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10 años de Concepto Cero: un modelo asociativo que potencia la música

El sello que sostiene una visión colaborativa del sector festejó su primera década y hablamos con el directo Nicolas Madoery sobre la actualidad y desafíos de la industria musical.

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Desde mediados de la década del 90 hasta la actualidad la incorporación de las TIC en el ámbito digital ha generado a nivel mundial un fuerte impacto en la industria discográfica que abarca todas las etapas del proceso productivo a partir de la incorporación de nuevas formas de producción de contenido artístico, cambios en los formatos de distribución, y una gran diversificación en los consumos culturales. Hoy en día si bien las plataformas digitales pueden predecir gustos y de alguna manera condicionar  la experiencia, la música sigue siendo una forma de comunicación que se sostiene sobre los procesos de socialización y el vínculo con un otro.

En este marco nació hace exactamente 10 años en la ciudad de La Plata el sello discográfico Concepto Cero, una plataforma de desarrollo de artistas y contenidos para la industria, que acorde a las exigencias actuales propone “una nueva manera de vincularse y de hacer las cosas en la industria musical”. El proyecto dirigido por Nicolás Madoery y co-dirigido por  Ángel Del Re es parte de la empresa de música 432 Hertzios, y no se limita a pensar en la mera edición de discos o la producción de shows, sino que “plantea una estructura orgánica, flexible y diversificada, con nuevas líneas de negocios que atañen a la sincronización, el branding y el desarrollo multimedia”.

432 se divide en tres parte: una primera que tiene que ver con el desarrollo integral de proyectos, donde se realizan asesorías. Nicolás lo define como una suerte de “terapia artística” donde el artista plantea un problema o situación a resolver y se arma un plan; por otro lado un área directamente ligada a la producción de contenidos, y ahí entra a jugar Concepto Cero; y existe un tercer sector que se dedica a crear procesos de profesionalización de la industria.

“Hablar de sello discográfico hoy es como hablar de un modelo de Industria anterior, entonces es medio arbitraria la definición – cuenta Nicolás desde la oficina que tiene el sello en el barrio de Villa Crespo – nuestra visión particular tiene que ver con el armado de estrategias, pero sobre todo porque no somos un sello que los artistas buscan para hacer sus CD’s. Lejos de eso lo que buscamos es generar vínculos orgánicos que a nosotros nos sirvan y nos potencien, que sean sanos para desarrollar los proyectos juntos”.

A partir de una mirada colaborativa, eligen trabajar con proyectos que representen valores estéticos, políticos y culturales afines: nuevo sonido latinoamericano con una impronta local alejada de ritualismos, poses y estereotipos”. El director confiesa que en general los artistas no los buscan sino que los contactos se generan de forma orgánica: son proyectos en los que se viene dando una sinergia por algún motivo particular, porque nos juntamos y nos damos cuenta que hacemos como match, y se piensa hacia dónde ir”.

Algunos de los artistas de su catálogo son Shaman y Los Pilares de la Creación, Faauna, Sr Tomate, El Perrodiablo, Excursiones Polares, Damián Anache, Diego Martez, Soft Tot, Lucy Patané & Marina FagesSol del Rio,  Pommez Internacional,  Märiana Paraway, y la reciente incorporación de Proyecto Gomez Casa . Además el sello está trabajando en el booking de las artistas chilenas Camila Moreno y Francisca Valenzuela, y en la distribución digital de la obra de Juana Molina. 

“Cuando empezamos un trabajo partimos siempre de la misma pregunta: cómo hacemos desde las herramientas que tenemos para que la música llegue lo más lejos posible – explica Nicolás- Lo más importante de nuestro aporte es que es súper personalizado y hace que se vea la diferencia. Lo interesante de este momento es que uno como artista puede hacerse cargo de la mayoría de las acciones, entonces nosotros tenemos que aportar un valor agregado. Todas las herramientas están a disposición, lo que ofrecemos  y los músicos eligen es una visión, una estética, un modelo asociativo que nos potencia”.

Básicamente se trabaja desde el armado de la estrategia de comunicación digital para potenciar los contenidos y generar un sustento o una lógica que le sirva a los intérpretes para fortalecer lo que ellos ya tienen. No hay magia ni fórmulas inalcanzables. “Tiene que que ver con cómo nosotros pensamos la música, y con que queremos trabajar con un sector de la música que nos cope, y no es el sector que puede llegar a cagar a otro músico o sacar ventaja”.

Desde el proyecto identifican que el mayor problema de la industria es la falta de profesionalización y hacen un diagnóstico particular de la situación de Argentina a partir de la preponderancia que se le dio históricamente a la pata analógica que ha sido muchas veces una barrera. “En cambio Chile, México, o Colombia, que no tenían una industria discográfica tan desarrollada entendieron mucho antes el valor de lo digital como herramienta y eso los hizo crecer mucho”.

A la pregunta sobre la posibilidad de crecimiento de un proyecto cultural, y usando la experiencia del sello en esta década como referencia, Nicolás reflexiona que el gran debate es cómo lograr la independencia y crecer: “el éxito hoy es la supervivencia”.  “Acá en Buenos Aires, pese a todo lo que pasa con el contexto socio económico, estamos inmersos en una escena que puede bajar, pero nunca deja de moverse. En general no es lo que pasa en todo del país. Por eso la búsqueda que nosotros hacemos es hacia afuera. Desde acá bancamos y apoyamos todo lo que se pueda sin dejar de hacer cosas. Lo que nos sostiene es buscar la reconfiguración de nuestro proyecto para seguir trabajando y impulsar lo que creemos que esta bueno”, sostiene.

En Concepto Cero se proponen: “encontrar el equilibrio entre el trabajo, los valores, las cosas que queremos y con quiénes trabajamos”. En ese sentido además del trabajo programático proponen cruces artísticos y experiencias colaborativas con artistas y productores de Latinoamérica, y participan en la elaboración de informes sobre la situación de la música independiente. “La música no puede estar aislada de lo que pasa. Desde el sello tenemos que decir qué entendemos y qu;e esta pasando desde nuestro lugar en la música”.  Con una mirada estratégica y de trabajo a largo plazo forman parte de A.S.I.A.R (la asociación de sellos independientes de argentina), y desde 2018 con 432 Hertzios trabajan de forma mancomunada con Bristish Council a través del Selector PRO, programa de formación para la profesionalización de la industria de la música independiente.

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Sibot: “la gente quiere proyectos auténticos y con peso propio”

Africa Express, el proyecto de música colaborativo que lidera Damon Albarn, lanzará su nuevo álbum el 12 de julio y conversamos con Sibot, uno de los nuevos integrantes.

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Desde sus inicios, hace más de 15 años, Africa Express ha funcionado como un proyecto colaborativo sin fines de lucro que mezcla sonidos y técnicas musicales de las culturas Occidental,  Oriental y Africana. El colectivo formado por artistas sudafricanos, liderado por Damon Albarn, vocalista de Blur y Gorillaz,  lanzará su próximo álbum, “EGOLI”, el próximo 12 de Julio a través de Africa Express Records, y en la previa conversamos con Sibot, uno de los colaboradores.

Como anticipo del larga duración, hace unos meses publicaron un EP denominado “MOLO”  que significa “hola” en xhosa, una lengua sudafricana. El nuevo material fue grabado por completo en Johannesburgo y cuenta con la participación de músicos como Gruff Rhys, Nick Zinner (de los Yeah Yeah Yeahs), Ghetts, Mr Jukes, Sibot, Blk Jks, Infamous Boiz, Morena Leraba Phuzekhemisi. Justamente por eso se caracteriza por la diversidad del sonido y la combinación de géneros.

Muchos artistas y bandas tratan de dar mensajes sobre respeto a la diversidad y multiculturalismo, pero ustedes lo llevan a un nivel performático: ustedes son el mensaje que dan. ¿Cuáles son las ventajas de trabajar con personas de diferentes orígenes y culturas?¿Qué aporta eso al proceso de creación?

Yo estoy todo el tiempo tratando de aprender y descubrir nuevos lugares y culturas, así que trabajar con personas de distintos orígenes ha sido muy importante y fácil. Si sos abierto y respetuoso siempre podrás ingresar en una colaboración cómodamente, y si los demás artistas son iguales se genera un caldo de cultivo creativo igualmente adecuado. No es algo que se puede forzar o empujar.

El nuevo álbum de Africa Express, EGOLI, que sale a las calles el próximo 12 de Julio, se grabó en el medio de un viaje de una semana. ¿Cómo viviste la experiencia de grabar el disco de esa manera?¿Se sintió muy diferente a un estudio?

Grabar en siete días con tanta gente es bastante complicado y totalmente diferente a hacerlo en un proceso normal. Tengo la sensación de que todos los que han participado del proyecto estaban listos para hacerlo, y pusieron lo mejor para avanzar y plasmar todo su arte y lo que son en esa semana de trabajo. Teniendo eso en cuenta, aquellos con la actitud correcta y ética de trabajo acorde tuvieron muchísimo trabajo. Esto es una muestra de que con la gente y las actitudes correctas se puede lograr un disco increíble en solo siete días.

Los sonidos sudafricanos están plasmados en las obras. ¿De dónde se inspiraron? ¿Cómo fue proceso creativo?

Si creces en Sudáfrica es difícil no estar inconscientemente influenciado por la música  local desde la infancia. Mis mayores influencias sudafricanas son Kwaito y el Afro pop, de la era del Bubblegum de los 80’s. Lo que suena sudafricano en mi música es la cadencia y el Groove, y me salen de adentro. En cuanto a lo que enriquece, suelo mucho probar y maquetear para crear nuevas cosas, y no producir sobre la mezcla.

Ser parte de un proyecto colaborativo implica un ejercicio constante de aprendizaje de los demás, desde la empatía y la real conexión que luego se plasman en la música .¿Cómo fue esa experiencia? 

Eso es una lección muy importante. Hasta el artista con la mayor empatía suele moverse con mucho cuidado tratando de entender lo que piensan los demás. Esto es muy bueno al principio, pero cuando se rompen el hielo y las formalidades, y los artistas pierden el miedo a probar cosas nuevas, la magia sucede. Como productor trato de hacer todo para lograr crear un ambiente donde todos la pasen bien, pueden hacerse bromas y ser libres entre todos.

Así como Africa Express, existen otras formas de producir música que no responden directamente a las demandas del mercado y son muy exitosas. ¿Pensás que la industria de la música da lugar a este tipo de proyectos? Crees que va en ese camino?

La industria también trabaja en las profundidades y construye sobre las fisuras. Lo bueno es que ahora los artistas pueden hablarle directamente a la audiencia mucho más fácil. La gente quiere proyectos auténticos y con peso propio que cada vez van a tener mayor éxito, y la industria tendrá que acomodarse o quedará a un lado.

¿Tienen planeado salir de gira para presentar el álbum nuevo?

Yo hice un show en Londres donde pude tocar mi canción favorita del disco. Fue muy especial y el público los sintió. Creo que sienten la sinceridad y espontaneidad de la colaboración. Me siento parte de la familia de Africa Express y voy a sumarme siempre que tenga la oportunidad de pasar tiempo con estas personas increíbles.

¿Cómo fue trabajar con Damon Albarn y qué le aporta su experiencia al proyecto?

Damon es una persona intimidante por todo lo que ha creado, pero una vez que lo conoces bien te das cuenta que es muy amable y divertido. Transmite mucha seguridad musicalmente y siempre esta dispuesto a probar cosas nuevas. La libertad de poder colaborar genera un espacio libre para crear música, y en ese marco es muy fácil y cómodo trabajar con él. Conectamos mucho durante toda la grabación y hemos creado una suerte de hermandad que durará para siempre, al igual que lo hice con mis otros compañeros de proyecto.

 

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Pyramides: “Jamás pondríamos ni un gramo de esfuerzo en mantener algo del pasado”

Pyramides está presentando su nuevo single, Propaganda. De esto y sobre cómo crecer como banda en el circuito independiente, hablamos con los hermanos Romeo.

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Pyramides viene creciendo. Desde que comenzaron a tocar luego de la salida de EP, su primer trabajo discográfico, pasaron de ser los “Joy Division en castellano” a conquistar nuevos públicos y lugares. Facundo y Alonso Romeo se prepara para la presentación de Propaganda, su último single, en la La Tangente, junto a la banda rosarina Mi Nave que dará su último show. “Para nosotros es muy especial compartir la última fecha de Mi Nave, después de todas las veces que tocamos juntos, en Rosario, es una banda que nos encanta”, nos confirma Alonso.

 

Muchas veces, los shows apertura de artistas internacionales son ignorados por público y periodismo, no fue el caso de Pyramides que dio un salto en notoriedad al abrir el show que dio el año pasado la banda norteamericana The Drums en Niceto.

Alonso Romeo: Para Drums veníamos tocando hace varios meses, ensayando, girando y eso es algo que noto mucho en la banda, que cuando nos toca de tocar y tocar es una explosión más potente, cuando no ensayamos por dos semanas me pasa a mí particularmente que me siento más oxidado. Es lo que pasó esa vez, además de que las fechas en Niceto siempre, como es un lugar grande y con un sonido zarpado, es muy movilizante a nivel interno.

Facundo Romeo: A fin de año vino el tercer Niceto que fue nuestro y que abrió Temporada de Tormentas y después presentamos Futuro Ausencia. Fue todo preparación, el primer Niceto Lado A donde no tocábamos primeros, después The Drums, que fue el pico de gente que nos vio, y después fue hacer el nuestro.

 

¿Notan un crecimiento?

FR: Hay una evolución pero es muy jodido ponerte a comparar porque siempre estamos tratando de ir para adelante, entonces siempre estamos a prueba, vamos a hacer esto y cuando lo hacemos bien, vamos a hacer otra cosa, siempre estás trastabillando un poco porque estás intentando algo nuevo y tratamos de no repetirnos. A mí me pasa muchísimo con los temas de Vacíos y Variables (2017) que las guitarras las toco de taquito, para las de Futuro Ausencia (2018) me tengo que concentrar muchísimo más porque las guitarras son más complicadas y los que vienen ahora que están por salir, los toco de otra manera, los canto de otra manera, entonces personalmente siempre me está costando un poco más, pero cuando viene otra cosa nueva lo de atrás cuesta un poco menos. Eso es evolucionar.

AR: Siempre está bueno tener un feedback caluroso de la gente que dice “estuvo buenísimo, la pasé súper”, nos vienen a compartir sus emociones, lo que transmitió Pyramides en vivo y es algo que te motiva a trabajar, algo lindo está saliendo que la gente se acerca y dice “me flasheó”. Es lo más gratificante que tiene esto de tocar.

FR: Creo que se debe primero a los productores con los que trabajamos que siempre hacen un sonido más escuchable, el EP (Pyramides, 2014) no es tan fácil de escuchar si no tenés un oído que ya vino escuchando Los Pillos, Los Encargados, esas bandas, el EP atrajo gente que tiene el oído más entrenado a nivel musical y que entiende que no hace falta sonar “bien” o que tenga un estribillo pegadizo. En Vacíos y Variables cambió completamente eso. Ignacio del Castillo hizo un trabajo para que el disco sea escuchable, lo puede escuchar mi abuela. Nosotros en vivo ponemos distorsión, Nacho sacó toda la distorsión del disco. Para Futuro Ausencia le torcimos más el brazo y se pudo hace un poco más oscuro y ahora Propaganda está trabajada de una manera mucho más oscura.

 

¿Cómo fue el cambio de sonido desde la aspereza del EP hasta los sintetizadores de Propaganda?

FR: El estilo del EP quedó re atrás, no me interesa volver a ese sonido. Yo creo que está bueno ir contando lo que va pasando a nivel sentimental o emocional. Lo que me pasó en la época del EP era algo mucho más oscuro y caótico. Futuro Ausencia fue un reciclaje de temas viejos en maquetas que dijimos “vamos a darle una forma nueva”, pero aún así no se volvió atrás. Jamás pondría ni un gramo de esfuerzo en tratar de mantener algo que haya estado en el pasado porque si se va es porque algo mejor viene para reemplazarlo.

 

En los primeros shows de la banda había un sonido que podría prescindir de los teclados y hoy ya no.

FR: Estamos acariciando un sonido Depeche Mode, The Cure, y antes era un sonido más Joy Division, Wire, me encanta, en vivo lo hacemos, pero a nivel composición y producción creo que estamos acariciando más el lado ochentoso suave o radial… fue sin querer, eh! Jamás me pondría a decir “quiero hacer un tema así”, pero es lo que está saliendo y lo que vemos hacia futuro.

 

¿Facundo, componés todos los temas?

FR: Si, hago una maqueta, grabo las voces y se las paso (a la banda). Después vamos a la sala, lo escuchamos, lo sacamos y lo tocamos. Luego viene el productor, hacemos la pre-producción, nos metemos a grabar al estudio y después sale.

¿Cuanto cambia esto que armás en tu casa cuando pasa a la banda, al productor?

FR: Cambio infinito. Propaganda se llamaba “Palabra fría” antes y todas las guitarras que yo decía que iban para el tema no quedó ninguna. Y me di cuanta de que no quedaron cuando ya salió el tema. No hubo necesidad de hacerlas y eso está bueno.

AR: El EP serían las maquetas, por así decirlo, ese sonido crudo 100% Facundo y ya Vacíos y Variables y lo que siguió es con producción y toda la banda.

FR: Muchas veces Alo o Andy me dicen “no, que quede esa energía” y yo les digo “que esa energía se vaya a la mierda, quiero algo nuevo, que lo cambien todo”. Me encanta tener una idea y que sea manipulada por una persona en la que yo confíe, en este caso el productor. 

 

¿Qué tanto se pueden dedicar a la banda teniendo otros trabajos para subsistir?

FR: Una frase que digo es que no podés quedarte dormido para un ensayo de Pyramides, tenés que quedarte dormido porque ensayaste con Pyramides. Todo lo que hagas después de Pyramides que sufra las consecuencias de haberte dedicado a Pyramides, pero que Pyramides no sufra las consecuencias de haberte dedicado a otra cosa. Sea lo que sea, si pasa algo importante, siempre vamos a cambiar los planes que sean para hacer lo que tengamos que hacer con la banda, sea unas fotos, sea una nota, cualquier cosa. Estamos trabajando todo el tiempo para esto y sabemos que sin todos tirando para adelante con todas nuestras fuerzas, las cosas no pasan. También es una alimentación constante entre colegas y amigos, otras bandas, Atrás Hay Truenos, los Riel, Césped, estamos todos tratando de ir para adelante porque se cae todo a pedazos y hay que seguir.

AR: Nos gusta compartir con colegas que nos llevemos bien, que compartamos valores, que podamos crecer.

FR: Está bueno sorprenderse a uno mismo, empezar a crear y decir: vamos a proponer que escuchen esto. Cuando estaba por salir Propaganda hay días que me despertaba y pensaba: “esto no le va a gustar a nadie, no tiene nada que ver con lo qué veníamos haciendo.” Otro día me despertaba y decía “esto está buenísimo, la rompe mal”. Ya estamos en un lugar donde podés proponer de una manera que prestan atención a lo que estás diciendo. Con toda la humildad del mundo está bueno saber reconocer que en un momento estabas a prueba, en otro te bancaste el campeonato y una vez que te la bancaste decir: hay que volver a jugar. Me parece interesante tratar de sorprendernos a nosotros mismos con lo que podemos hacer con Pyramides.

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¿Creen que podrían eventualmente llegar a dedicarse solamente a la banda?

AR: Creemos que hay posibilidades de dedicarnos solamente a la banda porque hay gente que lo hace y si pasa vamos a grabar de día y tocar de noche.

FR: Vamos a sacar un nuevo disco: principios del año que viene o el otro, antes viene otro single. Mientras, vamos a tocar y girar y haríamos las dos cosas juntas si no tuviéramos que trabajar. Está bueno para mí, que tengo una visión romántica de esas cosas, que cueste porque cuando tocás el cielo y la gente canta los temas, está buenísimo lo que sentís porque sabés el esfuerzo que conllevó. Por que verdaderamente es difícil.

 

Pyramides presenta Propaganda el sábado 22 de junio en La Tangente (Honduras 5317, Palermo) a las 23:59 horas, junto a Mi Nave (Rosario) y DJ Nauert Ugazio.

Entradas por Ticket Hoy. 

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Benito Cerati: “Yo nací con el Britpop”

En una entrevista exclusiva con el director de Ultrabrit, Gustavo Giorgi, el músico habló de su familia, las vivencias prematuras en estudios de grabación, sus influencias musicales, la carrera autogestionada con Zero Kill y la exposición.

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Benito es el hijo primogénito de Gustavo Cerati y Cecilia Amenábar. Si bien su documento indica que llegó a este mundo el 26 de noviembre de 1993 en Santiago de Chile, se define a sí mismo como “un ciudadano del mundo”, característica que adquirió al haber nacido en un país y vivir en otro. Sobre sus primeras memorias relata que desde muy chico se conecta con la música, no solo por el bagaje familiar, sino por su sensibilidad especial: “recuerdo que a mí el sonido me movía mucho. Todo lo que es sonido me atrapa, es por donde más me entra la emoción”.  No casualmente de pequeño solía hacer grabaciones familiares y a los seis años sacó su primer disco al que llamó “Cohete”.

A través de anécdotas e imágenes de la infancia, Benito logra revelar los efectos secundario de haber crecido en un hogar donde se respiraba arte: “yo tenía algo muy gracioso que es que pensaba que toda la música del mundo la hacían mis padres o mi familia. Entonces si se escuchaba Madonna en mi casa para mí Madonna era una tía. Todas las personas que iba conociendo hacían música, y en cierto punto a mí también me tocaba hacerla”.

 “Yo nací con Creamadélica, los Happy Mondays, The Stone Roses, el Britpop, con el principio de The Verve, Jesus & Mary Chain. Todo eso estaba sonando de fondo, junto a cosas más electrónicas. Se amalgamaba todo eso”.  El líder de Zero Kill cuenta que el subgénero del rock alternativo originario de UK,  así como el post punk mancuniano de principio de los 90, fueron su primera banda de sonido. Tan significativa fue la marca estética de los británicos que lo inspiraron en la búsqueda de su propia identidad: “De Bowie a mí me atrae visualmente todo los 70’s: el glam y el soul. Y de The Smiths también, esa cosa medio ambigua. Y Placebo o REM que son como la versión 2.0”.

El tercer álbum de estudio que lanzó recientemente con su banda conjuga su lado más experimental, con retazos de una poesía que recuerda a su padre: “trato de ir a un lugar distinto. No me manejo en línea recta digamos, ni siquiera para arriba. Estoy atento a ver que opciones hay”. Fiel a su estilo, atento a sus emociones y sin medio a los cambios de rumbo, no sigue ninguna fórmula del éxito y siempre busca caminos alternativos.

“Nunca esperé agradarle a nadie. Ni en 2011, cuando empezó mi carrera, y menos ahora – confiesa – creo igual que este disco (“Unisex”) es el más complaciente de todos, porque es un poco más abierto que los otros que son impenetrables. Sigue teniendo mi huella y mi impronta. Pero capaz en la forma en que yo lo comunico, por cómo estoy, que me siento mucho mejor que antes en mi vida, y creo que eso también atrae: la seguridad y el seguir para adelante”. De hecho reconoce que una de sus mayores cualidades es su poder de resiliencia y el nunca abandonar su pasión. Tal es así que afirma sentirse a veces como un “Guerrero de su propia ciudad”.

Más allá de crear un personaje en las redes sociales y de jugar, en sentido perfomático, con múltiples perfiles artísticos (al mejor estilo Bowie), no se siente tan cómodo con la etiqueta de “ídolo” y la exposición permanente. “Más allá de todo, sigo siendo un humano que me voy a equivocar, que voy a decir pelotudeces de las que me voy a arrepentir, y voy a pedir disculpas. Es la vida”, sintetiza en un lenguaje sin filtros que espeja su esencia a prueba de críticas aspiracionales.

No suele hablar mucho de su padre pero cuando lo hace tiende a resaltar su lado más humano y genuino, alejado de los escenarios y las frivolidades del mainstream: “siempre se rodeaba de gente joven y se nutría. Y tenía algo de querer sacar adelante a alguien porque conectas, y por la amistad. Yo hago eso, siempre pongo por adelante lo buena persona de la gente que me acompaña, más que si es talentoso o toca bien”. El sentido de lo colectivo en el arte, el poder aprender y crecer con los demás, y la posibilidad de tejer puentes, son gestos que ayer entendía Gustavo, y hoy reafirma Benito.

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