿Cómo fueron tus inicios musicales?

Empecé pasando música en lugares. Me gusta desde siempre y antes de empezar “Louta” lo hacía más como dj, en un momento me dieron ganas de concretar así como sacar mi disco y me mandé con eso.

¿Crees que los nuevos artistas vinieron para cambiar las reglas de juego? ¿Vos, el Duki, los artistas indie?

Y si, sino sería tremendo garrón.

¿Por qué?

Si no cambiamos las reglas de juego ¿para que vinimos?

¿Y vos, si tuvieras que decir yo cambio las reglas de esta forma?

Yo no… Es muy difícil hacer y analizar al mismo tiempo. Por ahí es más fácil verlo desde afuera, yo estoy viendo más que hago en el show, que hago en los temas. Si te puedo decir algo como muy obvio por ahí, que sume la necesidad de lo visual de los shows, cosas quizás medio obvias pero por ahí eran más finos, mas fácil hacerlo, más productivo hacerlo desde afuera.

¿Cuáles son las inquietudes de Louta?

Como hacer para vivir en una sociedad mejor, generar una sociedad mejor, generar una sociedad en camino a construir la paz, digamos.

¿Crees que eso lo podes hacer a través de tu música?

No, para eso se necesita el crecimiento de la revolución humana de cada individuo, de cada persona que pueda hacer en cada área, digamos, es necesario, en el arte también, pero ni hablar en la política y en un montón de cosas más.

Dicen que los nuevos artistas del medio vienen a cambiar las reglas. Algunos, por ejemplo, los del trap no sacan un disco pero llenan un Luna Park. ¿Crees que va a cambiar todo en la música? ¿No van a existir más los discos, por ejemplo?

Si. Los discos son una forma de agrupar los temas; está demostrado que no todos los artistas tienen que sacar discos, no son necesarios. No es algo que piense yo. Ahora tuve que hacer un disco porque me pareció lo mejor pero por ahí mañana haga otro o no.

Hablando de Enchastre, el nuevo disco que sacaste, ¿cómo se dio la colaboración con  Marilina Bertoldi?

Una vez que compuse el tema, la melodía esa me pareció que iba bastante acompañado de su voz y lo sentí natural.

¿Quienes sentís que son las influencias en lo que hacés?

Gorillaz, Groove Armada, Fatboy Slim, Chet Baker, Gardel, A Tribe Called Quest, y todos los del trap acá me encantan.

Hablando del trap, que sigue a veces temáticas explicitas, ¿vos harías alguna cosa así? ¿O no va con tu género?

No, hago otra cosa. Me copan más las letras más metafóricas.

En tu nuevo disco hay canciones que son más personales, ¿cómo crees que evolucionaste desde tu debut en tu primer disco? ¿sentís que el disco tiene un concepto central?

Me parece que está bueno eso que decís de que el disco tiene algunas cosas más personales porque es un poco así, las letras son más intimas, y está bueno ese camino de poder hablar algunas cosas más profundas, creo que requiere coraje y me pareció copado poder hacer eso en el disco, me pareció lindo.

El primer corte, “Todos con el celu”, ¿es una crítica o una observación?

Y sí, estamos todo el día con el celular. Todo el día con el celu. Por ahí nos están vendiendo el cielo, por ahí nos estamos comiendo tremendo garrón y le metemos al celu y miramos para el costado.

Algo que llama la atención es tu forma totalmente diferente de vestirte, ¿por qué esa elección?

No lo pensé mucho pero me copa que no tenga marcas de ropa, me gusta que sea medio atemporal, ¿viste? Que no te lleve a una clase social específica o a un tipo de ranchada especial. Como que sea más amplio.

¿Qué sigue en el futuro?

L: Bueno, ahora vamos a presentar el disco el 21 de diciembre en Vorterix, vamos al Personal Fest este finde y al Nueva Generación en Córdoba. Y después viajar por todo el planeta haciendo cosas.

¿Por cuál país te gustaría empezar?

Japón.

Te vas a sacar una foto vestido de Goku…

Si, si, obvio, Louta Goku (risas)

Por último, ¿cómo te definís? 

Crocante por fuera blandito por dentro.

Hoy y mañana Louta se presentará en el Personal Fest que se realiza en el Club Ciudad de Buenos Aires, antes nos respondió sobre todos sus gustos, cantó, bailó y nos contó una gran anécdota en este breve y divertido vídeo:


Video: Nahuel Gariboglio

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