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Belle And Sebastian: “Grabamos un disco optimista pero con trasfondo político”

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La banda escocesa liderada por Stuart Murdoch se encuentra presentando Girls In Peacetime Want To Dance, su noveno disco de estudio después de cinco años de inactividad discográfica. A poco de cumplir 20 años sobre los escenarios, los Belle And Sebastian desafiaron su propia historia y sorprendieron con un disco tan innovador como fiel a la esencia de la banda.

Cuando se piensa en Belle And Sebastian, lo que tiende a evocarse en la memoria son aquellas infalibles melodías clásicas de “Get Me Away From Here I’m Dying” o” I’m A Cuckoo”, la voz tenue y aterciopelada de Murdoch (o Stevie Jackson o Sarah Martin), esa amabilidad predominante en su sonido, canciones introspectivas y letras ingeniosas. Difícilmente asociemos al sexteto escocés con un beat bailable apto para boliches y una línea de estribillo que diga “Jump to the beat of the party line!”. Pero los mismos que durante casi dos décadas conquistaron con su pop tan alegre como melancólico, hoy apuestan a mantener su vigencia experimentando con géneros upbeat y temáticas menos unipersonales y más amplias. El propio Colburn atribuye el primer viraje al haber trabajado con el productor Ben H. Allen (Bombay Bicycle Club, Deerhunter) que los acercó al dance, el disco y el funk; y el segundo, al proceso del voto de independencia que atravesó Escocia el año pasado, con el que la banda estuvo muy comprometida (a favor de la separación del Reino Unido) y que los obligó a salir de sus cuartos y ponerse en contacto estrecho con la realidad que los rodeaba.

Lo fascinante de Girls In Peacetime… es que, detrás de los novedosos sintetizadores que guían varias –por no decir la mayoría– de las melodías o los inesperados solos de guitarra eléctrica (“The Book Of You”), la impronta de la banda se mantiene intacta. Y si bien esa presencia puede detectarse a veces en la superficie a nivel sonoro (“Ever Had A Little Faith?”, uno de los temas más refrescantemente Belle And Sebastian del disco) o lírico (“Nobody’sEmpire”, personal y confesional al mejor estilo Murdoch), tiene un anclaje más profundo, menos evidente. Belle And Sebastian hace cambios en varios niveles, incluso rompe estéticamente con sus clásicas tapas monocromáticas al estilo The Smiths, pero conserva su voz. La voz narrativa, la voz enunciativa, que los define y autorreferencia de manera inconfundible. La banda conserva su identidad inalterada, y ese es el logro más definitivo del noveno disco de los de Glasgow: animarse valientemente al cambio sin perder todo eso que los hace lo que son. Girls In Peacetime es una proclama de vigencia.

Richard Colburn es el baterista de Belle And Sebastian desde que ésta es una banda propiamente dicha. Es decir, desde el momento en que Murdoch y Stuart David decidieron ensanchar sus filas después de haber grabado a dúo aquel inaugural Tigermilk en 1996. Colburn ha estado detrás de esas tantas veces tímidas (pero acertadas) bases rítmicas que acompañaban las canciones gentiles de la banda, y que ahora, ante el atrevimiento sonoro, adquieren protagonismo y volumen en la mezcla. Al teléfono, con un fuertísimo acento escocés, tan simpático como indescifrable, habla animada y amablemente sobre un presente que los encuentra animándose a hacer bailar y que los traerá por Argentina el martes 20 de octubre en el escenario del Teatro Gran Rex.

-Girls In Peacetime es su primer disco después de cuatro, casi cinco años desde su último lanzamiento. ¿Qué rol les parece que cumple este álbum en su discografía?
-Es decididamente diferente. Es bastante diferente que cualquier cosa que hayamos hecho antes. La mayor parte del disco se siente así porque nos volvimos un poco más electrónicos en muchas de las canciones. Nuevo productor, nueva forma de trabajar. Es definitivamente una especie de partida desde nuestro disco anterior.

-¿Qué te parece que es diferente?
-En principio es sólo la forma en que fue grabado. Estilísticamente también. Quiero decir, la mitad del álbum es más electrónico. Tuvimos canciones raras y electrónicas como “Electronic Renaissance” pero en este caso es más amplio, hay toda una sección del disco, todo un concepto alrededor de eso. En ese sentido es diferente la propuesta.

-Siempre elijen títulos muy interesantes para todo lo que hacen. ¿Qué podés decir de este?
-Básicamente, Stuart tiene un libro lleno de títulos para discos y canciones. Cada vez que alguien dice algo interesante o ve un grafiti o lo que sea, lo anota. Tenemos un libro gigante lleno de frases e ideas. Palabras. Dichos. Así que creo que simplemente va extrayendo cosas de ahí. No creo ni estoy seguro de que tenga algún significado real.

-Parecería que siempre hay ciertos estados de ánimo que atraviesan cada uno de sus discos, como un humor determinado que emana de ellos. ¿Qué estado de ánimo te parece que se relaciona con este disco?
-Lo siento bastante optimista. Aunque me parece que hay un poco de trasfondo político en ciertos lugares. Particularmente porque en el momento de escribir el disco, ensayarlo y demás, Escocia estaba atravesando el voto de independencia. Así que probablemente eso tuvo alguna influencia en lo que pasaba durante el proceso de creación del disco. Pero, generalmente hablando, creo que hay una idea de optimismo y de seguir adelante.

-Grabaron el disco en Atlanta, luego lo masterizaron en el Abbey Road Studios y después lo remezclaron en Glasgow. Hay todo un recorrido, literal y conceptual, detrás del mismo. ¿Por qué decidieron hacer esto?
-En realidad terminamos remezclando solo un par de canciones en Glasgow, no todo el disco. Hay algunas canciones que no pudimos terminar de cerrarlas en Atlanta así que decidimos traerlas de vuelta y trabajarlas nosotros mismos en algunos estudios de Glasgow. Pero la mayoría fue mezclada por Ben en Atlanta, así que no hay tanta remezcla. Esta última instancia tuvo que ver con que había algunas canciones de Stuart con las que él no estaba del todo feliz. Quería buscarles un ángulo diferente desde lo sonoro. Lo mismo pasó con una canción de Steve. Pero resultó interesante porque terminamos teniendo varias versiones de las canciones, lo cual creo que enriqueció bastante el producto final. La posibilidad de elegir hizo que afináramos un poco la calidad de lo que estábamos haciendo y de lo que decidimos mostrar.

-Para el video de Nobody’s Empire pidieron material a los fans. ¿Qué los sigue motivando a realizar este tipo de experiencias?-Creo que es básicamente para involucrar a los fans y a la gente en las cosas que estamos haciendo. También la idea es usarlo para los shows en vivo, porque tenemos una nueva producción, con proyecciones y videos. Me parece que siempre es una buena idea invitar a los fans a participar. Porque hace que la gente se mantenga entusiasmada con la banda y está bueno hacer algo con las personas que compran tus discos. Solíamos hacerlo mucho en los primeros años, así que creo que es positivo retomarlo cada tanto y seguir pidiendo la opinión y la participación de los fans. Darles un lugar en lo que hacemos.

-Recientemente reeditaron toda su discografía en vinilo desde Matador. Estos procesos de cierta manera obligan a mirar atrás y observar los últimos 18 años. Si tuvieras que elegir tres momentos clave de su carrera, ¿cuáles serían?
-Vamos a ver si me puedo acordar de tres. Diría que ganar el Brit Award en 1999. Eso fue un momento increíble. Porque, bueno, es nuestra versión del Grammy, digamos. Y generalmente una banda como la nuestra no estaría ni cerca de eso. Pero por alguna razón nos nominaron en una de las categorías (Banda Revelación) y terminamos ganando. Fue una locura. Después, la incorporación de Bob a la banda en el 2000. ¿O 2001? Eso cambió muchísimo las cosas. Modificó la dinámica de la banda. Inauguró una segunda etapa, cerrando la primera, que sería desde 1996 hasta ese momento. Cuando Bob se unió empezamos a pensar y a hacer las cosas de manera diferente. Y por último, diría que trabajar con Trevor Horn. Trabajar con un productor diferente por primera vez. Desde ese momento, trabajamos con un productor distinto en cada disco. Así que ese momento también marcó un quiebre, un punto importante en nuestra historia.

-Han curado algunos festivales a lo largo de su carrera. La última vez fue en 2010 para All Tomorrow’s Parties. Si tuvieran que curar un festival hoy, ¿cuál sería el line up?
– No estoy seguro, ¡no sé! Es divertido porque siempre que hicimos esas cosas, tuvimos que pensar en nuestros gustos personales pero también tener en cuenta a las personas que van a ir al festival, así que no se puede ser demasiado egoísta. Si lo tuviera que hacer yo, invitaría a gente como Derek May y Ron Atkins y gente del techno. También a gente que hace un estilo dance más loco, pero no sé si a todo el mundo le gustaría eso. Sin dudas pondría a Derek May. Después creo que pondría mucho de electrónica, eso seguro. Pero bueno, siempre hay que pensar más en la audiencia que en uno mismo… a mí me parece que las cosas que yo elegiría, aburrirían a todo el mundo.

-Estuvieron en Argentina sólo una vez en 2010, como parte del tour de Write About Love. ¿Qué recuerdos tienen de esa visita?

-Me acuerdo que en ese momento fue el Clásico, así que tengo muchos recuerdos de todo el revuelo y el entusiasmo alrededor de eso. Y cuán hermosa es Buenos Aires. Es muy europea. Casi que me recuerda a Madrid o ciudades por el estilo. Tuvimos un día libre así que pudimos investigar y recorrer la ciudad un poco, lo cual hace una gran diferencia. Uno recuerda más las ciudades cuando tiene la oportunidad de salir a recorrerlas en vez de llegar e irse habiendo conocido sólo el aeropuerto y el lugar del show. La arquitectura me pareció deslumbrante. Es una ciudad muy caminable así que paseamos mucho y vimos cosas geniales. ¡Muy buena comida también! Pero sobre todo me acuerdo de que tuvimos un show increíble y un público maravilloso. Tienen una energía increíble en Sudamérica.
Belle And Sebastian se presentará en Argentina el 20 de octubre en el Teatro Gran Rex. Entradas en venta por sistema Tickektek o en boletería del teatro.

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Valle de Muñecas: “Lo importante es hacer las canciones que tenemos ganas de hacer, nunca nos guiamos por el mercado”

La banda que este año está cumpliendo una década y media de existencia se planta de manera honesta y fiel a sus convicciones dentro del universo del rock local.

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Shoegazing, punk, melodías pop y muchas cosas más conviven dentro del universo Valle de Muñecas. “Hay muchas bandas que influencian a Valle de Muñecas, Television, R.E.M., Smiths, Sonic Youth, Dream Syndicate, Jesus and Mary Chain, Pixies, Husker Dü por citar algunas pero también cosas más actuales como Arctic Monkeys, Strokes, Raveonettes, DIIV, Parquet Courts, etc. Nosotros empezamos todos tocando en bandas Punk, así que eso también es algo que está muy presente en el sonido y en la actitud”, dice Fernando Blanco para explicar un poco el ADN de la banda.

Valle de Muñecas fue, de alguna manera, la continuación y evolución de Menos que Cero, donde Manza ya componía cosas como “Cartas” y “Kodak 74”,  dos canciones que podrían tranquilamente formar parte del repertorio actual de Valle de Muñecas.  “La diferencia entre Valle de Muñecas y Menos que Cero es que es otra gente la que me acompaña, y cada uno aporta su bagaje personal de música escuchada. Y si bien yo sigo escuchando música que escuchaba hace 20 años cuando tocaba en MQC, pasaron muchas cosas desde entonces, y uno va descubriendo cosas nuevas todo el tiempo”, aclara Manza.

Cuando Valle de muñecas habla de influencias, no solo se centra en el plano internacional, también  recuerda a sus contemporáneos y hasta elogian a las nuevas generaciones del indie nacional.  “Yo miro todo el tiempo qué es lo que pasa acá, pero obviamente no nos ha marcado demasiado el clásico rock nacional. Encuentro más empatía con algunos músicos de mi generación (Francisco Bochaton, Rosario Blefari, Boom Boom Kid), y veo en El Mató y toda las bandas que vienen detrás al fin una escena que tiene que ver con la música que siempre escuché”, cuenta Manza.

A lo largo de los años, Manza y los suyos tuvieron una relación un poco distante y hasta extraña con la popularidad, pero fue con la publicidad de la Campagnola que apareció la elegante canción con aires folk “Tormentas”, para que hasta al más distraído se le peguen las primeras y poéticas líneas: “Soy el aire entre tus dedo, una más de mil maneras de fingir la primavera…”.

“Uno no hace las canciones sin esperar nada a cambio, nos gustaría ser más populares pero no estamos dispuestos a ceder nada para que eso suceda”, aclara Fernando. “Obvio que nos gustaría que nuestras canciones lleguen a la mayor cantidad de gente posible, pero no es una decisión solo nuestra, pesa mucho más lo que opinen el público y los medios para que esto ocurra. De todos modos, para nosotros lo más importante es hacer las canciones y discos que tenemos ganas de hacer, nunca nos guiamos por el mercado”, suma Manza para explicar un poco más la postura que Valle de Muñecas tiene con respecto al tema desde que están en la carretera haciendo canciones.

Los Valle de Muñecas siguen haciendo su camino sin mirar a los costados, haciendo lo que mejor saben hacer: Canciones.

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Simon Raymonde, ex Cocteau Twins, sobre su nuevo proyecto: “Nuestro álbum demuestra igualdad”

Años después de la disolución definitiva de Cocteau Twins y con la construcción de su propio sello discográfico, Simon Raymonde se unió al baterista Richie Thomas para crear Lost Horizons.

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Años después de la disolución definitiva de Cocteau Twins y con la construcción de su propio sello discográfico, Simon Raymonde se unió al baterista Richie Thomas para crear Lost Horizons. Su álbum debut, Ojalá (en español en el original), nos regala eso que a veces se pierde despacio entre murmullos y ruido, tan sanador y vital que algunos niegan y otros pueden confirmar, que se llama música.

Esta fue la charla que Raymonde mantuvo con Ultrabrit.

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Ultrabrit: Formaste parte de los legendarios Cocteau Twins, y cuando se separaron definitivamente le diste forma a tu propio sello, Bella Union… ¿Qué crees que le hacia falta a la industria para crear una discográfica como ésta?

Simon: Es una buena pregunta, creo que tuvimos muy malas experiencias con nuestros primeros sellos discográficos, relaciones malas, donde no había amistad, y finalmente en 1997 creamos nuestro propio sello con la idea de hacer nuestra propia música.

U: Suena a que crear tu propio sello discográfico es crear tus propias reglas…

S: Bueno sí, exacto, no tenés que preguntarle a nadie si lo que estás haciendo está bien. Simplemente lo hacés. Tomás las decisiones que querés, hacés los videos que querés, sólo lo charlas con tus compañeros. Obviamente es una teoría, la realidad es un poco diferente.

U: ¿Cuáles son los factores que la gente no puede ni imaginarse sobre tener un sello propio? ¿Qué es lo más difícil y qué es lo más divertido?

S: Lo más divertido o lindo es ver cómo las pequeñas bandas que llegan con sus demos comienzan a evolucionar y a crecer de nuestra mano, ganándose su público. Es un ejercicio a largo plazo. No se trata de los charts ni billboards, se trata de volverse la mejor versión de uno mismo como artista. Es algo que es más duradero que un hit, significa mucho más, es ser parte de algo con propósito.

U: ¿Creés que los álbumes físicos van a desaparecer?

S: Creo que soy de una generación en la que eso no va a pasar. Pero es cierto que hay una generación, la generación track, generación Spotify, que no saben lo que es escuchar un álbum completo. Si bien todo puede cambiar ya que esa misma generación está comenzando a revalorizar los vinilos como objetos vintage, pero quién sabe.

U: El nuevo disco de Lost Horizons se llama “Ojalá”. ¿Por qué el título en castellano?

S: Porque es una palabra muy importante, es una palabra hermosa, con un significado especial, no sólo para mí sino para el planeta en el que vivimos los ciudadanos del mundo en el presente. Tenemos muchas cosas por las que preocuparnos hoy, y ‘Ojalá’ es una expresión de optimismo y es tener un marco de positividad sobre que todo va a funcionar mejor no sólo para uno mismo si no para el mundo entero. Incluso haciendo algo pequeño, como un gesto para otra persona, una sonrisa, abrir la puerta a alguien mayor, eso le puede cambiar el día a alguien.

U: En su música hay muchas voces femeninas, ¿por qué tantas variaciones?

S: Supongo que porque me gustan las voces femeninas; ojo, igual que las masculinas, creo en un 50/50. Tal vez por cómo me criaron que el álbum demuestra igualdad. Creo que en el mundo hay muy pocas mujeres en puestos en los predominan los hombres, tanto en la radio, en la música, en los festivales, etc. Creo también que las acciones valen más que las palabras, tal vez por eso hay tantas voces femeninas en Ojalá.

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Greg Gonzalez de Cigarettes After Sex: “Es muy especial comprar un disco, es como una pieza de arte”

A días de su primera visita a la Argentina hablamos con la mente detrás de Cigarrettes After Sex, el grupo pop de Brooklyn que se enfoca en música ambiente y tiene seguidores por todo el mundo.

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A días de su primera visita a la Argentina hablamos con la mente detrás de Cigarrettes After Sex, el grupo pop de Brooklyn que se enfoca en música ambiente y tiene seguidores por todo el mundo.

Cuando hablamos con Greg Gonzalez, compositor de CAS, no estaba en Nueva York, donde vive hace años. Tampoco estaba de visita en El Paso, su ciudad natal. Greg nos contesta desde Bruselas, donde esa noche darán con su banda uno de los shows más convocantes de la gira europea que terminó recientemente. Desde que Cigarrettes After Sex cultivó visitas en su canal de Youtube que no paró de crecer, transformando singles en un EP y más tarde en su primer álbum de estudio, de hombre homónimo al grupo. Y entonces llegó el momento de que los seguidores los vean en vivo y así será en la próxima edición del Festival BUE.

Ultrabrit: ¿Cuál era el propósito de grabar un álbum tradicional cuando el medio que los hizo conocidos fueron las redes sociales y Youtube?

Greg Gonzalez: Creo que es algo que siempre estuvo en mi cabeza, solo que fue difícil decidirme en cómo hacerlo y cómo debía sonar. Hicimos el EP y pensé que estaba muy bien pero me costó un tiempo recapturar esa magia. Lo que pasó es que fui a Nueva York, encontré nuevas cosas y finalmente encontré el sonido que me gustaba. Con la canción Affection pensé “ok, esto suena bastante bien, es hora de armar un disco” y usamos el sonido de Affection como el sonido del álbum y basamos todo lo demás alrededor de ese sonido que me gustaba tanto. Eso tomó un tiempo.

Pero era algo que siempre quise hacer y creo que cualquier artista que importe quiere completar su trabajo. Ya sea un compositor clásico como Mozart o una banda como los Beatles, todos tienen una versión extendida de su trabajo que quieren sacar y mostrar cómo suena.

U: Habiendo generado un público a través de Internet, ¿qué valor tiene vender copias para vos?

G: Es interesante porque las cosas cambiaron con el streaming y eso es genial, o sea hay gente escuchando música y siempre ha sido así a través de los años ya sea con vinilos, CDs o MP3s y ahora streaming así que creo que es una cuestión de conveniencia, lo que es bueno. La gente debería tener fácil acceso a la música.

Cuando la gente compra discos significa que son fans, que hay algo que quieren coleccionar de la banda. Es muy especial que la gente quiera comprarlo, es como una pieza de arte en una casa. Son dos cosas diferentes, la gente que escucha por streaming y la disfruta hasta ahí y el coleccionista que quiere tener el vinilo. Son los dos válidos, los dos son buenos.

U: ¿Sos coleccionista?

G: Cuando era más joven solía tener una gran colección de vinilos y CDs pero cuando empecé a moverme tanto descubrí que no podía cargar todo eso conmigo así dejé de ser un coleccionista y ahora escucho música por streaming. Lo que sí quiero hacer es tener mis 10 discos preferidos en vinilo, eso es lo que principalmente quiero coleccionar, solo en caso que quiera poner uno, son álbumes muy especiales para mi.

U: Las giras son largas, ¿tenés la capacidad de componer y mantener el ritmo de viaje al mismo tiempo?

G: Sí. Vivo y respiro música, es todo espontáneo. Estoy tirado en la cama y una canción entra en mi mente y la grabo con mi teléfono y solo aparece de la nada. A veces estoy tocando la guitarra, invento una canción aunque no esté tratando de escribir una canción, es una cosa muy natural en mi, es como funciona mi mente.

U: No tenés ningún ritual especial…

G: Escribo cuando llega el momento. A veces tengo que estar a solas para trabajar en la letra. A veces, si quiero relajarme un poco, prendo una vela o me sirvo un trago de scotch. Pero son cosas que no puedo hacer muy seguido así que escribo donde sea.

U: ¿Cómo es el proceso creativo con el resto de la banda?

G: Soy un freak del control así que yo llevo las letras, las melodías y los acordes a la banda y ellos lo que hacen con todo eso es crearle un ambiente particular. A veces improviso con ellos pero la banda no escribe letras sino que le da un sentimiento de base al tema.

U: Tu música es especial para hacer de banda sonora de un film. ¿Con qué director te gustaría trabajar en algo así?

G: Me encantaría hacer una banda sonora, algunos de mis álbumes preferidos son soundtracks, son muy mágicos e influyen mucho en mi. Si hiciéramos una para una película creo que el director con el que me gustaría trabajar es Thomas Anderson. Ha hecho cosas muy buenas y creo que podríamos lograr algo juntos, si alguna vez tengo la chance.

U: ¿Qué esperás de tu paso por Sudamérica?

G: Estoy emocionado por ver cómo todo es, cómo es la gente. Parece que tenemos fans muy apasionados en Argentina, cuando hablo con ellos están emocionados por mi música. Creo que va a ser un buen show y va a ser divertido conocer a todos los fans.

Cigarettes After Sex son Greg Gonzalez, Jacob Tomsky, Phillip Tubbs, Randall Miller. Se presentarán por primera vez en Buenos Aires el 15 de diciembre, en el Día 1 del Festival BUE.

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