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5 videos que nos recuerdan por qué amamos a LILY ALLEN

Es difícil hacer una división entre temas y videos, y de ahí elegir en un ranking los 5 mejores clips de ésta cantautora británica.

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Es difícil hacer una división entre temas y videos, y de ahí elegir en un ranking los 5 mejores clips de ésta cantautora británica. Sus rimas pegajosas y líneas contestatarias no tienen desperdicio. Remixes de melodías angelicales donde te puede estar mandando a freír churros a la feliz o simplemente diciéndote que no ha tenido un buen día en términos afectivos. Lo especial de la selección que hicimos para vos en este especial de Lily Allen es que cada video que elegimos tiene un trasfondo coyuntural de situaciones que formaron parte de la vida de Lily dichas de una forma tan directa y sin mediar metáforas que la hace distinta de otros artistas que mezclan vino y aforismos con chispas y genio lírico, para llegar de A a B de la misma forma que Lily va por todas las letras del abecedario de un saque. Aquí te presentamos algunas pistas acerca de ellos:

SMILE

Dicen que la venganza es un plato que se come frío, y que también es dulce, y no nos referimos justamente a un balde de helado de dulce de leche, si no a una Lily despechada que se entera que ha sido engañada por su novio y decide vengarse contratando a un squad de maleantes que destrozan la guarida de Dj en Londres del pibe, dejando todo dado vuelta, arruinando el mobiliario y rayando los preciados vinilos que éste desafortunado joven resguarda en una caja plateada para pincharlos en sus sesiones nocturnas. Lo gracioso es que todo esto sucede al mismo tiempo que ella acepta tomar un café con el, porque claro, de eso se trata la canción ¨Now you’re calling me up on the phone/ So you can have a little whine and a moan/ And it’s only because you’re feeling alone¨, después que él cometiera el pecado capital del adulterio.  Un café intervenido con pastillas laxantes, un departamento dado vuelta y ella riendo de lo dulce que es en fin, vengarse.

Éste video cuenta con una estética pintoresca muy al estilo Allen, colores vibrantes, vestidos con zapatillas y aros extra grandes. Producido por Darren Lewis y bajo la firma de Capitol Records fue uno de los videos más famosos de la artista, con más de 54 millones de visitas en YouTube, Lily se presentó sin pedir permiso ni perdón para plantarse en la cima de un lugar que ella misma creó.

ALFIE

Sí, Lily tiene un hermano. Se llama Alfie (los fanáticos de Game of Thrones lo conocen por interpretar el papel de Theon Greyjoy) y esta canción está dedicada a él, a su inmadurez, su irresponsabilidad y pereza; no está demás aclarar que los hermanos Allen tienen una gran relación de la cual Lily habló varias veces. Es como un canal abierto para decirle a una persona querida”por favor, ponete a laburar”.

El clip tiene una estética muy cincuentera que se ve replicada en varios videos de la artista: vestidos pin up, lunares, colores plenos, y el toque picaresco de la representación del señor hermano Alfred, en forma de marioneta, que fuma marihuana, hace cochinadas y roba alcohol cuando su hermana no lo ve.

Una melodía simpática, un video aún más simpático. Al fin de cuentas, gracioso como un muñeco que juega videojuegos y usa buzos con capucha.

THE FEAR

Este video corresponde al segundo disco de nuestra artista, que salió en el 2009, llamado “It´s not me, It´s you”, juego de palabras que corresponde a la frase  que en cualquier rompimiento amoroso sería repetido como ¨No sos vos, soy yo¨, pero invertidos los roles. Pero aunque pueda tratarse de problemas afectivos, éste tema habla de fama, fortuna y todo lo que alguien haría para conseguirlas. Como dice en la línea ¨I want loads of clothes and fuckloads of diamonds/I heard people die while they are trying to find them¨(Quiéro un monton de dinero y diamantes/ escuché que la ente muere tratando de encontrarlos). También habla de aparecer sin ropa y que eso la catapultará a la fama. Una clara crítica al sistema de celebrities.

Así nos muestra la metamorfosis: una primera escena donde todo comienza en una humilde casa rodante que se transforma en un palacio repleto de cajas con moños y demás frivolidades.

OUR TIME

Londres de noche debe ser uno de los recorridos más divertidos y pintorescos que se pueden hacer en un taxi. Sobre todo si vas con dos versiones más de vos misma cantando, bailando, volviendo a casa. En este clip Lily Allen habla de salir a  divertirse una noche como si fuera la última de sus vidas. En el viaje hay una pelea entre dos versiones de Lily, una de ellas disfrazada de pancho y muchas líneas que si escuchaste la canción ya adoptaste como preferidas por lo lindas que suenan como ´Take my hand now, you’re coming over

It doesn’t matter you can sleep on my sofa¨ o ¨Bring some fags and brings some Rizlas /We’re gonna party like it’s nobody’s business¨.

Advertencia: No practiquen esto en sus casas. Vomitar en un taxi camino a casa no siempre es bien recibido, ni tampoco bajarse sin pagar.

AS LONG AS I GOT YOU

Finalmente, tenemos un video diferente que habla de una nueva etapa, tal vez de asentamiento y madurez que representa tener dos bebés a quienes cuidar luego de años de fiesta descontrolada. Así es como abre éste video contándonos también acerca del festival Glastonbury, famoso evento de la cultura anglo que se celebra una vez por año en las islas británicas, que nuclea a una importante cantidad de artistas nuevos y viejos, para hacer de un par de días, música, barro y glitter una de tus mejores experiencias de tu vida.

Disfraces de hongo, moda, pelo teñido, luces de neon y ojos cansados, la representación visual de esta canción que nos lleva a vivir por tres minutos un “must do” para los amantes de la música que crucen el charco.

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#EspecialLollapalooza: Rosalía

Su música y producción escénica mezcla flamenco y lo urbano sin prejuicios y mucho talento. Una de las presencias del próximo Lollapalooza Argentina que hay que mirar de cerca.

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Rosalía tiene 25 años, nació en Barcelona y es la dueña de las conversaciones, las listas de streaming en España, de cuatro Latin Grammy y viene a conquistar el resto del mundo.

Su segundo disco “El Mal Querer” salió a la venta el 2 de noviembre y se ha convertido en escucha obligatoria. Es una fusión de flamenco, trap, R&B y música urbana matizada con mil pequeños apuntes como motores, ruido de metal, recitados, palmas y un uso inteligente del vocoder, que en este caso no viene a disimular falencias sino a sumar elementos a la narración.

Es un disco conceptual, basado en un libro de siglo XIV llamado “Flamenca” de autor anónimo que narra una historia de amor, celos, infierno y resurrección, en el que cada capítulo es representado por una canción. Entre otras particularidades, participa Rossy de Palma recitando un texto y se samplea “Cry me a River” de Justin Timberlake.

 

MALAMENTE” el primer single se lanzó en Mayo, se ve y escucha así

En Julio se lanzó “PIENSO EN TU MIRÁ” y Rosalía junto al talentoso equipo que eligió lo hizo otra vez.


¿Qué podemos esperar de su presentación en vivo? bailarines, carisma, cuero, plumas, uñas esculpidas larguísimas y zapatillas urbanas con una puesta en escena que nada tiene que envidiar a Beyoncé

 

En marzo de este nuevo año estará en el Lollapalooza Argentina y sería muy bueno que haga un side show para ella sola, que bien lo vale.

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#EspecialLollapalooza: Interpol, Everything is wrong (again)

Interpol es una banda neoyorkina etiquetada como indie rock o post punk, sin embargo, pese a que estos rótulos le quedan cómodos no la describen en su totalidad.

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La banda se formó en 1998, está integrada por  Paul Banks, Daniel Kessler y Sam Fogarino, su nota distintiva es la destreza para narrar el lado opaco de las relaciones humanas, el desamor y la apatía.

El primer trabajo los posicionó como herederos sonoros de Nirvana y sucesores de la métrica angustiante de Joy Division. La voz grave de Banks y el carácter depresivo de su poética exaltan el paralelo con los mancunianos, no obstante, hay una frialdad en las letras de Interpol que los inscribe en la finura del film noir antes que en el desaliento suicida.

El debut, en el sello Matador acontece con Turn on the Bright Lights (2002), lo suceden Antics (2004), Our Love to Admire (2007), Interpol (2010), El Pintor (2014) y su última producción Marauder (2018) lanzada en México, ciudad en la que Banks vivió en la secundaria.

Marauder fue grabado con la banda tocando en vivo para recuperar el efecto visceral del crudo, para recoger la potencia de la sinergia o bien para huir de la trampa de las posibilidades de un estudio como les gusta explicarlo. El productor Dave Fridmann, quien trabajó con The Flaming Lips, Weezer, Café Tacuba, MGMT y Tame Impala, entre otras bandas, fue quien propuso este desafío. La búsqueda es obtener novedad sin perder los rasgos identitarios, innovar sin resignar las marcas de estilo, superar la pérdida de una pieza clave como Carlos Dengler quien dejó la banda en 2010.

El clima lóbrego, la complejidad del deseo y la insatisfacción son solo algunos de los elementos de la dialéctica de Marauder. “If you really love nothing” se esfuerza en parecer gentil, coquetea con el pop pero se detiene en sus márgenes como turista ocasional, tan enigmático como la sonrisa de Kristen Stewart. Es probable que esta sea la síntesis del disco, ese estado de necesidad más que el logro efectivo de una ruptura.

Según Banks, el merodeador es un personaje que asomó durante la composición de algunos temas, su alter ego. La justificación es, cuanto menos, perturbadora. En la foto de portada, Elliot Richardson, Fiscal General de Nixon padece la soledad post renuncia con la que se lo castiga por negarse a despedir al fiscal Cox quien investigaba el escándalo Watergate. Más que un merodeador es un disidente, excede incluso la honestidad que reivindica Banks.

A mitad de año, Marauder se dio a conocer en un mural del DF mexicano donde apareció como esos hombres misteriosos y solitarios a los que alude la obra. El primer video del corte “The Rover” fue dirigido por Gerardo Naranjo y sus escenas recorren Reforma, colonia Roma y el mercado de Sonora.

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En estas semanas se produjo el lanzamiento de versiones remix de “Party’s Over” del dj mexicano Lao y “Complications”, gestado por Mexican Institute of Sound, un proyecto de Camilo Lara. En ambos casos se trata de experimentos sonoros que no por ser bailables dejan de asumir una cuota de riesgo.

El setlist de la banda, en este tiempo, prefiere revisitar Antics antes que TOBL para tomar distancia de la reciente gira aniversario de este trabajo, tal vez repitan esta modalidad cuando nos visiten por cuarta vez en 2019.

Interpol se presentará en vivo en el festival Lollapalooza el 29 de marzo en el Hipódromo de San Isidro y el 28 de marzo en el Teatro Vorterix como parte de los sideshows del Lollapalooza.

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Mirar el presente a través de los Smiths

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Independientemente de sus vaivenes estéticos a lo largo de la segunda mitad del siglo XX y de los grandes beneficios que les proporcionó a productores, managers y demás actores ligados a la industria discográfica, para quienes la música rock es magistra vitae, la concebimos de una forma más profunda. Porque ha sido la manifestación irreductible de la juventud ante un mundo que los desdeñó en diversos sentidos. Porque nuestras vidas están atravesadas por sus letras, sus melodías, sus imágenes, que nos brindaron los instrumentos para subjetivarnos e interpretar el mundo en el que vivimos.

Resultado de imagen para the smithsA pesar de la obsesión con el pasado que, según Simon Reynolds en Retromanía, es la característica principal de la cultura pop actual, probablemente sean los Smiths uno de los grupos más emblemáticos de la historia de la música rock. Si nos alejamos de las miradas nostálgicas, podemos ver que la coyuntura política y cultural de nuestros días está perforada por las consecuencias de procedimientos políticos e ideológicos que irrumpieron hacia finales de los años ‘70 y durante los ’80: violencia en las calles, precariedad laboral, criminalización de la pobreza, marginalidad social. Son los pálidos colores de un cuadro cada vez más deteriorado y oscuro, un cuadro que supieron apreciar muy bien Morrissey y Johnny Marr, entre otros.

La crisis sistémica que hizo tambalear al capitalismo en los años ’70 decantó en un viraje ideológico que promovió los aspectos más conservadores y ortodoxos del liberalismo (conocido también como «neoliberalismo»). A partir de entonces, los gobiernos que asumieron el poder en las principales potencias occidentales pusieron en marcha profundas reformas con el fin de liquidar el Estado de Bienestar y sus programas sociales. El objetivo era reducir el gasto público y, con él, al Estado a su mínima expresión.

Margaret Thatcher, quien ejerció como primera ministra del Reino Unido entre 1979 y 1990, fue uno de los exponentes más destacados del nuevo orden neoliberal. Sus férreas políticas conservadoras y su tenacidad policial en la implementación de políticas de austeridad, persecución de minorías, privatizaciones y flexibilización laboral le valieron el mote de «Dama de Hierro». En ese decadente contexto posindustrial brotó la música de los Smiths: a medida que se descomponía el paisaje de fábricas y obreros en Manchester, la herencia de los años ’60 y la vitalidad juvenil se establecieron como un amparo cultural.

La barbarie comienza en casa

Ser joven y de clase obrera eran motivos suficientes para estar en las antípodas del «thatcherismo». La irreverencia hacia las buenas costumbres británicas, hacia una doble moral en la que se escondían las miserias de los conservadores y la familia real, se plasmaron en los Smiths en una estética provocadora que no escatimaba en irónicas denuncias, polémicos bailes y una sexualidad dudosa por parte de Morrissey. Sin dudas, encarnaban el asco y el desprecio de un importante sector de la juventud perteneciente a una Inglaterra trabajadora y abatida frente al nacionalismo chauvinista, la pobreza planificada, la guerra y la represión.

No obstante, durante aquellos duros años, los jóvenes ingleses de clase obrera fueron moldeando las nuevas estéticas que terminaron predominando en el decenio siguiente con el barro extraído de las ruinas de un pasado más amable. El movimiento punk efectivamente retrocedió ante la arremetida conservadora, pero la chispa de la autenticidad, esa que supieron mantener con vida cuando el cielo se cubrió de incertidumbre, cobró fuerzas nuevamente con los Smiths a partir de una nueva estética que no perdió su contenido rebelde y contestatario.


Mirar el presente por la hendija del pasado

La obra de los Smiths nos interpela directamente. Hablar de su música es, sin dudas, recordar un momento glorioso de la historia del rock. Pero también es hablar de muchos tópicos todavía peliagudos, que se establecieron con el surgimiento de un orden mundial que hoy pareciera descascararse: guerra, represión, desigualdad, injusticia, consumismo, conformismo, veganismo, celibato, homosexualidad, crítica social, moral y política, sátira, y un largo etcétera. Pero una obra de arte no se agota en el debate, sino que, por el contrario, se prolonga: no podemos interpretar a los Smiths sin dejar de reflexionar acerca del mundo actual.

Tal y como señala Fruela Fernández en la introducción de The Smiths: música, política y deseo, cuando Johnny Marr le “prohibió” públicamente al entonces primer ministro británico, David Cameron, en 2010, que continuara manifestando su admiración por la banda, el guitarrista expresaba esa misma convicción: al omitir las condiciones históricas de producción de una obra, posiblemente caigamos en la banalización, no la comprendamos en su totalidad y la reduzcamos a una mera mercancía de consumo cotidiano. La nostalgia acrítica no es sino la negación de la política, es aquello que despoja a una obra de arte de su capacidad de intervenir en el presente.

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