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Bandalos Chinos: “No es solo el rock de guitarras el que vale”

La banda de Synth Pop oriunda de Zona Norte, luego de participar en la última edición de Lollapalooza, presenta hoy su nuevo disco En el aire.

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La banda de Synth Pop oriunda de Zona Norte, luego de participar en la última edición de Lollapalooza, presenta hoy su nuevo disco En el aire.

Gregorio Degano, más conocido como “Goyo”, es el cantante de Bandalos Chinos y, antes de su show en Niceto, contó a Ultrabrit los orígenes de su banda, su relación con el mainstream y la experiencia de tocar en uno de los festivales más grandes del mundo.

¿Cómo nació la banda? ¿Cuál es su génesis?

Con Tomi Verduga, el violero, estábamos viendo a Zanahoria una banda que se está juntando devuelta ahora. En ese momento, nos miramos y dijimos “Tenemos que formar una banda y empezar a hacer nuestras canciones”. A los meses, nos juntamos y queríamos hacer un tema de Spinetta, ‘Durazno Sangrando’ y, a partir de ahí, comenzamos a componer temas juntos que pasaron a ser los primeros temas de la banda. A los tres años grabamos ‘Bandalos Chinos’, que tenía un rejunte de todas esas canciones.

¿Había una idea general para el sonido de la banda?

No, no pensamos nunca en que queríamos tocar, no nos sentamos a hablar de que genero queríamos hacer, o como lo queríamos hacer. De alguna manera eso nos achanchó un poco. Veníamos todos de lugares muy distintos, musicalmente hablando, por lo que nos llevó bastante tiempo ver que era lo que queríamos hacer. Quizás eso lo vimos más a partir del segundo disco.

¿Los dos EP que vinieron después de ‘Bandalos Chinos’ también eran un rejunte de composiciones de todos o el trabajo de composición estaba más focalizado en un integrante?

Lo que ocurrió a partir del primero es que ya teníamos una idea de cómo queríamos que suene, para el segundo EP llegamos a un punto donde poníamos todo en duda, pero desde un lugar bueno, donde todos los elementos de una canción son debatibles, que haya seis cabezas pensando en esa canción fue para sumar.

¿Qué significó para ustedes tocar en el Lollapalooza?

Estuvo buenísimo, lo sentimos como un reconocimiento al laburo. Desde el 2009 nos manejamos de una manera independiente, organizando fechas con bandas amigas, metiéndole ganas, y que de repente se nos de esta oportunidad, para nosotros fue como jugar la libertadores. Todo es increíble, la técnica, el trato, las condiciones. Nunca imaginamos ir a probar sonido y que estén probando The Strokes también. Además se dio una buena dinámica con el público, mucha comunicación y energía. Nos preparamos para ir y romperla, pero siempre manteniendo esa identidad de que todo se mantenga natural.

 Si tuvieras que definir el trayecto desde el nacimiento a la popularidad de una banda ¿Cómo lo harías?

Es fundamental tener paciencia e ir entendiendo el momento del proyecto. Grabar y producir lo que puedas y como puedas; tocar lo más que puedas, en cualquier situación. A veces lo lindo es ir y hacer música con el equipo que tengas, si tenes que sentarte a dar un show con una acústica lo das y eso es valioso también. También sirve juntarse con sellos independientes que te ayuden a conseguir fechas y a producirte, pueden salir cosas piolas de ahí.

¿Cómo se llevan con el mainstream? ¿Quieren formar parte o alejarse?

Yo creo que se puede hacer una canción mainstream sincera, las canciones que hacemos podrían sonar en una radio mainstream. Además, la música está en una aceptación al hecho de que vas a un festival y puede tocar tanto con Pez como con Miranda, que son opuestos en el plano musical. Hoy está todo más abierto, imagínate que en las radios de rock nacional, de vez en cuando te mechan un tema de afuera, porque es irreal el que solo escuchemos música de acá, nadie lo hace. Todo lleva a todo, pienso en un mainstream más abierto, que suene música y punto.

Decidieron adoptar una estética muy ochentera ¿Cómo surge esto? ¿Está pensado tanto musical como visualmente?

Hay una gran influencia de Tomas Terzano, que es quien dirige los videoclips y nos arma las visuales, es un miembro más de nuestra gran familia. Creo que la estética se fue dando y es lo que somos, aunque claramente hay una reminiscencia a los 80’ desde el audio y el uso de lo analógico, no podría confirmar que sea algo muy buscado.

Es algo característico de su banda el uso de sintetizadores, lo cual no es muy común en el rock argentino ¿Piensan que esto puede marcar una tendencia a futuro?

Creo que nos subimos a una tendencia que ya venía existiendo e intentamos darle nuestra impronta y nuestra identidad. Es un laburo re jodido, ya que, hay muchísimas formas y texturas de llegar a un resultado. Hay millones de posibilidades y tenes que estar muy fino a la hora de tomar decisiones. Nos parece que abre una variedad, da cuenta de que no es solo el rock de guitarras el que vale.

¿Hay una idea general detrás de sus letras o cada una es un mundo aparte?

No hay una conceptualización. Cuando empecé a escribir me acomplejaba la pregunta de ¿Qué tengo yo para decir? ¿Quién soy yo para escribir una canción? Y con el tiempo me fui dando cuenta que lo uno tiene para decir es eso, lo sincero. Intentamos que nuestros temas representen una sensación, un sentimiento, pensamientos. Incluso en nuestro último EP hay un tema que está basado en un cuento de Cortázar y lo fuimos transpolando en algo más personal. También dejamos lugar a la interpretación del oyente y que lo lleve donde lo quiera llevar.

¿Hay algún artista con el que les gustaría trabajar?

Desde que armamos la banda tuvimos la intención de hacer algo con Spinetta, pero lamentablemente la ley de la vida no nos lo permitió. No sé si hoy estamos pensando en alguien concreto, pero nos gustaría trabajar con alguien que desde lo objetivo y subjetivo nos sume. Si tuviera que nombrar algunos diría que IKV, El Mato a un Policia Motorizado o Sig Ragga… Sería una locura laburar con cualquiera de ellos, que nos acompañen en la producción de un tema o tocar juntos.

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Valle de Muñecas: “Lo importante es hacer las canciones que tenemos ganas de hacer, nunca nos guiamos por el mercado”

La banda que este año está cumpliendo una década y media de existencia se planta de manera honesta y fiel a sus convicciones dentro del universo del rock local.

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Shoegazing, punk, melodías pop y muchas cosas más conviven dentro del universo Valle de Muñecas. “Hay muchas bandas que influencian a Valle de Muñecas, Television, R.E.M., Smiths, Sonic Youth, Dream Syndicate, Jesus and Mary Chain, Pixies, Husker Dü por citar algunas pero también cosas más actuales como Arctic Monkeys, Strokes, Raveonettes, DIIV, Parquet Courts, etc. Nosotros empezamos todos tocando en bandas Punk, así que eso también es algo que está muy presente en el sonido y en la actitud”, dice Fernando Blanco para explicar un poco el ADN de la banda.

Valle de Muñecas fue, de alguna manera, la continuación y evolución de Menos que Cero, donde Manza ya componía cosas como “Cartas” y “Kodak 74”,  dos canciones que podrían tranquilamente formar parte del repertorio actual de Valle de Muñecas.  “La diferencia entre Valle de Muñecas y Menos que Cero es que es otra gente la que me acompaña, y cada uno aporta su bagaje personal de música escuchada. Y si bien yo sigo escuchando música que escuchaba hace 20 años cuando tocaba en MQC, pasaron muchas cosas desde entonces, y uno va descubriendo cosas nuevas todo el tiempo”, aclara Manza.

Cuando Valle de muñecas habla de influencias, no solo se centra en el plano internacional, también  recuerda a sus contemporáneos y hasta elogian a las nuevas generaciones del indie nacional.  “Yo miro todo el tiempo qué es lo que pasa acá, pero obviamente no nos ha marcado demasiado el clásico rock nacional. Encuentro más empatía con algunos músicos de mi generación (Francisco Bochaton, Rosario Blefari, Boom Boom Kid), y veo en El Mató y toda las bandas que vienen detrás al fin una escena que tiene que ver con la música que siempre escuché”, cuenta Manza.

A lo largo de los años, Manza y los suyos tuvieron una relación un poco distante y hasta extraña con la popularidad, pero fue con la publicidad de la Campagnola que apareció la elegante canción con aires folk “Tormentas”, para que hasta al más distraído se le peguen las primeras y poéticas líneas: “Soy el aire entre tus dedo, una más de mil maneras de fingir la primavera…”.

“Uno no hace las canciones sin esperar nada a cambio, nos gustaría ser más populares pero no estamos dispuestos a ceder nada para que eso suceda”, aclara Fernando. “Obvio que nos gustaría que nuestras canciones lleguen a la mayor cantidad de gente posible, pero no es una decisión solo nuestra, pesa mucho más lo que opinen el público y los medios para que esto ocurra. De todos modos, para nosotros lo más importante es hacer las canciones y discos que tenemos ganas de hacer, nunca nos guiamos por el mercado”, suma Manza para explicar un poco más la postura que Valle de Muñecas tiene con respecto al tema desde que están en la carretera haciendo canciones.

Los Valle de Muñecas siguen haciendo su camino sin mirar a los costados, haciendo lo que mejor saben hacer: Canciones.

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Simon Raymonde, ex Cocteau Twins, sobre su nuevo proyecto: “Nuestro álbum demuestra igualdad”

Años después de la disolución definitiva de Cocteau Twins y con la construcción de su propio sello discográfico, Simon Raymonde se unió al baterista Richie Thomas para crear Lost Horizons.

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Años después de la disolución definitiva de Cocteau Twins y con la construcción de su propio sello discográfico, Simon Raymonde se unió al baterista Richie Thomas para crear Lost Horizons. Su álbum debut, Ojalá (en español en el original), nos regala eso que a veces se pierde despacio entre murmullos y ruido, tan sanador y vital que algunos niegan y otros pueden confirmar, que se llama música.

Esta fue la charla que Raymonde mantuvo con Ultrabrit.

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Ultrabrit: Formaste parte de los legendarios Cocteau Twins, y cuando se separaron definitivamente le diste forma a tu propio sello, Bella Union… ¿Qué crees que le hacia falta a la industria para crear una discográfica como ésta?

Simon: Es una buena pregunta, creo que tuvimos muy malas experiencias con nuestros primeros sellos discográficos, relaciones malas, donde no había amistad, y finalmente en 1997 creamos nuestro propio sello con la idea de hacer nuestra propia música.

U: Suena a que crear tu propio sello discográfico es crear tus propias reglas…

S: Bueno sí, exacto, no tenés que preguntarle a nadie si lo que estás haciendo está bien. Simplemente lo hacés. Tomás las decisiones que querés, hacés los videos que querés, sólo lo charlas con tus compañeros. Obviamente es una teoría, la realidad es un poco diferente.

U: ¿Cuáles son los factores que la gente no puede ni imaginarse sobre tener un sello propio? ¿Qué es lo más difícil y qué es lo más divertido?

S: Lo más divertido o lindo es ver cómo las pequeñas bandas que llegan con sus demos comienzan a evolucionar y a crecer de nuestra mano, ganándose su público. Es un ejercicio a largo plazo. No se trata de los charts ni billboards, se trata de volverse la mejor versión de uno mismo como artista. Es algo que es más duradero que un hit, significa mucho más, es ser parte de algo con propósito.

U: ¿Creés que los álbumes físicos van a desaparecer?

S: Creo que soy de una generación en la que eso no va a pasar. Pero es cierto que hay una generación, la generación track, generación Spotify, que no saben lo que es escuchar un álbum completo. Si bien todo puede cambiar ya que esa misma generación está comenzando a revalorizar los vinilos como objetos vintage, pero quién sabe.

U: El nuevo disco de Lost Horizons se llama “Ojalá”. ¿Por qué el título en castellano?

S: Porque es una palabra muy importante, es una palabra hermosa, con un significado especial, no sólo para mí sino para el planeta en el que vivimos los ciudadanos del mundo en el presente. Tenemos muchas cosas por las que preocuparnos hoy, y ‘Ojalá’ es una expresión de optimismo y es tener un marco de positividad sobre que todo va a funcionar mejor no sólo para uno mismo si no para el mundo entero. Incluso haciendo algo pequeño, como un gesto para otra persona, una sonrisa, abrir la puerta a alguien mayor, eso le puede cambiar el día a alguien.

U: En su música hay muchas voces femeninas, ¿por qué tantas variaciones?

S: Supongo que porque me gustan las voces femeninas; ojo, igual que las masculinas, creo en un 50/50. Tal vez por cómo me criaron que el álbum demuestra igualdad. Creo que en el mundo hay muy pocas mujeres en puestos en los predominan los hombres, tanto en la radio, en la música, en los festivales, etc. Creo también que las acciones valen más que las palabras, tal vez por eso hay tantas voces femeninas en Ojalá.

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Greg Gonzalez de Cigarettes After Sex: “Es muy especial comprar un disco, es como una pieza de arte”

A días de su primera visita a la Argentina hablamos con la mente detrás de Cigarrettes After Sex, el grupo pop de Brooklyn que se enfoca en música ambiente y tiene seguidores por todo el mundo.

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A días de su primera visita a la Argentina hablamos con la mente detrás de Cigarrettes After Sex, el grupo pop de Brooklyn que se enfoca en música ambiente y tiene seguidores por todo el mundo.

Cuando hablamos con Greg Gonzalez, compositor de CAS, no estaba en Nueva York, donde vive hace años. Tampoco estaba de visita en El Paso, su ciudad natal. Greg nos contesta desde Bruselas, donde esa noche darán con su banda uno de los shows más convocantes de la gira europea que terminó recientemente. Desde que Cigarrettes After Sex cultivó visitas en su canal de Youtube que no paró de crecer, transformando singles en un EP y más tarde en su primer álbum de estudio, de hombre homónimo al grupo. Y entonces llegó el momento de que los seguidores los vean en vivo y así será en la próxima edición del Festival BUE.

Ultrabrit: ¿Cuál era el propósito de grabar un álbum tradicional cuando el medio que los hizo conocidos fueron las redes sociales y Youtube?

Greg Gonzalez: Creo que es algo que siempre estuvo en mi cabeza, solo que fue difícil decidirme en cómo hacerlo y cómo debía sonar. Hicimos el EP y pensé que estaba muy bien pero me costó un tiempo recapturar esa magia. Lo que pasó es que fui a Nueva York, encontré nuevas cosas y finalmente encontré el sonido que me gustaba. Con la canción Affection pensé “ok, esto suena bastante bien, es hora de armar un disco” y usamos el sonido de Affection como el sonido del álbum y basamos todo lo demás alrededor de ese sonido que me gustaba tanto. Eso tomó un tiempo.

Pero era algo que siempre quise hacer y creo que cualquier artista que importe quiere completar su trabajo. Ya sea un compositor clásico como Mozart o una banda como los Beatles, todos tienen una versión extendida de su trabajo que quieren sacar y mostrar cómo suena.

U: Habiendo generado un público a través de Internet, ¿qué valor tiene vender copias para vos?

G: Es interesante porque las cosas cambiaron con el streaming y eso es genial, o sea hay gente escuchando música y siempre ha sido así a través de los años ya sea con vinilos, CDs o MP3s y ahora streaming así que creo que es una cuestión de conveniencia, lo que es bueno. La gente debería tener fácil acceso a la música.

Cuando la gente compra discos significa que son fans, que hay algo que quieren coleccionar de la banda. Es muy especial que la gente quiera comprarlo, es como una pieza de arte en una casa. Son dos cosas diferentes, la gente que escucha por streaming y la disfruta hasta ahí y el coleccionista que quiere tener el vinilo. Son los dos válidos, los dos son buenos.

U: ¿Sos coleccionista?

G: Cuando era más joven solía tener una gran colección de vinilos y CDs pero cuando empecé a moverme tanto descubrí que no podía cargar todo eso conmigo así dejé de ser un coleccionista y ahora escucho música por streaming. Lo que sí quiero hacer es tener mis 10 discos preferidos en vinilo, eso es lo que principalmente quiero coleccionar, solo en caso que quiera poner uno, son álbumes muy especiales para mi.

U: Las giras son largas, ¿tenés la capacidad de componer y mantener el ritmo de viaje al mismo tiempo?

G: Sí. Vivo y respiro música, es todo espontáneo. Estoy tirado en la cama y una canción entra en mi mente y la grabo con mi teléfono y solo aparece de la nada. A veces estoy tocando la guitarra, invento una canción aunque no esté tratando de escribir una canción, es una cosa muy natural en mi, es como funciona mi mente.

U: No tenés ningún ritual especial…

G: Escribo cuando llega el momento. A veces tengo que estar a solas para trabajar en la letra. A veces, si quiero relajarme un poco, prendo una vela o me sirvo un trago de scotch. Pero son cosas que no puedo hacer muy seguido así que escribo donde sea.

U: ¿Cómo es el proceso creativo con el resto de la banda?

G: Soy un freak del control así que yo llevo las letras, las melodías y los acordes a la banda y ellos lo que hacen con todo eso es crearle un ambiente particular. A veces improviso con ellos pero la banda no escribe letras sino que le da un sentimiento de base al tema.

U: Tu música es especial para hacer de banda sonora de un film. ¿Con qué director te gustaría trabajar en algo así?

G: Me encantaría hacer una banda sonora, algunos de mis álbumes preferidos son soundtracks, son muy mágicos e influyen mucho en mi. Si hiciéramos una para una película creo que el director con el que me gustaría trabajar es Thomas Anderson. Ha hecho cosas muy buenas y creo que podríamos lograr algo juntos, si alguna vez tengo la chance.

U: ¿Qué esperás de tu paso por Sudamérica?

G: Estoy emocionado por ver cómo todo es, cómo es la gente. Parece que tenemos fans muy apasionados en Argentina, cuando hablo con ellos están emocionados por mi música. Creo que va a ser un buen show y va a ser divertido conocer a todos los fans.

Cigarettes After Sex son Greg Gonzalez, Jacob Tomsky, Phillip Tubbs, Randall Miller. Se presentarán por primera vez en Buenos Aires el 15 de diciembre, en el Día 1 del Festival BUE.

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