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Acorazado Potemkin: “La banda trata de llevar al límite el momento en el que está”

El trío presentará su nuevo disco Labios Del Río en Niceto el 3 de noviembre.

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Foto: Victoria Schwindt

El trío presentará su nuevo disco Labios Del Río en Niceto el 3 de noviembre.

Acorazado Potemkin viene sembrando una semilla de rock con formato clásico que intenta escapar a los lugares comunes del género. El impulso creativo de la banda en lo musical está también en las formas de hacer que intentan romper lógicas que puedan aprisionar esa praxis. Es así como decidieron editar Mugre (2011) en formato digital con descarga gratuita desde su página oficial y así evitar que una cuestión de producción física de las copias en CD retrazara la salida de un disco que ya estaba listo para salir a presentar. Luego de ese primer paso, tanto Remolino (2014) como el flamante Labios Del Río que acaba de salir están disponibles para su descarga desde la web.

Este trío poderoso y amable, inteligente y visceral, experimentado y fresco, está formado por Federico Ghazarossian en bajo, ex Don Cornelio y La Zona, Los Visitantes y Me Darás Mil Hijos, Juan Pablo Fernández en guitarra y voz, ex Pequeña Orquesta Reincidentes, y Luciano “Lulo” Esaín, a cargo de la batería y los coros, también integrante de Valle De Muñecas y de la banda de rockabilly Motorama.

Acorazado Potemkin no suena a nada de lo que ustedes hayan hecho antes en otros proyectos. ¿Cómo lo lograron?

Juan Pablo Fernández: Yo siento que cada cosa de los tres está. Podés hacer un recorrido hacia atrás y encontrar algo. No hay una receta de cómo hacer las cosas, todo depende de las ideas y las químicas de las personas. Potemkin trata de encontrar sus propias reglas, sus propios momentos, sus propias cosas que quizás tienen que ver con cosas que se discuten siempre o desde siempre. Y lo musical es lo que sale de cada uno de nosotros que no somos músicos de acompañamiento, no acompañamos a un cantante o a un solista, cada uno aporta lo suyo y eso hace que el resultado estético sea muy distinto o por lo menos personal.

Luciano Esaín: Hay algo que tiene que ver con la formación de la personalidad o de la identidad de la banda, se crea un lenguaje, ya sea musical o de lo que se charla que es propio de cada banda. A mí me pasa que estoy con los tres proyectos al mismo tiempo y lo que se charla en la interna es propio de cada banda y en eso, que se logre eso dentro del círculo íntimo te da la pauta que hay una personalidad, una identidad propia, algo que se formó y que se asentó. Una vez que todo ese lenguaje interno está creado y formado, ahí la cosa va andando.

En la invitación a descargar el disco de la web hay un pequeño manifiesto: “Labios del Río es el tercer disco de Acorazado Potemkin y se descarga libremente gracias al trabajo de mucha gente, a nuestro entusiasmo por compartirlo y al derecho de ustedes a disfrutar la música sin intermediarios.” ¿Cómo es mantener esa estrategia?

LE: Juan Pablo decía “un piedrazo es un piedrazo y el segundo es política”. Entonces, la primera vez fue así y cuando estaba por salir Remolino decidimos ponerlo para descargar gratis y que sea el sello de la banda.

Federico Ghazarossian: Vamos tomando fuerza en la independencia de articular cada vez más todas las posibilidades que te da la web. Al no haber tantas radios que te pasen nosotros usamos todos los medios para eso, que sea nuestro canal de escucha y que la gente tenga ahí todo regalado o para escuchar.

LE: Y después hay gente que dice “¿cuándo va a estar el físico que ya se los quiero comprar?”, eso también está genial.

Es el segundo disco que graban con Mariano “Manza” Esaín como productor. ¿Tomaron como punto de partida el trabajo hecho en Remolino?

FG: Siempre pensás en subir un poco más la cresta de la ola, es tratar de notar diferencias y no repetirte. Y lo de Manza fue una elección porque nos encantó como sonó Remolino. Fue increíble el trabajo con él porque ya hay química y confianza que son importantísimas.

¿Cómo no repetirse y poder encontrar variaciones siendo un trío de rock con una formación clásica?

JPF: Potemkin siempre trata de hacerse cargo del momento en el que está, porque no volveríamos a hacer algunas cosas como en el estudio cuando grabamos Mugre, pero en ese momento ejercimos el tiempo y el momento que nos tocaba vivir, lo que podíamos hacer. Quisiera creer que la banda trata de llevar al límite el momento en el que está y lo que puede hacer en ese momento. De hecho en este disco hubo una producción en la que no estuvo tanto Manza sin embargo en la grabación estuvo muchísimo más participativo y activo que en Remolino, él sabía como se iba a grabar porque conocía el estudio y ahí veníamos hablando que queríamos grabar en vivo y después ya teníamos una idea en la cabeza de por donde ir desde la base y por dónde incorporar músicos invitados, voces invitadas, quizá parte de ese trabajo de identidad que decía Lulo tiene que ver con generar esos espacios en los que haya cierta apertura posible para los cambios y para los golpes de timón.

FG: Por ejemplo “Humano”, que suena  diferente a todo en general porque el piano suena un poco más que la guitarra, está no compitiendo pero trabajando los dos a la vez con la acústica y es otro aspecto nuestro.

LE: Hay un entusiasmo en el momento de hacer las cosas, hay algo emocional que hila todo y que le da entidad y le da una coherencia.

Hay dos estilos muy diferentes en los letristas de la banda. Juan Pablo tiene un estilo más verborrágico de contar historias y Federico es más existencialista y minimal pero luego en el disco hay una unidad, ¿cómo se logra?

JPF: Asumiendo que cada canción tiene que ser algo en sí mismo y no tiene que ser deudora de la anterior o de la que viene o de la que está haciendo el compañero, se labura mucho eso. Incluso, hay temas que sale la letra entera y hay otros que se tarda mucho, por ejemplo, en “Santo Tomé” yo quería hablar de un tema en  particular, de una situación en particular que tenía en la cabeza, que me gustaba más el clima que lo que estaba queriendo contar entonces empezaron a aparecer recursos para escribirla y se terminó resolviendo a partir del trabajo sobre la melodía y la estructura del tema que ya estaba. Después hay otros que son muy claros, que sale la letra de un tirón, en otras salieron en la pre-producción pero una  vez que está planteado cada tema requiere su complejidad. “El Rosarino” tiene un poco más de humor, otras son más tristes, “Santo Tomé” es una historia concreta contada con distintas aristas y links de cosas que yo quería incluir, después hay otras que son más catárticas, “Las Cajas”, “Hablar de Vos”, que estás contando lo que te pasa adentro.

¿Y cuando trabajan letras de otra gente? Por ejemplo, “Mundo Lego”.

JPF: Son tres poemas distintos ensamblados en una letra, porque el libro Mundo Lego (Josefina Saffioti) tiene dos ejes temáticos, una mudanza y la construcción e ese mundo, Lego, que se va armado y otro eje temático que es una causa judicial por violencia de género, tiene esas dos cosas que van en paralelo. En ese libro es muy claro que algunos poemas hablan de lo mismo, yo me sentí libre de incorporarlos y traerlos  y cortar y pegar porque me parecía que estaban en la misma sintonía. Muchas veces en los temas y dentro de un mismo tema decimos bueno, esta parte ya está contada, ya dijimos esto, ¿se entiende la idea sin esto? Sí. Y ahí aparecemos los tres. Esto está contado no hace falta otra parte, no hace falta volver al estribillo. O al revés, el tema necesita machacar sobre una idea, necesitamos volver al estribillo o que haya una parte instrumental que de pausa a eso.

LE: También Fede viene con una letra y con una idea melódica y armónica en general y le terminamos de dar forma entre todos.

Hay dos covers en este disco ¿Por qué?

FG: ¡Porque si! Porque estaban, porque decidimos grabar todo lo que veníamos haciendo. El de Lila Downs ya tiene como un año que lo venimos tocando y el de los Beatles Juan un día vino con el riff y dijimos “¿por qué no?”

Siempre te hablan del tango pero te escuché decir en radio que pensabas para el fraseo en cosas como Morrissey y me llamó mucho la atención escucharte decir eso. ¿Cómo conjugás esos universos?

JPF: En realidad son como toreos, uno dice, no pasa sólo allá esta forma de cantar. Aquel hace lo mismo desde otro lugar que nada que ver y que incluso ni siquiera es tan deudor de la música popular (inglesa). Es muy melódico para cantar y también es muy decidor y él sabe muy bien como concentrar textos con mucha carga y a la vez terminarlos con un remate más lírico, más abierto, muy melódico. Hay que saber jugar, usar eso como una tensión. En una época yo decía que me gustaba escribir como se habla, no me gustan mucho los versos muy poéticos o demasiado líricos. No me gusta cargarle a la canción una pretensión así porque me parece que es entorpecer, me gusta contar algo un poco más sencillo, me gusta respetar la acentuación de las palabras, de la gramática en español. Para mí eso es inevitable del tango que también recupera el habla popular, el lunfardo. Hay una forma porteña de cantar que la tiene Palo (Pandolfo) que la heredó de Moris y de Miguel Cantilo, evidentemente yo ando en esa línea.

LE: Pero Joe Strummer tiene un montón de esas cosas, también es una forma parecida de cantar, como hablando y de repente una frase te la termina con una melodía y decís “ah, había una melodía ahí”.

¿“Santo Tomé” sería ese caso?

JPF: Y sí, en otras partes en muy melódica, también lo trabajamos mucho eso, era no gritar, no contar, no hablar, que sea muy, muy, muy melódica, muy suave en algunos momentos de cantar y de grabar y que se juegue ese contraste incluso en cómo está escrita esa parte en la que hay dichos populares inventados como “en las fronteras se aprende a esperar” o “quién ve su sombra no debe cruzar” al inventar dichos populares que vayan justo con esa melodía nos obligaba a cantarlos distinto.

Casi todos los invitados menos uno son chicas y hay dos canciones en las que cantás desde una perspectiva femenina (“Mundo Lego” y “Semilla de Piedra”) ¿hay una búsqueda conciente ahí o es algo que salió?

FG: No, a Elbi (Olalla, pianista) la conocimos tocando en febrero y tiene una manera de tocar el piano que no se puede creer y ella es una divina persona. Después a Juliana (Moreno, flautista) la conocía Juan Pablo, a Christine (Brebes, violinista) la conocíamos de toda la vida porque tocó con Mil Hijos. Y lo de Mariana (Päraway, cantante) fue buscando una voz femenina, no la conocíamos y un día un amigo posteó un tema, lo escuchamos y nos gustó mucho. Nunca pensamos “llamemos a cuatro chicas”, fue natural.

¿Tampoco pensaron en cambiar el género de las canciones?

JPF: No, pero eso sí fue deliberado, llega un momento que no es inocente, es notorio entonces te hacés cargo de eso, encontrás desde el respeto concretamente a quién lo escribió y después cómo te hacés cargo vos de no cambiar el sexo como para ponerte en otro lado. Te tenés que hacer cargo de lo que cantás, entonces en ese sentido no es inocente.

LE: Cuando tocamos “Mundo Lego” me hace acordar a cuando fuimos a tocar al acto de Ni Una Menos o a la campaña a favor del aborto, me linkea directamente a eso. Juan está cantando una letra de una canción en la cual habla una chica como cuando leés un libro y la protagonista es una mujer, si te ponés en la piel de la protagonista te identificás.

Ustedes tocan mucho en “causas”. ¿Hay una lectura posible de ciertas causas feministas y todas esas sumatorias?

JPF: Es que uno no es ajeno a eso.

LE: Te llama decir algo al respecto y por ahí la manera de decirlo es ésta.

FG: Es como cuando nos invitaron para Ni Una Menos o el aborto legal, dijimos sí porque nos interesa que esas cosas vean la luz, me parece que son cosas que hay que transmitir.

JPF: Tiene que ver con universos comunes. De hecho participamos del festival de los despidos en la misma semana que a mí me echaban del Ministerio de Cultura. Estamos adentro de todo eso. Somos parte de eso.

¿Se ven llegando a ser una banda con un mayor nivel de masividad?

JPF: A nosotros nos gusta el under y venimos de ahí y lo reivindicamos desde un lugar de laburo, desde un lugar de producción independiente, de un espacio dónde todos somos iguales, dónde no hay aparatos que sostienen un mal show o un mal disco, nosotros tenemos que dar examen cada vez, en cada tema, en cada disco, en cada show y eso me parece que es algo lindo que tiene el under dónde estamos todos ahí pelando la verdad del show.

LE: A mí siempre lo que más me gustaría que pase es que se pueda estar tocando todo el tiempo, que puedas ir a una ciudad, que puedas ir a otra, que se armen shows todo el tiempo y que haya un circuito continuo de lugares con una asistencia de público que se pueda ir y volver y tocar y el año que viene y nos vemos en la próxima ciudad. Eso es lo que yo siento que es lo más lindo de tocar.

JPF: Eso, la verdad que sí. Y lo que yo siento que está pasando es que ya está tan corrido el eje de la escena independiente de lo que es la escena mainstream o los 40 principales que ya no existe para mí una idea de legitimación de eso.

Tal vez no es tanto una cuestión de legitimación en cuanto al mainstream sino una cuestión de por ahí dar un salto y poder decir: vivo de la banda y me puedo dedicar 100% a la banda. 

FG: Sí, igual nosotros nos dedicamos 100% a la banda, obvio que sería otra situación si podemos hacer un Luna Park y ponernos a girar por el país, creo que el hecho fundamental nuestro es tocar y tratar de articular en todo el país eso porque creo que lo que yo más aprendí con Potemkin es volver a la ruta con los instrumentos, tomar micros y antes de quedarte sentado en tu casa nosotros preferimos salir a tocar. Nos tomamos el micro y ya está, vamos a dormir a la casa del organizador o de un amigo del organizador, de quién sea, no es que vamos al hotel 4 estrellas. Y a parte vos nos vas a ver en los lugares antes del show estamos hablando con la gente o vamos y vendemos los discos nosotros mimos.

LE: Siempre está bueno tocar con lindas condiciones técnicas entonces a medida que vos vas llevando un poquito más de gente y tenés mejor monitoreo, mejor sonido para los que te van a ver y eso está bueno.

JPF: Y que no te cambie la forma de pensar, lo más importante debería ser que el grupo sea independiente de la puerta de la sala para adentro. Que realmente lo que nosotros podamos hacer sea construir un universo propio, un camino propio, estético, musical, poético, que tenga que ver con las cosas que nos pasan incluso cuando decimos que nos interrumpa en la sala de ensayo para ir a un festival porque desapareció Santiago Maldonado, porque asesinaron a Mariano Ferreyra, hay que estar ahí. Pero una cosa era el espíritu punk fanzinero del hacelo por vos mismo y otra cosa es cuando vos empezás a razonar como un productor o como un tipo que tiene una PyME y tiene que hacer funcionar el boliche. A ese tipo de razonamiento le escapamos.

LE: Sí, es la célula primal el tener ganas de tocar, eso no lo podés perder, hay que mantenerlo.

JPF: Una banda debe ser nada más y nada menos que la suma de las personalidades que la integran y no una marca que los supera o un producto que los engloba. Cuando te hacés cargo de eso empiezan a aparecer otras cosas más complicadas, bueno, estás con problemas personales, el disco no puede salir o al revés estás con problemas personales y a la vez entre todos logramos que eso sea parte, que esté arriba de la mesa, que se ejerza y que eso le de más intensidad y sentido a lo que hacés. Lleva más tiempo pero es más lindo, más real, para nosotros es más genuino así.

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Acorazado Potemkin presenta Labios Del Río
Viernes 3 de noviembre – 20:30hs
Niceto Club (Niceto Vega 5510 – CABA)
Entradas en venta en Ticketek

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El 1° de noviembre habrá una pre-venta del disco en las oficinas del sello discográfico Oui Oui Records, Soler 6090 – CABA, de 18 a 21 horas.

El resto de la gira presentación de Labios Del Río será el 4/11 en Mar del Plata, el 11/11 en Junín, el 18/11 en Montevideo, el 24/11 en Córdoba, el 25/11 en Mendoza y el 9/12 en Firmat, Santa Fe.

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Lara Pedrosa: “Para grabar mi disco tuve que romper varios límites”

La cantante y bajista Lara Pedrosa presentó “El Bosque del Recuerdo”, su primer álbum solista, y hablamos con ella sobre la creación de éste trabajo que le llevó cinco años.

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La ex No lo Soporto y actual integrante de Zero KIll, presentó en el mes de marzo su álbum debut como solista, obra grabada y editada a través de Twitin Records, el sello discográfico de Tweety González, y masterizada por Andres Mayo.Su obra tiene nueve canciones en los que participaron varios amigos y artistas que lograron retratar un momento de su vida de introspección y melancolía. Hoy Lara se encuentra buscando nuevos horizontes, trasladando su carrera al viejo continente y más segura que nunca. Sobre eso y otras cuestiones hablamos en esta entrevista.

Entrevista Fabiana Solano y Paz Varales.

Fotos: Mia Ferrari

Hace cinco años que venís trabajando en este disco y siempre perteneciste al ambiente de la música, ¿por qué crees que surgió recién ahora?

La idea de lanzarme como solista viene desde la ruptura de No lo soporto, de hecho para eso me alejé de la banda, no por esa razón especifica pero si con esa idea. Ni bien me fui de la banda me puse a trabajar con Ale Sergi de Miranda! en mis canciones solistas, pensamos en tener una banda, grabamos, hicimos un show, pero ellos enseguida sacaron un disco nuevo y ahí Ale me propuso hacer esos temas para mí. Acepté pero no sentía que sea representativo cien por ciento mio, él es un gran músico y ese sonido era muy Miranda!, quedaron ahí. Son canciones que están buenísimas y pienso retomarlas con mi estilo actual. Aparte me pasó que atravesé muchos obstáculos a nivel personal, relacionados con mi confianza en mi misma, me costó mucho encontrar mi voz y mi personalidad musical y me tomó ese tiempo. Después hablé con Tweety Gonzalez, tuvimos una charla que los dos recordaremos por siempre y empezamos a trabajar los temas juntos. A los tiempos lentos del estudio pero se avanzó, y los temas quedaron super bien, superan mis expectativas, estoy teniendo una retribución muy alentadora. Los comentarios de la gente me emocionan a nivel lágrimas. Siento que es una meta cumplida para mi, haber roto ese límite, no fue fácil, menos para una mujer en Argentina.

¿Crees que la cuestión de género funciona como una barrera autoimpuesta o has tenido situaciones puntuales?

Es que Argentina a nivel educación y cultura va lento. Mis amigos y la gente del medio son distintos pero la gran mayoría podría no estar preparada para el cambio que está ocurriendo. Me ha pasado de llegar con los equipos en la mano y que me pregunten “que llevas ahí? ¿tus maquillajes?”. Después nos veían tocar y se sorprendían porque también tocábamos.

Foto por Mia Ferrari

¿Sentís que ahora es menor esa “discriminación”?

Si, un poco. Han pasado cosas importantes y los hombres están cambiando, algunos. Están entendiendo que somos pares. Nos tenemos que ayudar entre todos. Lo mas importante es cuidarnos, respetarnos, no somos competencia y hay lugar para todos en el arte. En todas las profesiones.

El rock particularmente tiene una tendencia machista bastante marcada…

Sin dudas. Pero ahora hay bandas lideradas por mujeres que les está yendo super bien hace rato, como el caso de Eruca Sativa, que puede gustarte o no. Si bien es esperanzador, es deprimente que te pueda nombrar una sola banda porque en realidad hay un montón que no son tan conocidas. Yo siento que es algo del país. En otros países latinoamericanos colegas mujeres se han convertido en íconos internacionales como Mon Laferte, Natalia Lafourcade, o Julieta Venegas. Ahora con todo el ruido que se está haciendo pueden generarse las referencias que faltan.

Y es parte de un proceso cultural.

Sin dudas, es un compromiso social que debemos generar todos los que estamos en el mundo de la música y en general en todas las áreas laborales y de expresión para que la cosa cambie, en el fondo todos sabemos que es mejor para todos, más sano.

¿Cómo nació El bosque del recuerdo que le da el nombre al disco?

Conocí el nombre visitando el Parque del Retiro, en Madrid. Estaba sola caminando, vi un laberinto de callecitas, entré, miré para arriba y me impactó el nombre de ese lugar: “El bosque de el recuerdo”. Me llamó la atención y lo anoté. Me daba a ensueño y melancolía extrema que es un estado que disfruto mucho. Es como un lugar donde me imagino que entro a recordar esa persona que fui mientras compuse todas esas canciones que ya no me representan tanto pero fueron parte de mí y me hacen quien soy. Está lleno de recuerdos y sensaciones que cada tanto entro a recordar.

Da la sensación de que apostás mucho a lo colectivo porque se ve en tu disco un ida y vuelta y cierta generosidad con distintos artistas, ¿puede ser?

Si. Me pasa que cuando conozco gente con la que conecto musicalmente me genera como una sensación de enamoramiento y quiero compartir creatividad con esa persona. Si bien las canciones son composiciones mías y tengo claro lo que quiero, también me gusta aliarme con otros artistas que admiro. Es medio un morbo tenerlos en mi obra.

Foto por Mia Ferrari

Tenés un tema que lo haces con todas mujeres, ¿qué encontrás de diferencial en trabajar con mujeres músicas?

Me encanta la energía femenina. Me siento muy en sintonía, en general, me gusta la suavidad y me gusta la fuerza desde ahí. Me parece que la sensibilidad la entiendo perfecto por ser mujer y es otra vibra. Cada una es distinta, obvio, y no es lo mismo trabajar con una que con otra.

¿Cómo surgió?

Grabé “Melodía de extrañar” con Santiago Motorizado que es un hombre super masculino en apariencia pero tiene un costado super femenino y sensible que me cautiva. Y después se dio que vino Dante Spinetta a tocar la guitarra y estaba trabajando con Tweety y otro productor amigo. De repente me encontré rodeada de tipos y para el tema siguiente pensé que seria divertido hacerlo solo con mujeres y tener un coro de voces femeninas. También para crear alianzas y darme el lujo de cantar con ellas que son todas talentosísimas.

Hablando de Suavidad, contanos de tus covers de Suave y No podrás

¡Me parecen temas geniales! Obras maestras del pop. Yo no tengo ningún tipo de prejuicio y esas por alguna razón todos las sabemos y esos estribillos duelen un poco de lo hermosos que son. Suave me invitaron para un disco de covers de Luis Miguel, elegí ese y fui a Chile a grabarlo, fue increíble trabajarlo y super interesante la experiencia.

¿Vas a hacer más?

Me gustaría sacar un EP de covers, tengo algo en mente.

También hay algo poético en tus letras, ¿te gusta la poesía?

Si, me gusta mucho la poesía. Mas que nada las letras vienen de momentos muy genuinos, de tratar de sacarme de encima algo que me está pasando. Me ha pasado de estar soñando, despertarme y escribir una canción de principio a fin y como que esos momento suelen estar relacionados con penas de amor, he sufrido mucho por amor. Ahora siento que puedo componer desde otro lugar, no necesariamente atravesando el sentimiento, sino recordándolo.

¿Y cuáles crees que fueron tus grandes referentes musicales?

El artista que me despertó la primer gran pasión de mi vida fue Michael Jackson. Acabo de terminar de ver el documental y me quiero morir. Atravesé un fanatismo extremo, discos, posters, pero la verdad que más allá de la pedofilia que claramente no comparto ha sido una gran influencia. Yo no había creído nunca esto de él hasta ahora y estoy desencantada, pero salvo la música. También tuve mi etapa de artistas femeninas que me atraparon mucho como PJ Harvey, Bjork…

¿Algún músico británico que te haya inspirado?

Inglaterra es una meca musical, fuente inagotable de inspiración y talento. Radiohead, The XX y muchísimas más. Consumí mucha música británica, cuando conocí Oasis los escuchaba muchísimo, nunca fui fan de ellos porque no conecto con sus personalidades pero destaco mucho las composiciones de Noel Gallagher . Fui muy fan de Elástica, me sé todos los temas de todo lo que hicieron, les produjo un disco Damon Albarn que me parece otro increíble músico, super creativo que está en todos proyectos interesantes. Bueno, ¡Bowie! Inglaterra es interminable.

Te vas finalmente a vivir a Barcelona… 

¡Ya! Necesito remover todo, quiero nueva inspiración, quiero conocer artistas nuevos. La ciudad me encantó, tiene una escena cultural muy buena y espacios para generar nuevos. Quiero tocar por toda España, quiero vivir cerca del mar, quiero viajar por Europa y ampliar un poco. En Argentina pasan cosas interesantes pero en algunas cosas me choco con el techo y no quiero que detenga mis ganas de crecer. Amo este país, tengo mis afectos, pero me voy a aventurar un poco.

¿y tenés ganas de llegar a UK?

Si, hace poco estuve ahí con Benito, caminamos, fuimos a ver Arca y vimos lugares alucinantes. De chica también fui a estudiar allá, me quedó una sensación hermosa y espero volver pronto. Quizás nos cruzamos en el Ultrabrit Tour.

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Juana La Loca se reinventa y presenta nuevo disco

La historia de Juana La Loca sigue sumando nuevos capítulos. En esta entrevista con Rodrigo Martin y Diego Vieites te contamos lo que se viene.

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Durante el año pasado Juana La Loca celebró sus 30 años, giró por varias provincias y representó en vivo toda su discografía de la banda en cuatro shows memorables en Lucille. Como si eso fuera poco, sus integrantes comenzaron la filmación de un documental, grabaron su nuevo disco y preparan otro en vivo. Además, por primera vez en 25 años volvieron a estar sobre el escenario los tres miembros fundadores de la banda, Rodrigo Martin (voz), Aitor Graña (batería) y Roberto Pasquale (guitarra). La banda se completa con Diego Vieites (guitarra y coros), Javier Lopez (teclados y programaciones) y Andy García (bajo). El sábado 13 de abril a la medianoche en La Tangente la banda de Temperley presentará Resplandece, su nuevo trabajo discográfico.

 

Se viene la presentación de Resplandece. ¿Cómo se prepara la banda para este show tan especial?

 

Rodrigo Martin: Ensayando mucho, sacando versiones de los temas y agregando temas clásicos de la banda.

 

¿Cómo está la energía del grupo para esta fecha que será histórica?

 

Diego Vieites: Bien, bien. Con muchas ganas. Sobre todo de consolidar el trabajo que se hizo el año pasado, donde además de grabar el disco celebramos los 30 años de Juana La Loca.

 

El año pasado giraron por varias provincias, tocaron mucho en el conurbano y representaron toda la discografía de la banda en vivo. ¿Cuál es el saldo positivo de todo eso, el mejor recuerdo?

 

R.M.: El ciclo que hicimos de los cuatro shows en Lucille.

 

D.V.: Sí, el ciclo que hicimos el año pasado en el que se representó toda la discografía de la banda en cuatro shows. Creo que eso fue como… no sé si lo más importante, pero sí lo más simbólico que hicimos el año pasado en cuanto a este relanzamiento de Juana La Loca.

 

¿Y con el público en el interior cómo les fue?

 

R.M.: Bien, muy bien. Y en el conurbano también. Córdoba, por ejemplo, es una plaza fuerte para nosotros.

 

En los shows de Juana siempre hay un fervor importante, un vínculo muy lindo de la banda con el público “juanero”. ¿Cómo lo viven ustedes?

 

R.M.: ¡Muy bien! Eso viene desde siempre, sí.

 

D.V.: Sí, yo creo que Juana desde sus comienzos siempre tuvo un feedback muy especial con la gente. De hecho creo que en los shows hay una comunión tal que llega un punto en que esa división artista-público se fusiona, no?

 

R.M.: Claro.

 

D.V.: Eso lo hace todo muy especial.

 

Para quienes todavía no escucharon Resplandece, ¿qué creen que les pasará cuando lo disfruten por primera vez?

 

R.M.: Se van a sorprender. Es como un cóctel entre Electronauta, Belleza y Vida Modelo.

 

Lo mejor de Juana y en un sólo disco. Y encima nuevo.

 

R.M.: Claro, a estrenar.

 

¿Cómo es ser un clásico y ser novedoso al mismo tiempo?

 

R.M.: Y bueno, es que prefiero reinventarme a reiterarme.

 

El 13 de abril en La Tangente, ¿con qué se va a encontrar el público?

 

D.V.: Se van a encontrar con Juana La Loca en todo su esplendor, básicamente. Estamos con muchas ganas de presentar este disco nuevo, es el puntapié inicial de una nueva etapa de la banda. Y siempre hay algunas sorpresas preparadas para una presentación así. Temas que estaban guardados, diferentes versiones de las canciones. Estamos trabajando para que la presentación tenga el marco adecuado al disco.

 

Por último, luego de presentar Resplandece, ¿cómo sigue el 2019 para Juana La Loca?

 

D.V.: Vamos a hacer otra gira por el conurbano. Vamos a ir a lugares que el año pasado no fuimos. Y estamos trabajando en un disco en vivo. El primer disco en vivo completo en la carrera de Juana. Y el documental, que lo venimos trabajando desde el año pasado y nuestro deseo es que salga este año. Hay muchos proyectos y ganas.

 

 

 

 

 

 

 

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1915 se prepara para Lollapalooza: “Vamos a montar el show más grande en la carrera de la banda”

A días del gran festival, hablamos con la joven banda que se encuentra en el momento más alto de su carrera.

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1915 es el año de la primera edición de La Metamorfosis, de Kafka. 19:15 solía ser el horario de los ensayos de esta banda del conurbano norte. Cruz Hunkeler (20, guitarra y voz) y Federico Penzotti (21, teclados) se conocieron en el colegio en 2013. Ahí nació el germen de lo que sería 1915 poco después.

La banda se completa con Alejo Freixas en bajo y Jeremías Alegre en batería. En los shows los suele acompañar Gonzalo Casalinuovo en guitarra. En 2016 editaron Dual, su disco debut que los acercó más al rock progresivo, o como ellos preferían llamarlo: rock metamórfico. 1915 reúne calidad musical, creatividad, baile, compromiso con el mensaje, crítica social y más. En sus nuevas canciones encontramos un sonido fresco, pop, groovero, funk, los vientos de Morbo y Mambo y una invitación al disfrute pero también al pensamiento. Bandera es el título de su nuevo disco y Dame Una Bandera es el nombre de una de las canciones.

 

¿Por qué ese título y por qué esa letra?

Penzo: Dame Una Bandera es el tema que da más identidad al disco. Más que nada porque en este segundo disco somos más conscientes de lo que estamos viviendo. Tomamos cierta postura y nos hacemos valer por dónde estamos parados, cosa que quizás antes no.

Cruz: Sí, es eso. Justamente abanderarnos. Y también viene de darnos cuenta o empezar a tener noción del lugar que debe tener un músico para nosotros en la actualidad y desde siempre. El rol de un artista hoy en día. Ser impulsores de algo que tiene un significado, que tiene un mensaje y que tiene un objetivo. Y creo que ese mensaje es importante comunicarlo de una forma que nos parezca que está buena, que nos divierte, que te haga mover el cuerpo. Que te den ganas de bailar no es algo que le quite valor a lo otro.

En los recitales se ve más unión que nunca, suelen verse músicos de otras bandas apoyando o colaborando en algún tema, ¿existe esa comunión o es una sensación que uno tiene?

Cruz: La verdad que la movida argentina está muy a flor de piel. Cada vez hay más bandas y de una calidad tremenda. Y por suerte se federaliza cada vez más, hay más conexión entre los músicos. Ya no hay nichos, o los hay, pero no son lo más importante. El versus es algo de antes. Onda si te gustan los Redondos no escuchás Soda, eso no va más. También con el surgimiento de internet se da que bandas que antes no tenían acceso a sacar un disco y tener un movimiento propio ahora sí lo tienen. Entonces se terminan uniendo todas esas personas y se termina formando algo más colectivo.

 

Penzo: Todo el tiempo hay muy buena onda. Y, además, hay un circuito de músicos que laburan mucho. Por ejemplo Guille Salort que es un baterista que produjo nuestro disco. Él grabó este año con Conociendo Rusia, con Marilina Bertoldi, con Chita, con Ca7riel y toca con Emmanuel Horvilleur. Eso también es parte de la unión que se genera entre las bandas. Porque hay buena onda de todos lados, te cruzás con gente conocida que grabó en tal disco, lo llamás para laburar con vos, etc. Hay una unión re zarpada.

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¿Cómo ven hoy el lugar de las mujeres en la música, la lucha por el cupo para festivales, la colaboración de artistas femeninas en la banda?

Cruz: Primero que nada, nombrar a las mujeres que tuvieron participación en el disco: Feli Colina hizo unos coros en Prisma y en Dame Una Bandera. Una genia, la verdad, muy buena onda, muy talentosa. Y Lucila Taba que hizo la tapa, de los temas Policía, Prisma y la del disco. También hace visuales para el vivo. Creo que es importante velar porque cada vez más mujeres pisen los escenarios. Incluir a las mujeres en un ambiente que muchas veces puede ser muy machista. Salen estadísticas todo el tiempo de los festivales en los que el 97% de los artistas son hombres. También el lenguaje inclusivo es algo con lo que hay que estar muy atento y cambiar la forma de hablar. Porque el lenguaje codifica lo que uno piensa, aunque uno no lo crea. La forma en la que uno habla denota una ideología.

 

Penzo: Yo estoy totalmente orgulloso de la etapa que estamos viviendo. Y ni hablar que nuestro primer objetivo y tarea es rever todos los conceptos con los que uno fue criado y ver realmente qué cosas no están bien. Entonces todo el tiempo uno está pensando “che, lo que hice no estuvo tan bien. Debería cambiar tal cosa o tal otra”. Eso para mí es lo más importante

 

Cruz: Es algo que hablamos bastante en el grupo. Porque hay veces que bandas de hombres se abusan del poder que te da estar en una banda. Porque es una situación de poder. Creo que es importante prestarle mucha atención a eso. Nosotros somos cuatro miembros fundadores y es muy difícil cambiar la formación. Pero siempre sumamos mujeres en diferentes roles de laburo. Ya sea para el diseño, la realización de videos, invitadas en vivo, instrumentistas, etc.

 

Este año 1915 se presentará por primera vez en el Lollapalooza, ¿cómo viven este momento?

Cruz: La verdad es que es un gran logro para nosotros llegar a un festival de esa magnitud con una exposición y calidad de artistas tan grande. También es un desafío porque para Lollapalooza vamos a montar el show más grande en la carrera de la banda y eso conlleva mucho esfuerzo y todo un laburo que, obviamente, hacemos con mucho gusto.

 

La entrevista se realizó en conjunto con el programa La Vecindad de RondaMonk (Radio Monk).

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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