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5 versiones originales cuyos covers fueron más populares

La historia detrás de algunos covers que llegaron a ser más virales que su versión original.

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A veces el momento histórico, el marketing, la popularidad de la banda o, simplemente, una mejor versión, hacen que una canción sea más reconocida por su cover que por su original.

Te mostramos cinco ejemplos y un poco de su historia, para que elijas la mejor versión según tu oído.

“Twist and Shout”

The Top Notes (1961) vs The Isley Brothers (1962) vs The Beatles (1963)

La canción original, fue llamada “Shake It Up, Baby” y la compusieron Phil Medley y Bert Russell para la banda estadounidense ‘The Top Notes’.

The Isley Brother decidió tomarla, y crear su propia versión, producida por Bert Russell quien decidió realizar algunos cambios. Le reemplazaron el nombre a “Twist and Shout” e interfirieron en el ritmo. Esta version llego al puesto 17 de los Top 40 de pop y Nro. 2 en los charts de R&B.

Luego, The Beatles llevaron a este tema al oído del mundo, creando la versión más conocida. Incluyeron el track en su álbum debut “Please Please me”, producido por George Martin. Lennon dejó todo para versionar este tema, y es conocido como uno de sus mayores desafíos vocales.

“The Man who sold the world”

David Bowie (1970) vs. Nirvana (1994)

El tercer álbum de estudio de David Bowie llamado “The man who sold the world” fue emitido en 1970 y trae la canción homónima en el track 4 del lado B. El disco, en su edición inglesa, lleva en la tapa una fotografía tomada por Keith MacMillan, donde se muestra al revolucionario británico posando en un vestido largo sobre un diván. Lo que el mundo no sabía, es que este sería el comienzo de su andrógina apariencia y el inicio de su banda-complemento “The Spiders from Mars” con quienes más adelante componen “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars”.

Por otro lado, Kurt Cobain, quien en varias entrevistas dijo ser un admirador de Bowie, hizo una nueva versión de este tema junto a Nirvana en 1993 para MTV Unplugged, poco antes de su muerte. Esta canción fue lanzada en 1994 en el disco “MTV Unplugged in New York”. En el auge del grunge, la muerte de Cobain y este como su último álbum en vivo, antes de su suicidio, la versión de Nirvana llegó a ser más conocida por las nuevas generaciones que la original del andrógino inglés.

“Hey Joe”

The Leaves (1966) vs Jimi Hendrix (1966)

Este clásico del rock, fue interpretado por numerosos artistas en diversos estilos. Su autoría fue discutida y disputada por muchas artistas. Sin embargo, los derechos fueron atribuidos como único autor a Billy Roberts.

En 1965 se realizó la primer grabación del tema por The Leaves, quienes llevaron esta canción al éxito y popularidad inicial. En 1966, Jimi Hendrix sin fama ni discos, realizó un cover y con sus mágicas manos en la guitarra marcaría la historia. Dando inicio a su carrera musical, esta fue la canción usada como apertura de su álbum debut “Are You Experienced?” lanzado el 23 de octubre de 1966.

“Knockin’ on heaven’s Door”

Bob Dylan (1973) vs Guns n’ Roses (1987)

La canción de cuatro acordes, que demuestra que lo simple también puede ser espléndido, fue escrita por Bob Dylan para la banda sonora de la película “Pat Garrett and Billy the Kid” en 1973. Fue lanzada como single y llegó al No. 12 en el Billboard Hot 100.

Tuvo covers de U2, Grateful Dead, Lana del Rey, entre muchos otros. Sin embargo los más reconocidos son los de Eric Clapton que lleva un estilo que se acerca a lo reggae y la de los Guns N’ Roses, con Slash en la guitarra y la voz de Axl Rose, que lleva una impronta más rockera propia de la banda.

Los Guns N’ Roses realizaron en 1987 su primer cover y luego la incluyeron en su álbum “Use Your Illusion II” posicionando esta canción en el número No. 2 del UK Singles Chart.

“Dazed and Confused”

Jake Holmes (1967) vs Led Zeppelin (1969)

Jake Holmes, cantante de folk, fue el autor original de esta canción en su disco debut “The Above Ground Sound” de 1967. Su original, incluye teclados, bajo y guitarra, pero no batería.

Lo cierto es que quienes la llevaron al éxito fue Led Zeppelin, con su versión más pesada, la exótica voz de Robert Plant gritando su marca registrada “Baby, baby”  para que no haya dudas y la guitarra de Jimmy Page a puro rock.

El primer cover fue realizado Page en The Yardbirds (banda anterior a Led Zeppelin) en 1968, para luego ser interpretada con Zeppelin quienes la incluyeron en su álbum debut. Page, utilizo una técnica tan peculiar como propia de su talento, donde en uno de los solos de guitarra toca las cuerdas con un arco de violín.

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Especiales

El mundo antes del rock

¿Qué escuchaban los adolescentes antes del nacimiento del rock? ¿Quiénes eran los principales exponentes de la música popular y comercial? ¿Qué significaba escuchar música? A continuación, revisamos algunas cuestiones que nos dará la pauta de por qué la irrupción del rock and roll en los años ’50 significó un terremoto que agrietó la rígida moral de los adultos, sacudió los cuerpos y las mentes juveniles, y derrumbó ciertos estereotipos de la sociedad estadounidense.

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Sin lugar a duda, Frank Sinatra, apodado “la Voz”, fue uno de los máximos exponentes de la música popular anterior a la irrupción de rock and roll, cuya mayor virtud descansaba en su capacidad interpretativa para transmitir las emociones y sentimientos implícitos en las letras de las canciones. Letras que aludían constantemente a emociones, formas de pensar y de sentir fuertemente vinculadas con una moral conservadora y protestante bien cuidada, que establecía rigurosamente las pautas de conducta que regían una sociedad basada en los mandatos del capitalismo industrial y el patriarcado.

En un país en plena expansión económica, con altos niveles de represión y censura estatal producto de la paranoia que causaba la amenaza soviética, y una profunda segregación racial alentada por la opulencia de la clase media blanca, los hijos fueron criados necesariamente en esos valores hasta alcanzar la madurez y poder vestir los pantalones largos.

Eddie Howard alcanzó el puesto número 1 de los charts norteamericanos en noviembre y diciembre de 1951 con su canción titulada “Pecado”. Si atendemos a la letra (“quitar el aliento de las flores seguramente sería un pecado, tomar duchas de la lluvia de abril es un pecado […] ¿es un pecado amarte tanto, para abrazarte fuerte y saber que estás cerca de mí?”) se puede identificar con facilidad, una concepción del pecado muy distinta a las que brotaron posteriormente a través del rock. El sesgo conservador y protestante en la música popular era tan profundo como sutil. Esos valores morales sirvieron de sostén al American dream, reflejado en la relación entre las señales providenciales y el éxito individual.

El disciplinamiento social, sin embargo, no solamente se construyó de abajo hacia arriba, sino también desde el Estado y los medios de comunicación masiva. Era descabellado encontrar algún atisbo de rebeldía, de transgresión en las letras de la música comercial de los años cincuenta. En efecto, el surgimiento del rock and roll quebró la paradoja plasmada en la incongruencia entre la solemnidad y complacencia transmitida por esa música y los altos niveles de histeria colectiva que imperaban en la sociedad como consecuencia de la tensión creciente con la Unión Soviética (que alcanzó momentos críticos de amenaza nuclear), inflamada por la prensa y la propaganda oficial. En ese sentido, el senador Joseph McCarthy desencadenó una caza de brujas sobre la base de un extendido proceso de acusaciones infundadas, denuncias, procesos irregulares y confección de listas negras contra personas sospechadas de ser comunistas.

La prosperidad económica que atravesaron los Estados Unidos durante la década del ‘50 le permitió acomodarse como potencia hegemónica al final de la Segunda Guerra Mundial. Dentro de una serie de pactos firmados por los países occidentales, el más destacado fue el Plan Marshall, un programa creado en 1947 destinado a promover y financiar una recuperación económica rápida y sostenida de una Europa devastada por la guerra y, a su vez, contener el avance del comunismo.

Ese proceso de expansión económica, apuntalado por la intervención del Estado, permitió una ampliación del acceso al consumo para las clases populares, mayores niveles de confort y mejores condiciones de vida. En ese contexto crecieron los jóvenes que posteriormente fueron atravesados por el fenómeno del rock and roll, que pudieron adquirir discos y otras señales culturales propias que les permitieron diferenciarse de sus padres.

Pero antes de que eso suceda, de que los jóvenes comiencen a interpretar que están viviendo una etapa de su vida en la cual han dejado de ser niños, pero que decididamente no son (ni quieren ser) adultos a través de la escucha y el baile de la música rock, esta música comercial en la cual se destacaron los crooners, se escuchaba en familia. Es decir, que la música comercial, independientemente de apelar a la emotividad y al fortalecimiento de una sensibilidad acorde a las pautas de conducta, alentaba la observación de los valores morales a través de la escucha en familia: Padres e hijos se sentaban alrededor de la radio a compartir un momento íntimo escuchando estos artistas.

Efectivamente, la irrupción del rock and roll significó el derrumbe de una serie de costumbres tradicionales que no resistieron la modernización que se avecinó en las distintas esferas de la vida cotidiana, y en ese sentido, revolucionó la forma de escuchar música por parte de una juventud que comenzaba a subjetivarse y a identificarse en clave etaria.

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The Struts: el revival del glam rock

La banda ha llegado a telonear a The Rolling Stones y The Who.

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Una banda que trae el rock de los 80´ a la escena musical actual. Con influencias como Aerosmith, Queen, Led Zeppelin y AC/DC, The Struts inyecta desde el momento en suenan en Spotify una dosis de energía ganadora que emula momentos de victoria. Lejos del rock depresivo, del grunge y del bajón, esta banda se describe a sí misma en sus propias canciones, como en “Could Have Been Me”, donde enarbolan la bandera de rockstars por excelencia y transmiten que no van a dejan pasar la vida sin vivirla al máximo.

Al haber estado en contacto con el arte desde chicos estos cuatro jóvenes originarios de Derbyshire se fueron desarrollando como artistas hasta llegar a telonear en 2014 a los mismísimos Rolling Stones o a The Who, y ser calificados como los sucesores de sus majestades satánicas y Freddie Mercury.

Al día de la fecha tienen dos álbumes en el mercado, han participado de un Victoria´s Secret Fashion Show e hicieron una divertida colaboración con la cantante pop californiana Kesha, en formato single y video, en el que sobran glitter, baile y desenfreno, además de ser el soundtrack de varias publicidades de nuestro país.

Si bien aun no han pisado la Argentina, nuestras puertas están abiertas y nuestros corazones expectantes para que nos llenen de ese glamour ganador que sólo ellos tienen.

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Cómo es la experiencia de Parlantes Holofónicos

Un invento argentino que propone música en la oscuridad y supera todo lo conocido en el mundo del sonido.

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Utilizando descubrimientos en física y percepción sonora, Hugo Zuccarelli aprendió a manipular el cerebro humano, primero con la Holofonia, en 1980, y después con la invención del Parlante Holofonico Tm.

Mientras el mundo se ocupaba de crear costosos sistemas de reproducción multicanal y reproductores con cada vez menos distorsión, Parlantes Holofónicos apuntó a descubrir los misterios del porque un sonido es percibido en el espacio y de qué manera una voz es reconocida entre tantas otras.
Una vez completado el desarrollo de la técnica de grabación Holográfica conocida como Holophonics Tm, y utilizada por gigantes del entretenimiento, como Pink Floyd, Roger Waters, Michael Jackson etc. Zuccarelli tuvo que abordar el problema de las grandes distorsiones provocadas por los sistemas de altoparlantes tradicionales para lograr el EFECTO tridimensional de la Holofonia TM en una sala de cine, sin necesidad de auriculares para la audiencia.
Obviamente las distorsiones generadas por los parlantes convencionales estaban disfrazadas con alegorías de carácter místico, y algunas veces con decepciones tramposas, que hacían del AUDIO una disciplina poco confiable y peligrosamente empapada de caracteres políticos. En definitiva las tendencias del audio sufrían de los atavismos de las modas y las religiones, sin que se lograra consenso entre lo veraz y lo folclórico.
Zuccarelli entendió que las señales guardadas en las grabaciones Holofonics Tm solo podían ser percibidas si los altavoces no introducían distorsiones que arruinaran la información COGNITIVA que las hacia espaciales. Por lo tanto se dedico a construir sistemas de sonido cada vez mas perfectos y finalmente logro la perfección cuando el efecto Holofonico Tm pudo ser percibido por una gran audiencia.
La primera presentación oficial fue para la NASA, que contrató a Zuccarelli, pera una demostración de Holofonia para varios ingenieros que se negaban a utilizar auriculares.
Luego de ser bautizados como los mejores altoparlantes del mundo por la NASA, Zuccarelli comprendió que lo que permitía transmitir sin distorsiones el mensaje tridimensional de la Holofonia Tm, también podría reproducir la Música de un disco convencional de una manera única.
Sumados al silencio  y a la oscuridad de una sala en un segundo subsuelo, la percepción de la música reproducida por los parlantes Holofónicos Tm de 5 metros de altura y una potencia acústica tremenda, logran atraer la atención de expertos aficionados y amantes de la música que se convocan para lograr una escucha ÚNICA de las bandas favoritas con la sensación VISCERAL de estar en un recinto donde el artista está presente.

El proyecto de música en la oscuridad con Parlantes Holofónicos TM comenzó hace 8 años. Estuvieron en  diversos lugares siempre en en la zona de microcentro. Hoy en día podes encontrar este show único en el mundo en el Auditorio Kraft: Florida 681 2do Subsuelo, C.A.B.A.

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