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#EspecialLollapalooza: Alex Anwandter, la profundidad de la diversión

El gran exponente del pop chileno nos visitará para la primera jornada del Lollapalooza.

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Pasaron muchos años desde que algunos exponentes del pop decidieron unir sus melodías y ritmos con temáticas de corte social y político. Uno de los casos más paradigmáticos es el de Pet Shop Boys que desde hace más de 30 años fueron focalizando sobre distintas temáticas que atravesaron lo social, desde la crítica a la Inglaterra de Thatcher a la estigmatización de las minorías en el mundo del trabajo, pasando por la crisis del sida y la celebración del amor sin distinguir identidades de género.

En Latinoamérica tenemos el caso de Virus en los 80 con un sonido y propuesta estética adelantados a su tiempo. Desde estos antecedentes se puede leer la obra de Alex Anwandter que tiene el refinamiento de sonido y la inteligencia lírica del dúo inglés con una impronta latina que lo acerca a la búsqueda de la banda de los hermanos Moura.

Comenzó su carrera musical con la banda Teleradio Donoso con la que grabó un EP y dos discos, Gran Santiago y Bailar y Llorar. Era una banda indie de guitarras que le fue incorporando elementos pop y que tuvo un gran reconocimiento en Chile hasta su separación en 2009.

Su primer proyecto solista fue Odisea con el que editó un disco en 2010 antes de lanzarse con su propio nombre. Este disco, también titulado Odisea y mucho más electropop que su ex banda, es un paso intermedio que lleva a su establecimiento como solista. De este trabajo se destacan los cortes “Cabros” y “Casa Latina”.

Su primer disco como Alex Anwandter, Rebeldes (2011), lo ubica como un autor de electro o synth pop fino, elegante, con letras cargadas de contenido social y existencial. Luego de este trabajo, Anwandter graba un disco en colaboración con el también chileno Gepe que titulan Alex y Daniel. Otros artistas con los que ha colaborado son Javiera Mena, Ruzzi, Julieta Venegas y Miranda!

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Hay en su obra temáticas recurrentes desde la época de Teleradio Donoso que van evolucionando o cambiando de forma desde una perspectiva más amorosa o de relaciones a algo más político como las ideas de fin del mundo, el trabajo y la más clara es la idea de haber sido feliz que pasa de un lugar personal es sus primeros trabajos y en “Locura” (primer simple de su último disco) pasa al cinismo de “no te metas (en política, en intentar salvar al mundo)”

Es Amiga (2016) el trabajo que lo consagró en cuanto a premios y masividad. Es un disco que te invita a bailar mientras habla de corazones que se rompen, la opresión del mundo laboral, el desengaño de las promesas de los políticos y una buena y consciente dosis de feminismo. Algunos ejemplos: “Manifiesto” es una declaración de principios que recuerda al poema del mismo nombre del escritor chileno Pedro Lemebel. En “Cordillera” le pregunta a la cadena montañosa sobre la libertad y los “políticos que le mienten a la gente”. Y “Mujer” habla del consentimiento justo cuando el tema ingresa en la agenda pública a partir de los reclamos de colectivos como Ni Una Menos y la visibilización de los casos de abusos en el rock.

 

Anwandter viene al Lollapalooza a presentar su último disco, Latinoamericana, que fue lanzado en octubre de 2018. En este tercer trabajo mantiene su línea de pop de temática política y social pero con letras menos explícitas aunque claras. También incorpora covers en portugués:  “Um Girassol da Cor de Seu Cabelo” (Milton Nascimento) y “Olha María” (Chico Buarque). Según sus declaraciones, son canciones que escuchaba en su casa de niño y le sirvieron para incluir a Brasil y su lengua en un disco que intenta dar cuenta de un continente, su historia de colonia (“Malinche” y la canción que le da nombre al álbum) y un presente amenazado por el fascismo (“Canción del muro”). El feminismo y la reivindicación de la comunidad LGBTI es más sutil que en trabajos anteriores pero es claro en canciones como “Axis Mundi” que contiene los versos “porque el mundo siempre mira mal a quién no evita ser distinto”.

Además de su carrera musical, Anwandter desarrolla en paralelo su actividad como cineasta. En 2014 estrenó “Nunca estarás solo” que recibió premios en los festivales internacionales de cine de Guadalajara y Berlín. La película hace foco sobre la discriminación que sufren las personas de la comunidad LGBTI y el punto de partida fue el nombrado caso Zamudio ocurrido en Chile en 2012. Se trató del asesinato de Daniel Zamudio por parte de un grupo neonazi. La victima era fan de Anwandter y él se vio en la necesidad de hacer algo sobre esta problemática y tuvo la idea de la película. En la actualidad, según sus declaraciones, se encuentra trabajando en un nuevo film. Además, dirigió varios de sus videoclips. Locura, el primer corte del disco, es un ejemplo del posicionamiento político de la cultura queer o gay de preferir el femenino para denominar(se) “me siento tan loca”, dice el protagonista al que se ve pasar de un baile en tacos a manejar un vehículo con un rifle en una mano y un lápiz de labios en la otra.

Otra faceta en su carrera es la de productor musical, de sus trabajos más destacados está el disco de Francisco Victoria editado el año pasado y sus propios discos como solista.

El pop de Alex Anwandter es una de las grandes propuestas de la edición del Lollapalooza que tenemos por delante (el viernes 29), además, se anunció un show en la Ciudad de Córdoba, el 31 de marzo en Studio Theatre. Dos citas imperdibles para reencontrarse o conocer la propuesta de uno de los solistas chilenos más interesantes de su generación.

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The Magic Gang, magos de la música

La nueva banda geek de Reino Unido.

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Con el paso del tiempo, las bandas de rock no supieron más que generar una cantidad inmensa de subgéneros. La mezcla entre alegres melodías y letras sobre jóvenes con el corazón roto cantadas a coro, no son algo nuevo. Con los Beatles y los Beach Boys como punto de partida, muchos grupos musicales actuales se inspiraron para crear sonidos que hoy en dia se encasillan en el bien llamado “geek” rock.

Provenientes de Bournemouth, Inglaterra, The Magic Gang es un cuarteto de veinteañeros establecido en la ciudad de Brighton. Influenciados por la banda de rock nerd americana, Weezer, los jóvenes Angus Taylor (bajo, voz), Kristian Smith (guitarra, voz), Paeris Giles (batería) y Jack Kaye (guitarra, voz) supieron crear un sonido menos pesado y más británico de la misma, logrando así algo totalmente nuevo.

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En temas como “Take Care” es imposible no pensar en su semejanza con los Beach Boys, es más, hasta tienen un photoshoot copiando su famosa foto con la tabla de surf. Pero luego llegan las enérgicas guitarras y constantes coros de canciones como “How Can I Compete” y el álbum azul de Weezer (1994) queda en evidencia como el disco inspirador. Al igual que sucede al ver a los integrantes de esta última banda, con su aspecto “looser”, The Magic Gang parecen unos buenos para nada, aunque al darles play lo único que hacen es demostrar lo contrario.

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Después de un tiempo tocando en fiestas de amigos, comenzaron a tocar en bares y para 2015, finalmente lanzaron su prometedor single debut “No fun/Allright”. Desde ese momento todo fue cuesta arriba, aunque los integrantes de la banda siempre tuvieron muy en claro no querer convertirse en una típica banda de rock. Los años siguientes estuvieron llenos de logros, entre singles y sus tres primeros EP’s, firmaron con Warner Brothers y lograron tener un espacio regularmente en Radio 1. Para 2018, después de un intenso año en Oxfordshire trabajando con el productor musical Jolyon Thomas (U2, Royal Blood), lanzan su primer disco “The Magic Gang”.

Su disco es todo lo que estuvieron sembrando desde sus inicios, una melodía refrescante y positiva que sabe sacarte más de una sonrisa con solo escucharla un rato. Desde el primer single, no hay canción que no trate sobre una chica, el amor, o mejor dicho el amor fallido. Esa miseria, es el eje de prácticamente todas sus letras. Usando un poco de su magia, The Magic Gang no solo logra reformular sonidos ya escuchados, si no también convertir temáticas que podrían ser un bajón, en algo feliz y esperanzador.

 

 

 

 

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El misterioso artista británico que inspiró al rock

¿Qué tienen en común Graham Coxon, Kurt Cobain, Jack White, Beck, PJ Harvey, Kylie Minogue y REM? La admiración por el artista inglés de culto Billy Childish.

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En el año 2002, los White Stripes fueron invitados al programa norteamericano Top of the Pops. La banda propuso invitar a un oscuro artista inglés para que pintase en vivo sobre el escenario mientras ellos tocaban su reciente hit “Fell In Love With A Girl”. Los productores del programa se rehusaron y Jack White apareció frente a las cámaras con un nombre escrito en su antebrazo: “B CHILDISH”. El pequeño escándalo no le llamó a la atención a Billy Childish, un polifacético autor anglosajón, que se mostró poco interesado en el dúo de garage rock de Detroit.

Años más tarde, Childish los criticaría abiertamente, refiriéndose a Jack White como un fiasco que intentaba ser un “pop star” en vez de preocuparse por hacer música. Los White Stripes respondieron a través de su sitio web, acusando a Childish de plagiarlos. Billy Childish respondió con una carta abierta, acusándolo a Jack White de estar “celoso” y resentido por la falta de reciprocidad de Childish frente a su admiración por él.

Este incidente fue el último en una larga serie de roces entre Childish y el mundo del espectáculo. A lo largo de su carrera, que comenzó a principios de los años ochenta, diversas estrellas pop-rock han expresado su admiración por Billy y él se ha encargado de ignorarlos (y de vez en cuando, ofenderlos) a todos: Kurt Cobain, Kylie Minogue, los miembros de Fugazi y REM, Beck, Polly Harvey, entre otros, han señalado al artista de Chatham por su influyente obra. El único que fue medianamente exitoso en conseguir su atención fue Graham Coxon: publicó dos LPs de The Buff Meadways (una de las muchas bandas que formó Childish) a través de su sello discográfico Transcopic, logró tocar en vivo con la banda para un registro de la canción “Dawn Said” en el disco en vivo “The Xfm Sessions” (2003). Según cuenta Childish, Graham Coxon le pidió perdón al artista por “estar en una banda comercial.

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En los últimos 40 años, Billy Childish ha lanzado más de 100 longplays, participando en 15 bandas diferentes, así como ha escrito numerosas e inconseguibles fanzines de circulación underground, varias decenas de libros de poesía y siete novelas. Su trabajo es mayoritariamente autobiográfico, destacando su difícil relación con su padre (que fue preso por narcotráfico) y el abuso sexual que sufrió en su infancia por parte de un amigo de su familia. Childish también ha traducido libros del controvertido escritor francés Louis-Ferdinand Céline al inglés y es propietario de Hangman Books y Hangman Records, a través de los cuales publica sus obras y también edita a numerosos escritores y músicos locales de Chatham, la ciudad de Kent (Inglaterra) donde ha pasado toda su vida.

Childish no terminó el colegio secundario y es disléxico, un rasgo de su personalidad que deja notar en sus escritos, plagados de incorrecciones ortográficas y gramaticales. Trabajó un tiempo como albañil y, según cuenta la leyenda, un día decidió golpearse la mano contra un martillo al grito de “¡Nunca volveré a trabajar!”. Desde entonces, Childish se dedicó a cultivar su carrera como artista, implicándose en todos los rubros posibles. Ingresó a la Saint Martin’s School of Art pero fue expulsado por mal comportamiento (según él, fue expulsado por ser un inglés vulgar sin educación de elite).  Sus primeros roces con el mainstream fueron a través de su prolongada relación con la artista Tracey Emin, con quien mantuvo una serie de diferencias artísticas que lo llevaron a fundar el movimiento “stuckista” (Stuckism) del cual formaría parte por un par de años para luego alejarse por diferencias filosóficas con el resto de sus miembros. El lema que Childish concibió para los stuckistas era: “Los artistas que no pintan no son artistas”. El objetivo: abandonar el arte conceptual de los Young British Artists e iniciar una etapa de “remodernismo” que insertase valores espirituales perdidos en el arte. La filosofía artística de Childish puede resumirse en un individualismo voluntarista propio del liberalismo del Siglo XIX, con un fuerte optimismo (exagerado para sus pares) a la hora de pensar las capacidades creativas y emancipadoras del individuo humano.

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Esta postura anti-posmoderna, sumada a cierta misoginia en sus escritos y canciones y la actitud “anti-comercial” han convertido a Billy Childish en una figura incomoda que al mismo tiempo despierta una persistente fascinación en jóvenes artistas anglosajones. Su primer novela autobiográfica (My Fault, 1996) es su obra más sencilla de conseguir, aunque no ha sido traducida al español (únicamente se ha editado una versión de “Cuadernos de una juventud al desnudo”, su segunda novela). En ella, Childish relata crudamente su difícil infancia, con una escritura de rasgos beat e influencias de Céline y Dostoievsky.

Childish es un hombre perdido en el tiempo. No es un hipster ni un ludista, pero tampoco está particularmente interesado en abrazar al siglo XXI. Su obra y figura son una invitación abierta al descubrimiento. La dificultad de encontrarlo, a pesar de que buena parte de su discografía está disponible en Spotify, es tan solo el rasgo que lo hace más interesante de investigar.

Billy lleva años, según se dice, escuchando únicamente música de meditación. Se enamoró del punk-rock a través de los Sex Pistols, The Clash y The Jam. Fue seducido por el blues y el rockabilly, y con el tiempo se ha alejado de los escenarios porque le molesta la “creciente separación entre el público y los artistas” así como los sistemas de sonido contemporáneos.

Billy Childish es un artista profundamente inglés, aunque quizás esté fuera de lugar en la Inglaterra de este milenio. Los rockstars que lo admiran, y la gigantesca máquina mediática montada en torno a ellos, parecen preocupados y obsesionados por esta situación. Él no se da por aludido.

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Las bandas más relevantes del rock argentino de los primeros años ’70

En el marco de un contexto histórico represivo y violento, bandas como Pescado Rabioso , Sui Generis, Aquelarre, Calor Humano, Tótem, La Cofradía de la Flor Solar y Orion’s Bethoveen, protagonizaron la resistencia del rock argentino y marcaron a toda una generación. (Parte I)

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A finales de los ’60, la cultura rock argentina comenzaba a consolidarse entre los jóvenes. Cantar en castellano, usar el pelo largo y denunciar el ethos burgués, basado en el consumismo y asociado a los adultos, fueron sus marcas distintivas.

Con la separación de Almendra, Los Gatos y Manal -las tres bandas más destacadas de la primera etapa- se abrió un nuevo ciclo en el cual el rock argentino atravesó una serie de cambios estéticos que, al calor de las transformaciones ocurridas a nivel mundial, se acercaron a otros géneros de la música popular, como el jazz y el folklore, y en otros casos, se endurecieron y volvieron más pesados.

A continuación presentamos la primera parte de un repaso por las principales bandas que se fueron gestando bajo un clima represivo y violento, en el cual irrumpieron las organizaciones armadas -como ERP y Montoneros- como respuesta a un sistema político autoritario, encarnado en una dictadura que se extendió hasta 1973. Luego de un breve período democrático, con la muerte del presidente Juan Domingo Perón, el espiral de violencia va a encontrar su parangón en 1976.

Pescado Rabioso

Tras la separación de Almendra en 1970, Luis Alberto Spinetta fundó Pescado Rabioso, acompañado por el baterista Black Amaya y el bajista Bocón Frascino. El sonido se inclinó hacia el hard rock y el blues, y grabaron tres discos de estudio. El trío se transformó, posteriormente, en cuarteto con la incorporación del teclista Carlos Cutaia, y David Lebón sustituyó a Frascino. El famoso álbum Artaud, de 1973, fue lanzado bajo el nombre de Pescado Rabioso aunque se trató de un trabajo solista de Spinetta ya que, para entonces, el grupo ya se había disuelto.

Aquelarre

Otros dos ex Almendra, Rodolfo García (batería y voz) y Emilio del Guercio (bajo y voz), conformaron Aquelarre junto a Hugo González Neira en teclados y voz, y Héctor Starc en guitarra y voz, en 1971. Durante aquellos años, editaron cuatro discos, en los cuales se puede apreciar un poderoso rock que surcaba los aires de blues, con riffs estridentes y pasajes experimentales. Luego de una gira por España en 1975, la banda se despidió en el Luna Park en 1977.

Color Humano

El guitarrista Edelmiro Molinari, el otro ex Almendra, fundó el trío Color Humano a finales de 1971. La primera formación contaba con Rinaldo Rafanelli en bajo y David Lebón en batería. Con la partida de este último hacia Pescado Rabioso, en 1972, el baterista Oscar Moro ingresó en su reemplazo. Si bien es cierto que navegaron por los mares del hard rock y el blues, el sonido de Color Humano se distingue por ser de carácter más progresivo y experimental. Hasta su disolución, en 1975, la banda editó tres discos de estudio.

Sui Generis

El dúo formado por Charly García (piano, guitarra acústica y voz) y Nito Mestre (flauta, guitarra acústica y voz) tuvo su origen en 1969. A pesar de haber contado con músicos de la escena del momento que los acompañaron en vivo y en las grabaciones, fue esa formación esencial la que determinó el estilo de sus composiciones. Editaron tres discos de estudio más el famoso recital en vivo, Adiós Sui Generis (en tres volúmenes), grabado en el Luna Park en 1975. A diferencia de muchas bandas de la época, Sui Generis tenía una estética más suave y delicada.

La Cofradía de la Flor Solar

La Cofradía de la Flor Solar fue tanto una comunidad de artesanos hippies de La Plata como un conjunto de rock psicodélico formado por los mismos integrantes. Estuvieron activos a fines de los ’60 y principios de los ’70; sin embargo, el desgaste de la vida comunitaria y el aumento de la represión provocó su disolución en 1971. Su importancia radica en que, en los años posteriores, sus ex miembros pasaron a engrosar filas de destacados conjuntos La Pesada del Rock and Roll, Punch y, fundamentalmente, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

Tótem


Totem fue, en rigor, una banda uruguaya que existió a comienzos de la década, pero tuvo una influencia significativa en el circuito porteño. Muchos críticos se refieren a su música como un candombe-beat (una mezcla de ritmos originarios del candombe con música pop y rock).​ El grupo estaba conformado inicialmente por Rubén Rada, Eduardo Useta, Enrique Rey, Mario Chichito Cabral, Roberto Galletti y Daniel Lobito Lagarde. En sus tres años de duración, editaron tres discos de estudio y buena cantidad de simples.

Orion’s Bethoveen


Oriundos de Villa Bosch, Orion’s Beethoven se formó en 1969 y comenzó con sus primeros conciertos al año siguiente. Fue una de las primeras bandas argentinas en intentar fusionar el rock con elementos de la música clásica. Bajo ese nombre y formación editaron dos discos, en 1973 y 1977. Posteriormente, tras algunos cambios, se inclinaron finalmente más hacia el hard rock, dejando de lado el virtuosismo de los años ‘70 y rebautizándose simplemente como Orions.​

 

 

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