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#EspecialLollapalooza: Alex Anwandter, la profundidad de la diversión

El gran exponente del pop chileno nos visitará para la primera jornada del Lollapalooza.

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Pasaron muchos años desde que algunos exponentes del pop decidieron unir sus melodías y ritmos con temáticas de corte social y político. Uno de los casos más paradigmáticos es el de Pet Shop Boys que desde hace más de 30 años fueron focalizando sobre distintas temáticas que atravesaron lo social, desde la crítica a la Inglaterra de Thatcher a la estigmatización de las minorías en el mundo del trabajo, pasando por la crisis del sida y la celebración del amor sin distinguir identidades de género.

En Latinoamérica tenemos el caso de Virus en los 80 con un sonido y propuesta estética adelantados a su tiempo. Desde estos antecedentes se puede leer la obra de Alex Anwandter que tiene el refinamiento de sonido y la inteligencia lírica del dúo inglés con una impronta latina que lo acerca a la búsqueda de la banda de los hermanos Moura.

Comenzó su carrera musical con la banda Teleradio Donoso con la que grabó un EP y dos discos, Gran Santiago y Bailar y Llorar. Era una banda indie de guitarras que le fue incorporando elementos pop y que tuvo un gran reconocimiento en Chile hasta su separación en 2009.

Su primer proyecto solista fue Odisea con el que editó un disco en 2010 antes de lanzarse con su propio nombre. Este disco, también titulado Odisea y mucho más electropop que su ex banda, es un paso intermedio que lleva a su establecimiento como solista. De este trabajo se destacan los cortes “Cabros” y “Casa Latina”.

Su primer disco como Alex Anwandter, Rebeldes (2011), lo ubica como un autor de electro o synth pop fino, elegante, con letras cargadas de contenido social y existencial. Luego de este trabajo, Anwandter graba un disco en colaboración con el también chileno Gepe que titulan Alex y Daniel. Otros artistas con los que ha colaborado son Javiera Mena, Ruzzi, Julieta Venegas y Miranda!

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Hay en su obra temáticas recurrentes desde la época de Teleradio Donoso que van evolucionando o cambiando de forma desde una perspectiva más amorosa o de relaciones a algo más político como las ideas de fin del mundo, el trabajo y la más clara es la idea de haber sido feliz que pasa de un lugar personal es sus primeros trabajos y en “Locura” (primer simple de su último disco) pasa al cinismo de “no te metas (en política, en intentar salvar al mundo)”

Es Amiga (2016) el trabajo que lo consagró en cuanto a premios y masividad. Es un disco que te invita a bailar mientras habla de corazones que se rompen, la opresión del mundo laboral, el desengaño de las promesas de los políticos y una buena y consciente dosis de feminismo. Algunos ejemplos: “Manifiesto” es una declaración de principios que recuerda al poema del mismo nombre del escritor chileno Pedro Lemebel. En “Cordillera” le pregunta a la cadena montañosa sobre la libertad y los “políticos que le mienten a la gente”. Y “Mujer” habla del consentimiento justo cuando el tema ingresa en la agenda pública a partir de los reclamos de colectivos como Ni Una Menos y la visibilización de los casos de abusos en el rock.

 

Anwandter viene al Lollapalooza a presentar su último disco, Latinoamericana, que fue lanzado en octubre de 2018. En este tercer trabajo mantiene su línea de pop de temática política y social pero con letras menos explícitas aunque claras. También incorpora covers en portugués:  “Um Girassol da Cor de Seu Cabelo” (Milton Nascimento) y “Olha María” (Chico Buarque). Según sus declaraciones, son canciones que escuchaba en su casa de niño y le sirvieron para incluir a Brasil y su lengua en un disco que intenta dar cuenta de un continente, su historia de colonia (“Malinche” y la canción que le da nombre al álbum) y un presente amenazado por el fascismo (“Canción del muro”). El feminismo y la reivindicación de la comunidad LGBTI es más sutil que en trabajos anteriores pero es claro en canciones como “Axis Mundi” que contiene los versos “porque el mundo siempre mira mal a quién no evita ser distinto”.

Además de su carrera musical, Anwandter desarrolla en paralelo su actividad como cineasta. En 2014 estrenó “Nunca estarás solo” que recibió premios en los festivales internacionales de cine de Guadalajara y Berlín. La película hace foco sobre la discriminación que sufren las personas de la comunidad LGBTI y el punto de partida fue el nombrado caso Zamudio ocurrido en Chile en 2012. Se trató del asesinato de Daniel Zamudio por parte de un grupo neonazi. La victima era fan de Anwandter y él se vio en la necesidad de hacer algo sobre esta problemática y tuvo la idea de la película. En la actualidad, según sus declaraciones, se encuentra trabajando en un nuevo film. Además, dirigió varios de sus videoclips. Locura, el primer corte del disco, es un ejemplo del posicionamiento político de la cultura queer o gay de preferir el femenino para denominar(se) “me siento tan loca”, dice el protagonista al que se ve pasar de un baile en tacos a manejar un vehículo con un rifle en una mano y un lápiz de labios en la otra.

Otra faceta en su carrera es la de productor musical, de sus trabajos más destacados está el disco de Francisco Victoria editado el año pasado y sus propios discos como solista.

El pop de Alex Anwandter es una de las grandes propuestas de la edición del Lollapalooza que tenemos por delante (el viernes 29), además, se anunció un show en la Ciudad de Córdoba, el 31 de marzo en Studio Theatre. Dos citas imperdibles para reencontrarse o conocer la propuesta de uno de los solistas chilenos más interesantes de su generación.

Especiales

Paul Weller, el padre del movimiento Mod Británico

El multinstrumentista es el dueño del toque típico, mágico y necesario que define al Brit Pop con la crudeza estética y melodías suaves.

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Definido como padre del movimiento Mod y, técnicamente, como instrumentista, Paul Weller basa su estilo sonoro en guitarras de marcas y modelos cuidadosamente elegidos y absolutamente funcionales a lo que necesita para transmitir musicalmente, sea en estudio como en vivo. El uso de distintas marcas y modelos de guitarras no hace que el sonido de Weller se mueva fuera de una médula estética perfectamente definida, con cada cambio de guitarras dentro de un mismo show logra los matices de diferenciación necesarios o que mas bien se adapten a sus deseos sonoros pero conservando perfectamente una linea sonora acorde y aplastante.

Las elecciones de la guitarras siempre giran en instrumentos que poseen preponderancia sonora notoria en los rangos medios, lo que hace que lo que quiera transmitir Weller a los escuchas tenga una definición absolutamente clara y preponderante en la mezcla, logrando así que cada nota que conforma cada acorde sea definida en un todo e individualmente. Así es como desfilan guitarras de cajas sólidas, de semi caja, y acústicas afianzando la filosa artillería del repertorio.

Muchas canciones podrían considerarse un ejemplo de lo que sonoramente define a Weller. Su energía es trasladada a las cuerdas tocando con púa, o bien mediante el sonido de sus dedos aplicando rasguidos crudos pero envueltos en la calidez que el contacto humano imprime a su Fender Telecaster 1958 usada con cuerdas calibre 0,10, lo que le permite una acción cómoda pero a la vez bien definida en medios, y sobre todo en graves.

Y si hablamos de la elección de los instrumentos usados por el artista, es necesario aclarar también que completan el perfecto combo de sonido, sus amplificadores Marshall y en ocasiones los amplificadores Orange, debiendo destacar el uso de su Marshall 1987XPW-660-80 Paul Weller Signature, ampli que fue diseñado especialmente por Jim Marshall para su marca. Básicamente se trata de un Amplificador de 50 vatios obviamente valvular con Parlantes Green Back de 12, y dos canales de salida, un Super Leed 1987 y otro Super Bass 1986 con un sencillo ecualizador de solo tres bandas, no hace falta más.

También cabe destacar que el repertorio de Weller no solo se recuesta en la potencia y facilidad de escucha de un rock and Soul poderoso y visceral, si no que también Weller logra en formatos acústicos traducir esa misma potencia y calidez en set intimistas donde plasma la categoría de su arte con la misma convicción y resolución artística, esgrimiendo su guitarra acústica Gibson B-45 1964 de doce cuerdas o acústicas de distintas marcas clásicas de 6 cuerdas, tanto como también ejecutando en piano pianos acústicos, y el siempre increíble e inmortal Organo Hammond. Con respecto a su historia musical, finales de los años 70’s y luego de incursionar en bandas de estilo aficionado, Weller junto a Bruce Foxton y Rick Buckler invaden la escena con The Jam, un combo increíble que entremezclaba la potencia de punk y el glam enérgico y popero del estilo New Wave enarbolando la bandera izada en los 60 por el movimiento social y cultural Mod.

The Jam afirmo con categoría y música su posicionamiento en los charts haciendo que su éxito comercial se fundamente en canciones provistas de todos lo detalles necesarios para que sean consideradas un material musical absolutamente rico y perfectamente fundamentado, tanto en lo técnico como en lo artístico, cautivando a públicos y crítica, las letras certeras y muchas veces irónicas jugaban un también un papel fundamental en la banda. En el año 1983 y por el lapso de 6 años surge The Style Council, banda absolutamente purista en su conformación, ejecución y audio, que transitaba una mezcla de estilos mas refinados y menos crudo que The Jam, en The Style Council se fusionaban el Soul el pop, y el R & B de una manera dinámica, exquisita y arrolladora.

Con una producción de un álbum por año promedio, The style desarrolla una carrera preponderante mayormente en Inglaterra, incursionando en sus letras con un sentido comprometido con la política y la critica social, y enfrentados en ideas al accionar de Margaret Thatcher. En el año 1989 su sello discográfico decide no editar su noveno álbum, lo cual hace decidir a lo mentores de la banda su disolución. Tras la disolución de The Style Council en 1989, los 15 álbumes solistas de Weller son la clara muestra indicatoria de por qué él, junto a un grupo selectos de artistas, se encarna como un ícono fundamental en la música y la cultura Británica.

Por último, asumimos que con la llegada del álbum Sonik Kicks, y luego de haber adorado su seguidilla de álbumes rockeros y souleros crudos, se sintió la ausencia de las baterías de acordes de sus guitarras tan admirables, la experimentación con sintetizadores y la incorporación preponderante de la electrónica hizo de este álbum, un disco que calificaría de necesariamente experimental para el mismo Weller en su carrera.

Invitamos a que exploren la discografía solista de este gran artista al que le dedicamos el Ultrabrit Radio de la semana que podés escuchar acá.

 

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Especiales

Los 19 años de Parachutes: el sufrimiento volcado en hits inoxidables

Se cumple un nuevo aniversario del primer disco de Coldplay.

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Aquello que comenzó en 1996 como un proyecto musical encarado por cuatro estudiantes terminó dando como resultado el nacimiento de una de las bandas más importantes de los últimos tiempos. Y es que Chris Martin, Jon Buckland, Guy Berryman y Will Champion demostraron un talento innegable que, definitivamente, estaba destinado a traspasar los muros de la Universidad de Londres.

Así fue que hace casi dos décadas irrumpía en la escena musical británica Coldplay, agrupación que en sus inicios se caracterizó por una fuerte presencia de letras introspectivas y de melodías calmas para luego ir soltando su personalidad, aunque siempre manteniendo intacta a la sensibilidad como bandera. Su álbum debut, Parachutes, condensa la mezcla justa de melancolía y delicadeza, y funciona como una excelente carta de presentación que le permitió obtener el primer lugar en The Official UK Charts Company, ser galardonada con el Grammy al mejor álbum de música alternativa en 2002 y lograr el puesto número doce en la lista de los veinte discos más vendidos del siglo XXI en el Reino Unido.

Sus cuatro cortes de difusión impactaron con tanto vigor en la audiencia que aún hoy son identificados como sinónimo indiscutible de Coldplay. “Shiver” fue el primer sencillo que se publicó cuatro meses antes del lanzamiento del disco y que la banda ya había tocado en vivo el año anterior. La conjunción de un sonido agradable y de unos lyrics que exponen las dolencias de un corazón roto, hizo que fuera elegido por los fanáticos argentinos para ser interpretado en noviembre de 2017 en el Estadio Único de La Plata.

Yellow”, lanzada pocos días antes de que el LP saliera a la venta, se ha ganado el título de himno. Catalogada como una de las canciones románticas más memorables del nuevo milenio, basta con que suenen sus primeros acordes para asociarlos inmediatamente con la imagen de Chris Martin caminando abrigado sobre la orilla de una playa en pleno amanecer. En los recitales, el público la corea de principio a fin mientras juega con las enormes pelotas amarillas que rebotan sobre el campo.

Trouble” le permitió a Coldplay hacer de la destreza de Chris frente al piano, su marca registrada. El predominio de este instrumento en el tema le otorga un tono depresivo que acompaña perfectamente los sentimientos de culpa y de perdón presentes en la letra. Y si bien “Don’t Panic” no había sido seleccionada como corte, en marzo del año siguiente se editó en algunos países europeos. Al ser el track número uno del disco, anticipa el marcado estilo de las diez canciones que componen el setlist.

Estos jóvenes, que en ese entonces apenas superaban los veinte años de edad, supieron plasmar en “Parachutes” una profundidad notable. Esto logró convertir al álbum en una verdadera joya, despertando grandes expectativas sobre la banda. La tapa del disco es ilustrada por un globo terráqueo de color ámbar, el cual se destaca sobre el fondo negro. Quizás como forma de invocar un deseo o como presagio de un futuro prometedor, esta fotografía sería signo de los millones de admiradores que conquistaría Coldplay alrededor del mundo.

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Discos

Los Discos ocultos de The Beatles

La banda que posiblemente haya sido la más escuchada de la historia (recordemos: “más populares que Jesús”), tiene toda una discografía fuera de los álbumes oficiales ignorada por gran parte de la población.

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Algunas de estas canciones fueron recogidas por los mismos Beatles en su box set Anthology (1995/1996), pero aun así hay abundante archivo que no se encuentra en esos tres volúmenes. Por eso, es atractivo sumergirse en esa biblioteca audiovisual y al alcance de la mano que es aún Youtube, para encontrar muchos de estos trabajos.

Meet The Quarrymen!

La historia de los proto Beatles fue contada infinidad de veces, pero pocos saben cómo sonaban cuando agarraban sus instrumentos. Aquí tenemos la posibilidad de ahondar en las canciones precursoras de unos muy jóvenes John, Paul y George; cuando aún se reconocían con el nombre de The Quarrymen. Primeras experiencias donde ya se vislumbraba el elemento característico de la coordinación de armonías vocales, más un puñado de covers e influencias de músicos como Buddy Holly o Eddie Cochran. También encontramos composiciones propias como One After 909 o I’ll Follow The Sun, que luego grabarían en discos oficiales. La joyita es In Spite Of All The Danger que, lamentablemente, no recuperaron en los álbumes de estudio que grabaron en los ‘60. Recomendación: Escuchar con auriculares.

Decca Audition, January 1 1962

En revista Ultrabrit número 5, de septiembre de 2013, un fan de los Beatles detalló: “Al escuchar la grabación completa, se puede entender por qué los Beatles fueron rebotados por Decca: en ella se sienten los nervios en la voz de Paul en forma clara; la ironía ácida de John; una débil respuesta vocal y, por momentos, también en la guitarra de George. Además de lo aburrido y monótono que era Pete Best en la batería.” Este es el disco del famoso rechazo de la Decca Records a los Beatles. Probablemente su mayor error fue la variopinta lista de temas que les eligió su representante Brian Epstein, que iban desde una canción de Chuck Berry como Memphis, Tennesse hasta el bolero Bésame Mucho, pasando por algo cuasi humorístico como The Sheik Of Araby. Los productores no pudieron captar qué estilo tocaban y pasaron de ellos argumentando el poco futuro que veían en los “grupos de guitarras”. En este video de Youtube están las 10 canciones que no aparecen en las cinco que sí están en el Anthology 1.

Rehearsals At The Cavern Club, September-October 1962

Siempre es interesante escuchar cómo ensayan (o ensayaban) las bandas porque suelen aparecer versiones diferentes o alteradas de canciones conocidas, pifies e incluso se pueden oír intimidades en diálogos y bromas. En esta ocasión podemos asistir al templo de los primeros Beatles y escucharlos tanteando melodías de un repertorio que probarían en esa época. Tiempos donde Ringo Starr recién había ingresado a la banda, muy próximos a la edición de su primer simple Love Me do/P.S. I Love You. Las rarezas del ensayo son dos versiones de Catswalk: instrumental compuesto por Paul McCartney que luego, en 1967, la banda de jazz The Chris Barber Band grabaría de forma oficial con el nombre cambiado a Cat Call.

The Acoustic Submarine

Si bien este es un bootleg de dos discos que editó la disquera Teddy Bear en 1995, aquí en Youtube solamente existe esta versión reducida que incluye algunas de las canciones de dicho bootleg, más otros demos, sesiones u outtakes que el usuario les sumó. Vale la mención de que esta es una recopilación no muy definida en cuanto a períodos, porque van desde cintas de tiempos de Rubber Soul (1965) hasta sus grabaciones finales. Hay destacados como la curiosa zapada de Lennon entonando la canción I Lost My Little Girl (que data de 1956 y es la primera composición de Paul McCartney), igualmente resalta la preciosamente acústica Goodbye de McCartney, el cover de Bob Dylan Mama You’ve Been On My Mind tocado por Harrison o una versión de Hey Jude con un Lennon jocoso que se divierte acompañando a Paul con entonaciones chistosas.

Let It Down

Registros de enero de 1969 de los ensayos para el proyecto Get Back, donde escuchamos el proceso de creación de muchos de los clásicos que luego conocimos en Abbey Road (1969) y Let It Be (1970). Asimismo, hay material que fue a parar a los futuros trabajos solistas. Ciertos tracks ya se conocían en otros bootlegs, pero aquí han tenido un tratamiento de audio de acuerdo con las posibilidades técnicas actuales para que se oigan con mejor calidad.

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