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Belle And Sebastian: “Grabamos un disco optimista pero con trasfondo político”

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La banda escocesa liderada por Stuart Murdoch se encuentra presentando Girls In Peacetime Want To Dance, su noveno disco de estudio después de cinco años de inactividad discográfica. A poco de cumplir 20 años sobre los escenarios, los Belle And Sebastian desafiaron su propia historia y sorprendieron con un disco tan innovador como fiel a la esencia de la banda.

Cuando se piensa en Belle And Sebastian, lo que tiende a evocarse en la memoria son aquellas infalibles melodías clásicas de “Get Me Away From Here I’m Dying” o” I’m A Cuckoo”, la voz tenue y aterciopelada de Murdoch (o Stevie Jackson o Sarah Martin), esa amabilidad predominante en su sonido, canciones introspectivas y letras ingeniosas. Difícilmente asociemos al sexteto escocés con un beat bailable apto para boliches y una línea de estribillo que diga “Jump to the beat of the party line!”. Pero los mismos que durante casi dos décadas conquistaron con su pop tan alegre como melancólico, hoy apuestan a mantener su vigencia experimentando con géneros upbeat y temáticas menos unipersonales y más amplias. El propio Colburn atribuye el primer viraje al haber trabajado con el productor Ben H. Allen (Bombay Bicycle Club, Deerhunter) que los acercó al dance, el disco y el funk; y el segundo, al proceso del voto de independencia que atravesó Escocia el año pasado, con el que la banda estuvo muy comprometida (a favor de la separación del Reino Unido) y que los obligó a salir de sus cuartos y ponerse en contacto estrecho con la realidad que los rodeaba.

Lo fascinante de Girls In Peacetime… es que, detrás de los novedosos sintetizadores que guían varias –por no decir la mayoría– de las melodías o los inesperados solos de guitarra eléctrica (“The Book Of You”), la impronta de la banda se mantiene intacta. Y si bien esa presencia puede detectarse a veces en la superficie a nivel sonoro (“Ever Had A Little Faith?”, uno de los temas más refrescantemente Belle And Sebastian del disco) o lírico (“Nobody’sEmpire”, personal y confesional al mejor estilo Murdoch), tiene un anclaje más profundo, menos evidente. Belle And Sebastian hace cambios en varios niveles, incluso rompe estéticamente con sus clásicas tapas monocromáticas al estilo The Smiths, pero conserva su voz. La voz narrativa, la voz enunciativa, que los define y autorreferencia de manera inconfundible. La banda conserva su identidad inalterada, y ese es el logro más definitivo del noveno disco de los de Glasgow: animarse valientemente al cambio sin perder todo eso que los hace lo que son. Girls In Peacetime es una proclama de vigencia.

Richard Colburn es el baterista de Belle And Sebastian desde que ésta es una banda propiamente dicha. Es decir, desde el momento en que Murdoch y Stuart David decidieron ensanchar sus filas después de haber grabado a dúo aquel inaugural Tigermilk en 1996. Colburn ha estado detrás de esas tantas veces tímidas (pero acertadas) bases rítmicas que acompañaban las canciones gentiles de la banda, y que ahora, ante el atrevimiento sonoro, adquieren protagonismo y volumen en la mezcla. Al teléfono, con un fuertísimo acento escocés, tan simpático como indescifrable, habla animada y amablemente sobre un presente que los encuentra animándose a hacer bailar y que los traerá por Argentina el martes 20 de octubre en el escenario del Teatro Gran Rex.

-Girls In Peacetime es su primer disco después de cuatro, casi cinco años desde su último lanzamiento. ¿Qué rol les parece que cumple este álbum en su discografía?
-Es decididamente diferente. Es bastante diferente que cualquier cosa que hayamos hecho antes. La mayor parte del disco se siente así porque nos volvimos un poco más electrónicos en muchas de las canciones. Nuevo productor, nueva forma de trabajar. Es definitivamente una especie de partida desde nuestro disco anterior.

-¿Qué te parece que es diferente?
-En principio es sólo la forma en que fue grabado. Estilísticamente también. Quiero decir, la mitad del álbum es más electrónico. Tuvimos canciones raras y electrónicas como “Electronic Renaissance” pero en este caso es más amplio, hay toda una sección del disco, todo un concepto alrededor de eso. En ese sentido es diferente la propuesta.

-Siempre elijen títulos muy interesantes para todo lo que hacen. ¿Qué podés decir de este?
-Básicamente, Stuart tiene un libro lleno de títulos para discos y canciones. Cada vez que alguien dice algo interesante o ve un grafiti o lo que sea, lo anota. Tenemos un libro gigante lleno de frases e ideas. Palabras. Dichos. Así que creo que simplemente va extrayendo cosas de ahí. No creo ni estoy seguro de que tenga algún significado real.

-Parecería que siempre hay ciertos estados de ánimo que atraviesan cada uno de sus discos, como un humor determinado que emana de ellos. ¿Qué estado de ánimo te parece que se relaciona con este disco?
-Lo siento bastante optimista. Aunque me parece que hay un poco de trasfondo político en ciertos lugares. Particularmente porque en el momento de escribir el disco, ensayarlo y demás, Escocia estaba atravesando el voto de independencia. Así que probablemente eso tuvo alguna influencia en lo que pasaba durante el proceso de creación del disco. Pero, generalmente hablando, creo que hay una idea de optimismo y de seguir adelante.

-Grabaron el disco en Atlanta, luego lo masterizaron en el Abbey Road Studios y después lo remezclaron en Glasgow. Hay todo un recorrido, literal y conceptual, detrás del mismo. ¿Por qué decidieron hacer esto?
-En realidad terminamos remezclando solo un par de canciones en Glasgow, no todo el disco. Hay algunas canciones que no pudimos terminar de cerrarlas en Atlanta así que decidimos traerlas de vuelta y trabajarlas nosotros mismos en algunos estudios de Glasgow. Pero la mayoría fue mezclada por Ben en Atlanta, así que no hay tanta remezcla. Esta última instancia tuvo que ver con que había algunas canciones de Stuart con las que él no estaba del todo feliz. Quería buscarles un ángulo diferente desde lo sonoro. Lo mismo pasó con una canción de Steve. Pero resultó interesante porque terminamos teniendo varias versiones de las canciones, lo cual creo que enriqueció bastante el producto final. La posibilidad de elegir hizo que afináramos un poco la calidad de lo que estábamos haciendo y de lo que decidimos mostrar.

-Para el video de Nobody’s Empire pidieron material a los fans. ¿Qué los sigue motivando a realizar este tipo de experiencias?-Creo que es básicamente para involucrar a los fans y a la gente en las cosas que estamos haciendo. También la idea es usarlo para los shows en vivo, porque tenemos una nueva producción, con proyecciones y videos. Me parece que siempre es una buena idea invitar a los fans a participar. Porque hace que la gente se mantenga entusiasmada con la banda y está bueno hacer algo con las personas que compran tus discos. Solíamos hacerlo mucho en los primeros años, así que creo que es positivo retomarlo cada tanto y seguir pidiendo la opinión y la participación de los fans. Darles un lugar en lo que hacemos.

-Recientemente reeditaron toda su discografía en vinilo desde Matador. Estos procesos de cierta manera obligan a mirar atrás y observar los últimos 18 años. Si tuvieras que elegir tres momentos clave de su carrera, ¿cuáles serían?
-Vamos a ver si me puedo acordar de tres. Diría que ganar el Brit Award en 1999. Eso fue un momento increíble. Porque, bueno, es nuestra versión del Grammy, digamos. Y generalmente una banda como la nuestra no estaría ni cerca de eso. Pero por alguna razón nos nominaron en una de las categorías (Banda Revelación) y terminamos ganando. Fue una locura. Después, la incorporación de Bob a la banda en el 2000. ¿O 2001? Eso cambió muchísimo las cosas. Modificó la dinámica de la banda. Inauguró una segunda etapa, cerrando la primera, que sería desde 1996 hasta ese momento. Cuando Bob se unió empezamos a pensar y a hacer las cosas de manera diferente. Y por último, diría que trabajar con Trevor Horn. Trabajar con un productor diferente por primera vez. Desde ese momento, trabajamos con un productor distinto en cada disco. Así que ese momento también marcó un quiebre, un punto importante en nuestra historia.

-Han curado algunos festivales a lo largo de su carrera. La última vez fue en 2010 para All Tomorrow’s Parties. Si tuvieran que curar un festival hoy, ¿cuál sería el line up?
– No estoy seguro, ¡no sé! Es divertido porque siempre que hicimos esas cosas, tuvimos que pensar en nuestros gustos personales pero también tener en cuenta a las personas que van a ir al festival, así que no se puede ser demasiado egoísta. Si lo tuviera que hacer yo, invitaría a gente como Derek May y Ron Atkins y gente del techno. También a gente que hace un estilo dance más loco, pero no sé si a todo el mundo le gustaría eso. Sin dudas pondría a Derek May. Después creo que pondría mucho de electrónica, eso seguro. Pero bueno, siempre hay que pensar más en la audiencia que en uno mismo… a mí me parece que las cosas que yo elegiría, aburrirían a todo el mundo.

-Estuvieron en Argentina sólo una vez en 2010, como parte del tour de Write About Love. ¿Qué recuerdos tienen de esa visita?

-Me acuerdo que en ese momento fue el Clásico, así que tengo muchos recuerdos de todo el revuelo y el entusiasmo alrededor de eso. Y cuán hermosa es Buenos Aires. Es muy europea. Casi que me recuerda a Madrid o ciudades por el estilo. Tuvimos un día libre así que pudimos investigar y recorrer la ciudad un poco, lo cual hace una gran diferencia. Uno recuerda más las ciudades cuando tiene la oportunidad de salir a recorrerlas en vez de llegar e irse habiendo conocido sólo el aeropuerto y el lugar del show. La arquitectura me pareció deslumbrante. Es una ciudad muy caminable así que paseamos mucho y vimos cosas geniales. ¡Muy buena comida también! Pero sobre todo me acuerdo de que tuvimos un show increíble y un público maravilloso. Tienen una energía increíble en Sudamérica.
Belle And Sebastian se presentará en Argentina el 20 de octubre en el Teatro Gran Rex. Entradas en venta por sistema Tickektek o en boletería del teatro.

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Louta: “Si no cambiamos las reglas de juego, ¿para qué vinimos?”

La nueva escena musical en el país podría dividirse en dos géneros: el trap y el rock indie. Pero un joven artista vino a sumar e innovar con un estilo nuevo en todo sentido. El es Louta y hablamos con él sobre su extraño y atractivo género.

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Louta es indefinible. Tanto que ni él puede decir con precisión qué tipo de música hace: “No sé. Mezclita”, responde sonriente. Y agrega: “Lo que me fue saliendo lo fui mandando. Mi decisión fue hacer un disco pero los temas fueron saliendo como fueron saliendo”.

Su música la acompaña con un look sobrio e inusual si pensamos en esta nueva escena de la música. Su chomba de polo medio aterciopelada y sus zapatos relucientes demuestran claramente, quien es.

Pero si hay que habla verdaderamente de Louta son sus shows: son muy performaticos, y bailan chicos vestidos igual a él, para pasar como una suerte de clones mientras hacen la coreografía. “Para preparar los shows ensayo bastante y le meto a eso. Y el disco, le doy lugar a la composición, me obligo a mi mismo a sentarme para poder escribir y generar algo copado. Me obligo a hacer eso”. “No se bien como se me ocurren las cosas, me encantaría saberlo porque lo haría más seguido”, expresa con un tono muy honesto.

¿Cómo fueron tus inicios musicales?

Empecé pasando música en lugares. Me gusta desde siempre y antes de empezar “Louta” lo hacía más como dj, en un momento me dieron ganas de concretar así como sacar mi disco y me mandé con eso.

¿Crees que los nuevos artistas vinieron para cambiar las reglas de juego? ¿Vos, el Duki, los artistas indie?

Y si, sino sería tremendo garrón.

¿Por qué?

Si no cambiamos las reglas de juego ¿para que vinimos?

¿Y vos, si tuvieras que decir yo cambio las reglas de esta forma?

Yo no… Es muy difícil hacer y analizar al mismo tiempo. Por ahí es más fácil verlo desde afuera, yo estoy viendo más que hago en el show, que hago en los temas. Si te puedo decir algo como muy obvio por ahí, que sume la necesidad de lo visual de los shows, cosas quizás medio obvias pero por ahí eran más finos, mas fácil hacerlo, más productivo hacerlo desde afuera.

¿Cuáles son las inquietudes de Louta?

Como hacer para vivir en una sociedad mejor, generar una sociedad mejor, generar una sociedad en camino a construir la paz, digamos.

¿Crees que eso lo podes hacer a través de tu música?

No, para eso se necesita el crecimiento de la revolución humana de cada individuo, de cada persona que pueda hacer en cada área, digamos, es necesario, en el arte también, pero ni hablar en la política y en un montón de cosas más.

Dicen que los nuevos artistas del medio vienen a cambiar las reglas. Algunos, por ejemplo, los del trap no sacan un disco pero llenan un Luna Park. ¿Crees que va a cambiar todo en la música? ¿No van a existir más los discos, por ejemplo?

Si. Los discos son una forma de agrupar los temas; está demostrado que no todos los artistas tienen que sacar discos, no son necesarios. No es algo que piense yo. Ahora tuve que hacer un disco porque me pareció lo mejor pero por ahí mañana haga otro o no.

Hablando de Enchastre, el nuevo disco que sacaste, ¿cómo se dio la colaboración con  Marilina Bertoldi?

Una vez que compuse el tema, la melodía esa me pareció que iba bastante acompañado de su voz y lo sentí natural.

¿Quienes sentís que son las influencias en lo que hacés?

Gorillaz, Groove Armada, Fatboy Slim, Chet Baker, Gardel, A Tribe Called Quest, y todos los del trap acá me encantan.

Hablando del trap, que sigue a veces temáticas explicitas, ¿vos harías alguna cosa así? ¿O no va con tu género?

No, hago otra cosa. Me copan más las letras más metafóricas.

En tu nuevo disco hay canciones que son más personales, ¿cómo crees que evolucionaste desde tu debut en tu primer disco? ¿sentís que el disco tiene un concepto central?

Me parece que está bueno eso que decís de que el disco tiene algunas cosas más personales porque es un poco así, las letras son más intimas, y está bueno ese camino de poder hablar algunas cosas más profundas, creo que requiere coraje y me pareció copado poder hacer eso en el disco, me pareció lindo.

El primer corte, “Todos con el celu”, ¿es una crítica o una observación?

Y sí, estamos todo el día con el celular. Todo el día con el celu. Por ahí nos están vendiendo el cielo, por ahí nos estamos comiendo tremendo garrón y le metemos al celu y miramos para el costado.

Algo que llama la atención es tu forma totalmente diferente de vestirte, ¿por qué esa elección?

No lo pensé mucho pero me copa que no tenga marcas de ropa, me gusta que sea medio atemporal, ¿viste? Que no te lleve a una clase social específica o a un tipo de ranchada especial. Como que sea más amplio.

¿Qué sigue en el futuro?

L: Bueno, ahora vamos a presentar el disco el 21 de diciembre en Vorterix, vamos al Personal Fest este finde y al Nueva Generación en Córdoba. Y después viajar por todo el planeta haciendo cosas.

¿Por cuál país te gustaría empezar?

Japón.

Te vas a sacar una foto vestido de Goku…

Si, si, obvio, Louta Goku (risas)

Por último, ¿cómo te definís? 

Crocante por fuera blandito por dentro.

Hoy y mañana Louta se presentará en el Personal Fest que se realiza en el Club Ciudad de Buenos Aires, antes nos respondió sobre todos sus gustos, cantó, bailó y nos contó una gran anécdota en este breve y divertido vídeo:


Video: Nahuel Gariboglio

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Leo García: “Hay que saber agradecer”

Tras el reciente estreno de “Fusionados”, su nuevo tema y videoclip, Leo García se prepara para el Personal Fest con una súper banda.

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Foto: Christian Pettinicchio


Qué año, no? Estás tocando mucho.

Leo García: Sí, estoy tocando mucho. Retomé un poco el ritmo que venía teniendo antes, retomé el laburo también con mi mánager anterior y eso fortaleció mucho el ritmo de trabajo. Haciendo muchos shows por provincia, así como también programando para el año próximo poder salir del país. Bastante bien con eso, encontrándome con un público… el de siempre y el nuevo también. Porque me doy cuenta que no puedo descuidar al público de antes. Tengo seguidores que coinciden con mi edad (risas).

Y ahora el estreno de “Fusionados”

L.G.: Sí, es una canción con un videoclip. Estoy re contento con el formato actual, no me costó adaptarme. De hecho cuando yo salí al ruedo ya estaba acabándose la era física de la música. Entonces viví esa crisis, pero hoy me parece muy bueno estar representado por un solo single. Porque es como que estoy valorando mi trayectoria. Tengo un tema, tengo otro y ahora viene otra canción. Que la puedo crear, darle rosca e incluirla en mi show. Me dio otro desarrollo. Más interés de mi parte por hacer un videoclip realmente bueno, darlo todo. Porque, a veces, cuando me tocaba hacer un disco entero no tenía que hacer un video, tenía que hacer cuatro o cinco. Y no les prestás la misma atención. Esa es una cultura anterior, viste? Ahora, los artistas más contemporáneos te muestran un videoclip que lo ponés y no pasa desapercibido. Más allá de eso, de querer hacer algo así, lo que yo quería era divertirme y darlo todo. Y ahora tenemos ese material para ofrecer.

No es lo mismo tocar en un recital de gente que va exclusivamente a verte a vos, que tocar en un festival donde hay múltiples propuestas y múltiples públicos. Encarás ambas situaciones de la misma manera o hay una diferencia?

L.G.: Sí, hay una diferencia. En este caso yo lo armé especialmente de otra manera. Por ejemplo, armé una súper banda. Para el Personal Fest tengo en la batería a Fernando Samalea, en el bajo a Javier  Malosetti y en el teclado a Juan Blas Caballero, que es un productor re grosso. Voy a cantar todas mis canciones más conocidas, Morrissey, Reírme Más, Tesoro (que hice con Gustavo Cerati), Romance, Fusionados… vamos a hacer una canción de Gustavo Cerati también. Es lo que tengo para ofrecer: Una súper banda y mis mejores canciones. Aprovechando el contexto del festival que es muy grande. Lo voy a tener a Adrián Taverna en sonido.

Alto equipo, no? 

L.G.: Jaja, pero es por el festival, para darlo todo ahí. Después tal vez hagamos algún show en algún teatro, en algún otro lugar. En el Personal hay que darlo todo, toca Robbie Williams, toca Lorde, toca Airbag. Y yo qué voy a ir? Con una pista a saltar y cantar? Nooo, chau, me llevo la mejor banda! (risas). Yo también tengo mi ego, ja. Pero bueno, todo a fuerza de laburo, a fuerza de mérito también. Porque tener semejantes músicos… no es que ellos tengan tanto tiempo para tocar conmigo. Tuvimos que coincidir con los horarios de ensayo y gracias a dios se da la posibilidad en esta ocasión.

Qué te pasó la primera vez que escuchaste a Morrissey cantando tu tema “Morrissey”?

L.G.: Uuuhh, me largué a llorar.

Estabas ahí? 

L.G.: No, estaba en la cama tirado, mirando tele. Y un amigo me mandó el video, me dijo “mirá esto”. Y cuando vi eso me largué a llorar. Después me mandó a llamar Morrissey, me dijo que le encantaba la canción. 

Eso es un éxito. 

L.G.: Exacto! Eso es éxito. Y aparte eso es el éxito de la canción en sí misma, como que llegó a destino. Viste? Te pasan esas cosas que por ahí uno en su ambición quiere más de lo que puede lograr. Y cuando te pasa eso decís: “Bueno, está pasando esto!” 

“Cómo hago para superarlo”, no? 

L.G: Para superarlo, supongo yo, hay que ser agradecido. Hay que saber agradecer. 

Por último, cómo viene tu 2019? 

L.G.: La verdad es que mucho no sé. Pero estoy con la idea de irme a Barcelona porque siempre me he quedado acá, en el país. Pero como esto viene muy lindo, mirá la banda que armé, el single que salió con toda la onda que (Roberto) Costa le está poniendo para que tenga buena difusión, mi mánager que está con todo el amor del mundo laburando. O sea, no solamente depende de mí todo esto, no? Porque sino me quedo en mi casa tocando la guitarra y ya está, estaría haciendo lo que me gusta. Pero para esto hay que salir, hay que armar un equipo de gente, por eso no estoy programando a largo plazo. Pero para el año que viene, tengo idea de poder asomar un poco por Europa. Tengo planes de ir a un festival de allá. Porque me he estado quedando mucho en Argentina y me falta eso, salir un poco de acá. Como lo ha hecho Fito Páez, como lo ha hecho Andrés Calamaro y tantos artistas de acá. 

Hay que salir del barrio. 

L.G: Claro! Se fueron del barrio para después volver y saber que uno puede funcionar en otros contextos que no son los que habitualmente tiene alrededor. Y también porque el mundo ya te ofrece eso. Somos parte del mundo. Somos el mundo. We are the world, como dijo Michael Jackson. 

Además a Morrissey le gustó y es europeo. 

L.G.: Sí, igual… yo ya me relajé mucho de esto de estar queriendo pegarla o andar probando suerte. Creo que la suerte es tener salud, viste? Tener una edad en donde yo me siento cada vez más joven. Es muy loco pero es así. Van a tener un bebé dentro de poco acá (risas).

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Juan Ingaramo: “Los chicos de hoy no se preocupan por el género”

El cordobés acaba de estrenar su tercer disco, Best Seller, y se prepara para conquistar este fin de semana un nuevo público en el Personal Fest.  

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Foto: Victoria Carelli

Nacido en familia de músicos, inició su carrera en la batería pero la necesidad de la banda y su curiosidad lo llevaron a convertirse en el compositor y a desarrollar su carrera solista que el pasado viernes celebró su tercer disco.

Hoy, Juan Ingaramo se convirtió en una de las caras imprescindibles del nuevo pop nacional y este sábado lo demostrará ante el masivo público del Personal Fest.

 ¿Qué te gustaría generarle a gente que quizás va a escucharte por primera vez?

Amor. Uno siempre busca el amor en la vida, salvo cuando el otro es asqueroso. Uno siempre busca la aprobación del otro sobre todo si tu obra es pública y en un festival la gracia es esa, llegar a otros públicos y que la gente te conozca. En lo personal busco divertirme y no pensar tanto.

¿Se irán del festival tratando de adivinar a qué género musical perteneces?

Yo creo que a los chicos de hoy no les importa el género. Ni sexual, ni musical, de ningún ámbito. Al menos eso es lo que aprendí en este último tiempo. Salvo en el trap que se está abriendo un poco a otros sonidos creo que la pertenencia ya no responde más a la idea de género.

Tu último disco, “Best Seller”, transmite algo de esa libertad, tiene cumbia, pop, trap, cuarteto, hip hop, ¿esa variedad es intencional?

Es un poco buscado, pero no está pensado estratégicamente. Es lo que me sale y la música que creo que puedo hacer y la hago. Es lo que me gusta, me gusta toda la música. Hay gente que está muy pendiente de las cuestiones estilísticas y no puede hacer reggaeton, yo lo hago, ni lo pienso.

Como el barato y espontáneo vídeo del auto…

¡Claro!

¿Cómo nació?

Yo vivo en Olivos y estaba yendo al estudio a Caballito cuando justo el ingeniero me mandó la mezcla para que las revise. Las iba escuchando y bajé súper entusiasmado cantando re cebado y dije pum este es el vídeo del clip, yo escuchando al palo, ¡es este! Después con cámara ya no sale igual, no estuve tan cebado como la primera vez que lo escuché pero salió el hacer el vídeo del full album, ¿por qué no? 

Quedó así nomas, podría haberlo hecho mucho mejor, quería que se suban los invitados y muchas cosas más pero bueno, salió así.

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¿y el cover de Rodrigo de dónde surge?

Soy cordobés…

Y llevás el acento…

Obvio. El que se le va la tonada es porque quiere que se le vaya.

Conozco a Rodrigo, como todos, y había hecho un homenaje al cuarteto en 2014 y me habían quedado temas pendientes. Fuego y pasión lo quería hacer reggaeton y estaba haciendo este disco con un productor que me la vuela que es Nico Cotton y dije aprovechemos a hacer este y lo metemos. En paralelo me enteré que había todo un furor por la película pero yo ni idea.

¿Cuáles son las ambiciones en esta carrera tan libre?

Seguir siendo libre, no hay otra. A veces hay variables que te van quitando libertades y uno no se da cuenta, como el paso del tiempo o necesidades económicas. En mi caso mi anhelo artístico es seguir siendo libre y hacer lo que se me cante.

Formabas parte de un sello independiente y ahora te respalda Pop Art, ¿te cambia o limita eso en algún aspecto?

No, al contrario. Me potencia en energía, me acompañan, estoy re contento con el sello, posta.

Tu estilo te permite hacer colaboraciones con casi todo tipo de artistas, ¿con que otro músico te gustaría colaborar?

Me gustaría cantar con Fito, Calamaro o alguno de los históricos. Casi sale algo, está cerca, pero depende cual sea la música que salga y a quien le quede bien. Está buenísimo el paradigma nuevo de colaboraciones que antes no existía tanto.

Juan Ingaramo se presenta este domingo 11 de noviembre a las 17hs en el Personal Fest que se realizará en Club Ciudad.

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