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Bandalos Chinos: “No es solo el rock de guitarras el que vale”

La banda de Synth Pop oriunda de Zona Norte, luego de participar en la última edición de Lollapalooza, presenta hoy su nuevo disco En el aire.

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La banda de Synth Pop oriunda de Zona Norte, luego de participar en la última edición de Lollapalooza, presenta hoy su nuevo disco En el aire.

Gregorio Degano, más conocido como “Goyo”, es el cantante de Bandalos Chinos y, antes de su show en Niceto, contó a Ultrabrit los orígenes de su banda, su relación con el mainstream y la experiencia de tocar en uno de los festivales más grandes del mundo.

¿Cómo nació la banda? ¿Cuál es su génesis?

Con Tomi Verduga, el violero, estábamos viendo a Zanahoria una banda que se está juntando devuelta ahora. En ese momento, nos miramos y dijimos “Tenemos que formar una banda y empezar a hacer nuestras canciones”. A los meses, nos juntamos y queríamos hacer un tema de Spinetta, ‘Durazno Sangrando’ y, a partir de ahí, comenzamos a componer temas juntos que pasaron a ser los primeros temas de la banda. A los tres años grabamos ‘Bandalos Chinos’, que tenía un rejunte de todas esas canciones.

¿Había una idea general para el sonido de la banda?

No, no pensamos nunca en que queríamos tocar, no nos sentamos a hablar de que genero queríamos hacer, o como lo queríamos hacer. De alguna manera eso nos achanchó un poco. Veníamos todos de lugares muy distintos, musicalmente hablando, por lo que nos llevó bastante tiempo ver que era lo que queríamos hacer. Quizás eso lo vimos más a partir del segundo disco.

¿Los dos EP que vinieron después de ‘Bandalos Chinos’ también eran un rejunte de composiciones de todos o el trabajo de composición estaba más focalizado en un integrante?

Lo que ocurrió a partir del primero es que ya teníamos una idea de cómo queríamos que suene, para el segundo EP llegamos a un punto donde poníamos todo en duda, pero desde un lugar bueno, donde todos los elementos de una canción son debatibles, que haya seis cabezas pensando en esa canción fue para sumar.

¿Qué significó para ustedes tocar en el Lollapalooza?

Estuvo buenísimo, lo sentimos como un reconocimiento al laburo. Desde el 2009 nos manejamos de una manera independiente, organizando fechas con bandas amigas, metiéndole ganas, y que de repente se nos de esta oportunidad, para nosotros fue como jugar la libertadores. Todo es increíble, la técnica, el trato, las condiciones. Nunca imaginamos ir a probar sonido y que estén probando The Strokes también. Además se dio una buena dinámica con el público, mucha comunicación y energía. Nos preparamos para ir y romperla, pero siempre manteniendo esa identidad de que todo se mantenga natural.

 Si tuvieras que definir el trayecto desde el nacimiento a la popularidad de una banda ¿Cómo lo harías?

Es fundamental tener paciencia e ir entendiendo el momento del proyecto. Grabar y producir lo que puedas y como puedas; tocar lo más que puedas, en cualquier situación. A veces lo lindo es ir y hacer música con el equipo que tengas, si tenes que sentarte a dar un show con una acústica lo das y eso es valioso también. También sirve juntarse con sellos independientes que te ayuden a conseguir fechas y a producirte, pueden salir cosas piolas de ahí.

¿Cómo se llevan con el mainstream? ¿Quieren formar parte o alejarse?

Yo creo que se puede hacer una canción mainstream sincera, las canciones que hacemos podrían sonar en una radio mainstream. Además, la música está en una aceptación al hecho de que vas a un festival y puede tocar tanto con Pez como con Miranda, que son opuestos en el plano musical. Hoy está todo más abierto, imagínate que en las radios de rock nacional, de vez en cuando te mechan un tema de afuera, porque es irreal el que solo escuchemos música de acá, nadie lo hace. Todo lleva a todo, pienso en un mainstream más abierto, que suene música y punto.

Decidieron adoptar una estética muy ochentera ¿Cómo surge esto? ¿Está pensado tanto musical como visualmente?

Hay una gran influencia de Tomas Terzano, que es quien dirige los videoclips y nos arma las visuales, es un miembro más de nuestra gran familia. Creo que la estética se fue dando y es lo que somos, aunque claramente hay una reminiscencia a los 80’ desde el audio y el uso de lo analógico, no podría confirmar que sea algo muy buscado.

Es algo característico de su banda el uso de sintetizadores, lo cual no es muy común en el rock argentino ¿Piensan que esto puede marcar una tendencia a futuro?

Creo que nos subimos a una tendencia que ya venía existiendo e intentamos darle nuestra impronta y nuestra identidad. Es un laburo re jodido, ya que, hay muchísimas formas y texturas de llegar a un resultado. Hay millones de posibilidades y tenes que estar muy fino a la hora de tomar decisiones. Nos parece que abre una variedad, da cuenta de que no es solo el rock de guitarras el que vale.

¿Hay una idea general detrás de sus letras o cada una es un mundo aparte?

No hay una conceptualización. Cuando empecé a escribir me acomplejaba la pregunta de ¿Qué tengo yo para decir? ¿Quién soy yo para escribir una canción? Y con el tiempo me fui dando cuenta que lo uno tiene para decir es eso, lo sincero. Intentamos que nuestros temas representen una sensación, un sentimiento, pensamientos. Incluso en nuestro último EP hay un tema que está basado en un cuento de Cortázar y lo fuimos transpolando en algo más personal. También dejamos lugar a la interpretación del oyente y que lo lleve donde lo quiera llevar.

¿Hay algún artista con el que les gustaría trabajar?

Desde que armamos la banda tuvimos la intención de hacer algo con Spinetta, pero lamentablemente la ley de la vida no nos lo permitió. No sé si hoy estamos pensando en alguien concreto, pero nos gustaría trabajar con alguien que desde lo objetivo y subjetivo nos sume. Si tuviera que nombrar algunos diría que IKV, El Mato a un Policia Motorizado o Sig Ragga… Sería una locura laburar con cualquiera de ellos, que nos acompañen en la producción de un tema o tocar juntos.

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Lara Pedrosa: “Para grabar mi disco tuve que romper varios límites”

La cantante y bajista Lara Pedrosa presentó “El Bosque del Recuerdo”, su primer álbum solista, y hablamos con ella sobre la creación de éste trabajo que le llevó cinco años.

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La ex No lo Soporto y actual integrante de Zero KIll, presentó en el mes de marzo su álbum debut como solista, obra grabada y editada a través de Twitin Records, el sello discográfico de Tweety González, y masterizada por Andres Mayo.Su obra tiene nueve canciones en los que participaron varios amigos y artistas que lograron retratar un momento de su vida de introspección y melancolía. Hoy Lara se encuentra buscando nuevos horizontes, trasladando su carrera al viejo continente y más segura que nunca. Sobre eso y otras cuestiones hablamos en esta entrevista.

Entrevista Fabiana Solano y Paz Varales.

Fotos: Mia Ferrari

Hace cinco años que venís trabajando en este disco y siempre perteneciste al ambiente de la música, ¿por qué crees que surgió recién ahora?

La idea de lanzarme como solista viene desde la ruptura de No lo soporto, de hecho para eso me alejé de la banda, no por esa razón especifica pero si con esa idea. Ni bien me fui de la banda me puse a trabajar con Ale Sergi de Miranda! en mis canciones solistas, pensamos en tener una banda, grabamos, hicimos un show, pero ellos enseguida sacaron un disco nuevo y ahí Ale me propuso hacer esos temas para mí. Acepté pero no sentía que sea representativo cien por ciento mio, él es un gran músico y ese sonido era muy Miranda!, quedaron ahí. Son canciones que están buenísimas y pienso retomarlas con mi estilo actual. Aparte me pasó que atravesé muchos obstáculos a nivel personal, relacionados con mi confianza en mi misma, me costó mucho encontrar mi voz y mi personalidad musical y me tomó ese tiempo. Después hablé con Tweety Gonzalez, tuvimos una charla que los dos recordaremos por siempre y empezamos a trabajar los temas juntos. A los tiempos lentos del estudio pero se avanzó, y los temas quedaron super bien, superan mis expectativas, estoy teniendo una retribución muy alentadora. Los comentarios de la gente me emocionan a nivel lágrimas. Siento que es una meta cumplida para mi, haber roto ese límite, no fue fácil, menos para una mujer en Argentina.

¿Crees que la cuestión de género funciona como una barrera autoimpuesta o has tenido situaciones puntuales?

Es que Argentina a nivel educación y cultura va lento. Mis amigos y la gente del medio son distintos pero la gran mayoría podría no estar preparada para el cambio que está ocurriendo. Me ha pasado de llegar con los equipos en la mano y que me pregunten “que llevas ahí? ¿tus maquillajes?”. Después nos veían tocar y se sorprendían porque también tocábamos.

Foto por Mia Ferrari

¿Sentís que ahora es menor esa “discriminación”?

Si, un poco. Han pasado cosas importantes y los hombres están cambiando, algunos. Están entendiendo que somos pares. Nos tenemos que ayudar entre todos. Lo mas importante es cuidarnos, respetarnos, no somos competencia y hay lugar para todos en el arte. En todas las profesiones.

El rock particularmente tiene una tendencia machista bastante marcada…

Sin dudas. Pero ahora hay bandas lideradas por mujeres que les está yendo super bien hace rato, como el caso de Eruca Sativa, que puede gustarte o no. Si bien es esperanzador, es deprimente que te pueda nombrar una sola banda porque en realidad hay un montón que no son tan conocidas. Yo siento que es algo del país. En otros países latinoamericanos colegas mujeres se han convertido en íconos internacionales como Mon Laferte, Natalia Lafourcade, o Julieta Venegas. Ahora con todo el ruido que se está haciendo pueden generarse las referencias que faltan.

Y es parte de un proceso cultural.

Sin dudas, es un compromiso social que debemos generar todos los que estamos en el mundo de la música y en general en todas las áreas laborales y de expresión para que la cosa cambie, en el fondo todos sabemos que es mejor para todos, más sano.

¿Cómo nació El bosque del recuerdo que le da el nombre al disco?

Conocí el nombre visitando el Parque del Retiro, en Madrid. Estaba sola caminando, vi un laberinto de callecitas, entré, miré para arriba y me impactó el nombre de ese lugar: “El bosque de el recuerdo”. Me llamó la atención y lo anoté. Me daba a ensueño y melancolía extrema que es un estado que disfruto mucho. Es como un lugar donde me imagino que entro a recordar esa persona que fui mientras compuse todas esas canciones que ya no me representan tanto pero fueron parte de mí y me hacen quien soy. Está lleno de recuerdos y sensaciones que cada tanto entro a recordar.

Da la sensación de que apostás mucho a lo colectivo porque se ve en tu disco un ida y vuelta y cierta generosidad con distintos artistas, ¿puede ser?

Si. Me pasa que cuando conozco gente con la que conecto musicalmente me genera como una sensación de enamoramiento y quiero compartir creatividad con esa persona. Si bien las canciones son composiciones mías y tengo claro lo que quiero, también me gusta aliarme con otros artistas que admiro. Es medio un morbo tenerlos en mi obra.

Foto por Mia Ferrari

Tenés un tema que lo haces con todas mujeres, ¿qué encontrás de diferencial en trabajar con mujeres músicas?

Me encanta la energía femenina. Me siento muy en sintonía, en general, me gusta la suavidad y me gusta la fuerza desde ahí. Me parece que la sensibilidad la entiendo perfecto por ser mujer y es otra vibra. Cada una es distinta, obvio, y no es lo mismo trabajar con una que con otra.

¿Cómo surgió?

Grabé “Melodía de extrañar” con Santiago Motorizado que es un hombre super masculino en apariencia pero tiene un costado super femenino y sensible que me cautiva. Y después se dio que vino Dante Spinetta a tocar la guitarra y estaba trabajando con Tweety y otro productor amigo. De repente me encontré rodeada de tipos y para el tema siguiente pensé que seria divertido hacerlo solo con mujeres y tener un coro de voces femeninas. También para crear alianzas y darme el lujo de cantar con ellas que son todas talentosísimas.

Hablando de Suavidad, contanos de tus covers de Suave y No podrás

¡Me parecen temas geniales! Obras maestras del pop. Yo no tengo ningún tipo de prejuicio y esas por alguna razón todos las sabemos y esos estribillos duelen un poco de lo hermosos que son. Suave me invitaron para un disco de covers de Luis Miguel, elegí ese y fui a Chile a grabarlo, fue increíble trabajarlo y super interesante la experiencia.

¿Vas a hacer más?

Me gustaría sacar un EP de covers, tengo algo en mente.

También hay algo poético en tus letras, ¿te gusta la poesía?

Si, me gusta mucho la poesía. Mas que nada las letras vienen de momentos muy genuinos, de tratar de sacarme de encima algo que me está pasando. Me ha pasado de estar soñando, despertarme y escribir una canción de principio a fin y como que esos momento suelen estar relacionados con penas de amor, he sufrido mucho por amor. Ahora siento que puedo componer desde otro lugar, no necesariamente atravesando el sentimiento, sino recordándolo.

¿Y cuáles crees que fueron tus grandes referentes musicales?

El artista que me despertó la primer gran pasión de mi vida fue Michael Jackson. Acabo de terminar de ver el documental y me quiero morir. Atravesé un fanatismo extremo, discos, posters, pero la verdad que más allá de la pedofilia que claramente no comparto ha sido una gran influencia. Yo no había creído nunca esto de él hasta ahora y estoy desencantada, pero salvo la música. También tuve mi etapa de artistas femeninas que me atraparon mucho como PJ Harvey, Bjork…

¿Algún músico británico que te haya inspirado?

Inglaterra es una meca musical, fuente inagotable de inspiración y talento. Radiohead, The XX y muchísimas más. Consumí mucha música británica, cuando conocí Oasis los escuchaba muchísimo, nunca fui fan de ellos porque no conecto con sus personalidades pero destaco mucho las composiciones de Noel Gallagher . Fui muy fan de Elástica, me sé todos los temas de todo lo que hicieron, les produjo un disco Damon Albarn que me parece otro increíble músico, super creativo que está en todos proyectos interesantes. Bueno, ¡Bowie! Inglaterra es interminable.

Te vas finalmente a vivir a Barcelona… 

¡Ya! Necesito remover todo, quiero nueva inspiración, quiero conocer artistas nuevos. La ciudad me encantó, tiene una escena cultural muy buena y espacios para generar nuevos. Quiero tocar por toda España, quiero vivir cerca del mar, quiero viajar por Europa y ampliar un poco. En Argentina pasan cosas interesantes pero en algunas cosas me choco con el techo y no quiero que detenga mis ganas de crecer. Amo este país, tengo mis afectos, pero me voy a aventurar un poco.

¿y tenés ganas de llegar a UK?

Si, hace poco estuve ahí con Benito, caminamos, fuimos a ver Arca y vimos lugares alucinantes. De chica también fui a estudiar allá, me quedó una sensación hermosa y espero volver pronto. Quizás nos cruzamos en el Ultrabrit Tour.

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Juana La Loca se reinventa y presenta nuevo disco

La historia de Juana La Loca sigue sumando nuevos capítulos. En esta entrevista con Rodrigo Martin y Diego Vieites te contamos lo que se viene.

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Durante el año pasado Juana La Loca celebró sus 30 años, giró por varias provincias y representó en vivo toda su discografía de la banda en cuatro shows memorables en Lucille. Como si eso fuera poco, sus integrantes comenzaron la filmación de un documental, grabaron su nuevo disco y preparan otro en vivo. Además, por primera vez en 25 años volvieron a estar sobre el escenario los tres miembros fundadores de la banda, Rodrigo Martin (voz), Aitor Graña (batería) y Roberto Pasquale (guitarra). La banda se completa con Diego Vieites (guitarra y coros), Javier Lopez (teclados y programaciones) y Andy García (bajo). El sábado 13 de abril a la medianoche en La Tangente la banda de Temperley presentará Resplandece, su nuevo trabajo discográfico.

 

Se viene la presentación de Resplandece. ¿Cómo se prepara la banda para este show tan especial?

 

Rodrigo Martin: Ensayando mucho, sacando versiones de los temas y agregando temas clásicos de la banda.

 

¿Cómo está la energía del grupo para esta fecha que será histórica?

 

Diego Vieites: Bien, bien. Con muchas ganas. Sobre todo de consolidar el trabajo que se hizo el año pasado, donde además de grabar el disco celebramos los 30 años de Juana La Loca.

 

El año pasado giraron por varias provincias, tocaron mucho en el conurbano y representaron toda la discografía de la banda en vivo. ¿Cuál es el saldo positivo de todo eso, el mejor recuerdo?

 

R.M.: El ciclo que hicimos de los cuatro shows en Lucille.

 

D.V.: Sí, el ciclo que hicimos el año pasado en el que se representó toda la discografía de la banda en cuatro shows. Creo que eso fue como… no sé si lo más importante, pero sí lo más simbólico que hicimos el año pasado en cuanto a este relanzamiento de Juana La Loca.

 

¿Y con el público en el interior cómo les fue?

 

R.M.: Bien, muy bien. Y en el conurbano también. Córdoba, por ejemplo, es una plaza fuerte para nosotros.

 

En los shows de Juana siempre hay un fervor importante, un vínculo muy lindo de la banda con el público “juanero”. ¿Cómo lo viven ustedes?

 

R.M.: ¡Muy bien! Eso viene desde siempre, sí.

 

D.V.: Sí, yo creo que Juana desde sus comienzos siempre tuvo un feedback muy especial con la gente. De hecho creo que en los shows hay una comunión tal que llega un punto en que esa división artista-público se fusiona, no?

 

R.M.: Claro.

 

D.V.: Eso lo hace todo muy especial.

 

Para quienes todavía no escucharon Resplandece, ¿qué creen que les pasará cuando lo disfruten por primera vez?

 

R.M.: Se van a sorprender. Es como un cóctel entre Electronauta, Belleza y Vida Modelo.

 

Lo mejor de Juana y en un sólo disco. Y encima nuevo.

 

R.M.: Claro, a estrenar.

 

¿Cómo es ser un clásico y ser novedoso al mismo tiempo?

 

R.M.: Y bueno, es que prefiero reinventarme a reiterarme.

 

El 13 de abril en La Tangente, ¿con qué se va a encontrar el público?

 

D.V.: Se van a encontrar con Juana La Loca en todo su esplendor, básicamente. Estamos con muchas ganas de presentar este disco nuevo, es el puntapié inicial de una nueva etapa de la banda. Y siempre hay algunas sorpresas preparadas para una presentación así. Temas que estaban guardados, diferentes versiones de las canciones. Estamos trabajando para que la presentación tenga el marco adecuado al disco.

 

Por último, luego de presentar Resplandece, ¿cómo sigue el 2019 para Juana La Loca?

 

D.V.: Vamos a hacer otra gira por el conurbano. Vamos a ir a lugares que el año pasado no fuimos. Y estamos trabajando en un disco en vivo. El primer disco en vivo completo en la carrera de Juana. Y el documental, que lo venimos trabajando desde el año pasado y nuestro deseo es que salga este año. Hay muchos proyectos y ganas.

 

 

 

 

 

 

 

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1915 se prepara para Lollapalooza: “Vamos a montar el show más grande en la carrera de la banda”

A días del gran festival, hablamos con la joven banda que se encuentra en el momento más alto de su carrera.

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1915 es el año de la primera edición de La Metamorfosis, de Kafka. 19:15 solía ser el horario de los ensayos de esta banda del conurbano norte. Cruz Hunkeler (20, guitarra y voz) y Federico Penzotti (21, teclados) se conocieron en el colegio en 2013. Ahí nació el germen de lo que sería 1915 poco después.

La banda se completa con Alejo Freixas en bajo y Jeremías Alegre en batería. En los shows los suele acompañar Gonzalo Casalinuovo en guitarra. En 2016 editaron Dual, su disco debut que los acercó más al rock progresivo, o como ellos preferían llamarlo: rock metamórfico. 1915 reúne calidad musical, creatividad, baile, compromiso con el mensaje, crítica social y más. En sus nuevas canciones encontramos un sonido fresco, pop, groovero, funk, los vientos de Morbo y Mambo y una invitación al disfrute pero también al pensamiento. Bandera es el título de su nuevo disco y Dame Una Bandera es el nombre de una de las canciones.

 

¿Por qué ese título y por qué esa letra?

Penzo: Dame Una Bandera es el tema que da más identidad al disco. Más que nada porque en este segundo disco somos más conscientes de lo que estamos viviendo. Tomamos cierta postura y nos hacemos valer por dónde estamos parados, cosa que quizás antes no.

Cruz: Sí, es eso. Justamente abanderarnos. Y también viene de darnos cuenta o empezar a tener noción del lugar que debe tener un músico para nosotros en la actualidad y desde siempre. El rol de un artista hoy en día. Ser impulsores de algo que tiene un significado, que tiene un mensaje y que tiene un objetivo. Y creo que ese mensaje es importante comunicarlo de una forma que nos parezca que está buena, que nos divierte, que te haga mover el cuerpo. Que te den ganas de bailar no es algo que le quite valor a lo otro.

En los recitales se ve más unión que nunca, suelen verse músicos de otras bandas apoyando o colaborando en algún tema, ¿existe esa comunión o es una sensación que uno tiene?

Cruz: La verdad que la movida argentina está muy a flor de piel. Cada vez hay más bandas y de una calidad tremenda. Y por suerte se federaliza cada vez más, hay más conexión entre los músicos. Ya no hay nichos, o los hay, pero no son lo más importante. El versus es algo de antes. Onda si te gustan los Redondos no escuchás Soda, eso no va más. También con el surgimiento de internet se da que bandas que antes no tenían acceso a sacar un disco y tener un movimiento propio ahora sí lo tienen. Entonces se terminan uniendo todas esas personas y se termina formando algo más colectivo.

 

Penzo: Todo el tiempo hay muy buena onda. Y, además, hay un circuito de músicos que laburan mucho. Por ejemplo Guille Salort que es un baterista que produjo nuestro disco. Él grabó este año con Conociendo Rusia, con Marilina Bertoldi, con Chita, con Ca7riel y toca con Emmanuel Horvilleur. Eso también es parte de la unión que se genera entre las bandas. Porque hay buena onda de todos lados, te cruzás con gente conocida que grabó en tal disco, lo llamás para laburar con vos, etc. Hay una unión re zarpada.

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¿Cómo ven hoy el lugar de las mujeres en la música, la lucha por el cupo para festivales, la colaboración de artistas femeninas en la banda?

Cruz: Primero que nada, nombrar a las mujeres que tuvieron participación en el disco: Feli Colina hizo unos coros en Prisma y en Dame Una Bandera. Una genia, la verdad, muy buena onda, muy talentosa. Y Lucila Taba que hizo la tapa, de los temas Policía, Prisma y la del disco. También hace visuales para el vivo. Creo que es importante velar porque cada vez más mujeres pisen los escenarios. Incluir a las mujeres en un ambiente que muchas veces puede ser muy machista. Salen estadísticas todo el tiempo de los festivales en los que el 97% de los artistas son hombres. También el lenguaje inclusivo es algo con lo que hay que estar muy atento y cambiar la forma de hablar. Porque el lenguaje codifica lo que uno piensa, aunque uno no lo crea. La forma en la que uno habla denota una ideología.

 

Penzo: Yo estoy totalmente orgulloso de la etapa que estamos viviendo. Y ni hablar que nuestro primer objetivo y tarea es rever todos los conceptos con los que uno fue criado y ver realmente qué cosas no están bien. Entonces todo el tiempo uno está pensando “che, lo que hice no estuvo tan bien. Debería cambiar tal cosa o tal otra”. Eso para mí es lo más importante

 

Cruz: Es algo que hablamos bastante en el grupo. Porque hay veces que bandas de hombres se abusan del poder que te da estar en una banda. Porque es una situación de poder. Creo que es importante prestarle mucha atención a eso. Nosotros somos cuatro miembros fundadores y es muy difícil cambiar la formación. Pero siempre sumamos mujeres en diferentes roles de laburo. Ya sea para el diseño, la realización de videos, invitadas en vivo, instrumentistas, etc.

 

Este año 1915 se presentará por primera vez en el Lollapalooza, ¿cómo viven este momento?

Cruz: La verdad es que es un gran logro para nosotros llegar a un festival de esa magnitud con una exposición y calidad de artistas tan grande. También es un desafío porque para Lollapalooza vamos a montar el show más grande en la carrera de la banda y eso conlleva mucho esfuerzo y todo un laburo que, obviamente, hacemos con mucho gusto.

 

La entrevista se realizó en conjunto con el programa La Vecindad de RondaMonk (Radio Monk).

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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